Percer en tant qu’auteur-compositeur + secrets pour composer et écrire une chanson à succès 2022

ercer dans l’industrie musicale en tant qu’auteur-compositeur

Posted on 26 juillet 2021  9 min read

Une carrière d’auteur-compositeur est un parcours gratifiant et magnifique, avec de nombreux projets passionnants à réaliser.

Qu’il s’agisse de composer la bande sonore de la prochaine superproduction ou de rédiger un jingle pour la radio locale, les possibilités sont nombreuses pour un auteur-compositeur. Toutefois, avant de vous lancer dans votre premier gros contrat, vous devez réfléchir à certaines questions importantes. Comment allez-vous vous faire connaître ? Quelles sont les compétences dont vous avez besoin pour rester compétitif ? Nous avons récemment rencontré Julian Cassia, compositeur de films, producteur de musique et instructeur de RAC, pour lui demander ce qu’il pense de ce que les jeunes diplômés devraient savoir avant d’entrer dans l’industrie de la chanson. Julian a un curriculum vitae bien rempli, avec des crédits dans des longs métrages (par exemple, The Traveller), des campagnes publicitaires de grandes marques (par exemple, Canon, Netflix, Samsung), et son propre travail en tant que Almost An Artist (par exemple, « Mikalo » et « Paradox », 2018).

Quelles sont les fausses conceptions concernant l’industrie de la chanson ?

Généralement, les premières images qui viennent à l’esprit des gens lorsqu’ils imaginent la vie d’un auteur-compositeur sont celles d’un artiste qui déverse son âme sur le papier et qui part sur la route avec sa vision. Aussi romantique que cela puisse être, ce n’est qu’une des façons dont une personne peut travailler dans le domaine de l’écriture de chansons.

Comment les auteurs-compositeurs gagnent-ils leur vie ?

Les auteurs-compositeurs dépendent de plusieurs sources de revenus :

• Les redevances d’exécution s’accumulent lorsque votre musique est « interprétée ». Si un groupe (ou vous-même) joue votre chanson dans un lieu public, cela compte comme des redevances d’exécution. Les redevances d’exécution peuvent également provenir de sources telles que les écoutes radio, Spotify (ou d’autres services de streaming), la radio par satellite, les émissions de télévision ou les films.
• Les redevances mécaniques sont essentiellement dues lorsqu’une copie légale de votre chanson, ou d’une partie de celle-ci, est vendue. Cela peut inclure les ventes de CD et de vinyles et les téléchargements de chansons ou de sonneries.
• Les droits de synchronisation sont perçus lorsqu’une chanson est utilisée sous licence pour un film, une émission de télévision ou une publicité. Essentiellement, chaque fois qu’elle est synchronisée avec une image en mouvement. Il ne faut pas les confondre avec vos redevances, car les frais de synchronisation sont des frais initiaux.

Quelles sont les différentes façons de travailler dans l’industrie de la chanson ?

L’un des moyens est d’écrire pour d’autres artistes. L’argent est gagné sous forme de droits d’entrée, de redevances mécaniques et de redevances d’exécution. Bien qu’il n’existe pas de voie unique pour entrer dans le monde de la composition de musique pour d’autres auteurs-compositeurs, une chose est sûre : vous devez écrire beaucoup pour être en mesure d’écrire pour d’autres artistes. Il faut aussi beaucoup travailler en réseau.

Est-il possible pour quelqu’un de devenir un auteur-compositeur indépendant à succès ?

La chance ne manque pas lorsqu’il s’agit de débloquer cette carrière. Là encore, l’artiste doit écrire et jouer beaucoup. Le flux de revenus, dans ce cas, provient des spectacles, des redevances mécaniques, des redevances d’exécution, des avances (s’il est signé par un label) et des possibilités de synchronisation.

Que faut-il pour travailler en tant que producteur ou compositeur indépendant ?

À ce titre, les musiciens peuvent gagner de l’argent en travaillant sur commande. Cela peut prendre la forme de l’écriture de chansons, par opposition à des morceaux de musique, par exemple. Ce type de travail exige beaucoup d’ardeur. Vous devez le traiter comme une entreprise et soigner tous les aspects de votre modèle économique et vous mettre en relation avec des cinéastes, des producteurs, des directeurs commerciaux, des maisons de disques et tous ceux qui pourraient utiliser vos services. Le flux de revenus, dans ce cas, est aussi généralement un mélange de commissions, de droits de synchronisation et de redevances d’exécution.

Comment se passe le travail d’un auteur-compositeur interne ?

À Nashville et à Los Angeles (principalement), vous pouvez obtenir ce que l’on appelle un « contrat d’édition ». On attend de vous que vous écriviez un nombre prédéterminé de chansons qui seront ensuite exploitées de diverses manières par la société d’édition. Il peut s’agir d’un poste fantastique qui offre un style de vie plus proche du 9-5. Le réseautage joue un rôle important dans l’obtention de ce type de poste. Dans le cas d’une personne ayant un contrat d’édition, les flux de revenus proviennent généralement d’une avance, de redevances mécaniques et de redevances d’exécution.

Que pensez-vous des possibilités de co-écriture pour les nouveaux auteurs-compositeurs ?

La co-écriture est un moyen incroyable de se développer en tant qu’auteur-compositeur. Non seulement vous êtes exposé à de nouvelles façons d’écrire des chansons, mais si vous êtes bien assortis, votre co-auteur reflète vos points forts et souligne les aspects sur lesquels vous devez travailler. Vous créerez également un lien incroyablement profond avec quelqu’un lorsque vous écrirez une chanson dont vous serez tous deux fiers !

Dans quelle mesure est-il important que les auteurs-compositeurs s’exercent et raffinent leur art ?

Vous devez vous pratiquer à écrire et à compléter des chansons et développer une compréhension aiguë du fonctionnement des chansons. Il ne suffit pas d’écrire des loops, il faut des chansons abouties, et il en faut beaucoup ! Le délai d’exécution que l’on attend de vous dans certains cas peut être très court. Il n’est pas inhabituel que l’on vous demande d’écrire une chanson en une nuit. Si vous vous préparez à ces moments décisifs en vous exerçant régulièrement à l’écriture de chansons, vous aurez de meilleures chances de gagner votre vie dans cette voie professionnelle.

Y a-t-il des compétences additionnelles que les auteurs-compositeurs devraient connaître ?

Il est un peu irréaliste, à notre époque, de penser que vous pouvez écrire une chanson, l’enregistrer sur votre téléphone et capter l’attention. D’autres auteurs-compositeurs présenteront leurs chansons dans un format prêt pour la radio, et ils l’emporteront sur vous. Apprenez à produire de bonnes démos de vos chansons avec un DAW afin de pouvoir livrer votre produit rapidement et efficacement. Plus vous apprendrez à utiliser un DAW, plus vos chances seront élevées.

Avez-vous un dernier conseil à donner à nos diplômés qui commencent leur carrière ?

Performer. Je ne saurais trop insister sur ce point. En général, les cafés locaux sont des endroits faciles pour commencer. Une fois que vous avez un spectacle solide, vous pouvez emmener vos chansons sur des scènes plus importantes. Se produire est un moyen incroyable de tester votre matériel. Vous découvrirez très rapidement si ce que vous jouez plaît aux autres ou si vous devez retourner à zéro. En tant qu’auteur-compositeur, vous pouvez vous attendre à un barrage sans fin de refus. Essayez de ne pas être trop sensible et de ne pas vous laisser décourager ; si vous voulez devenir un pro, il vous faudra développer une peau dure.  

Quelles sont les bonnes ressources que les élèves peuvent suivre ?

• Meetup.com est un excellent site pour trouver et rejoindre des groupes d’écriture de chansons. 
• Artery.is est un site formidable qui vous permet d’organiser des concerts à domicile. Il vous met en relation avec des hôtes qui vous ouvrent leur maison pour que vous puissiez venir y jouer vos chansons. Artery vous paierez également en fonction du nombre de personnes qui assisteront au spectacle.
• Consultez le site cmw.net pour obtenir des informations sur la semaine de la musique canadienne, un endroit idéal pour créer des réseaux et rencontrer d’autres musiciens partageant les mêmes idées. Il y a quelques possibilités de spectacle, mais il s’agit surtout de réseautage et d’apprentissage auprès de vétérans de l’industrie. 
• Il y a aussi diymusiciancon.cdbaby.com, qui est un concept similaire au précédent, mais aux États-Unis.

Comment écrire et vendre vos chansons

Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi certains auteurs - compositeurs obtiennent des contrats de disques qui changent leur vie, alors que d'autres avec un talent et un style incroyables semblent travailler dans l'obscurité? La différence cruciale peut être qu'un auteur-compositeur sait se vendre, tandis que l'autre ne le sait pas. Même les musiciens les plus visionnaires peuvent passer inaperçus s'ils ne sont pas capables de «diffuser leur musique». Aux difficultés des auteurs-compositeurs s'ajoute le fait que l'environnement actuel de la composition est un environnement hautement créatif, compétitif et sursaturé. Les auteurs-compositeurs doivent non seulement se faire remarquer, mais ils doivent également se différencier des innombrables autres nouveaux venus dans leur domaine et des artistes traditionnels existants. Lisez ci-dessous le saut pour commencer à apprendre comment surmonter ces obstacles et commencer à vendre de bonnes chansons.

 Exemples de paroles pop

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 Modèle de contrat

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   Écrivez des paroles avec une signification émotionnelle . Bien que la musique populaire puisse parfois sembler à l'emporte-pièce (surtout au niveau des paroles) en fait, il n'y a pas une seule «bonne» façon d'écrire les paroles des chansons. De superbes paroles de chansons ont été écrites à partir d'une incroyable variété de points de vue personnels qui couvrent toute la gamme de l'expérience humaine. Certaines chansons sont gaies, d'autres sont furieuses. Certaines chansons sont décontractées et détendues, d'autres sont tendues et paranoïaques. Certains ont une grande importance personnelle pour l'écrivain, tandis que d'autres ne concernent rien du tout. Cependant, presque toutes les grandes chansons véhiculent une sorte d'émotion. Pour commencer, lorsque vous écrivez des chansons, essayez d'exprimer ce que vous ressentez lorsque vous pensez à certains sujets, événements ou personnes qui sont importants pour vous. Vos paroles ne doivent pas nécessairement mentionner ces choses directement, bien qu'elles le puissent certainement.

   • Examinons les premières lignes de deux chansons - premièrement, "Between the Bars" d'Elliott Smith et, deuxièmement, "Swimming Pools (Drank)" de Kendrick Lamar. Les deux chansons parlent de la dépendance à l'alcool. Cependant, notez qu'ils adoptent deux approches différentes sur le même sujet, Smith optant pour une approche indirecte et référentielle et Lamar pour une approche plus directe. Les deux peignent avec succès des images émotionnelles puissantes.
     • Entre les bars : Buvez, bébé, restez éveillé toute la nuit / Avec les choses que vous pourriez faire, vous ne le ferez pas mais vous pourriez / Le potentiel que vous serez que vous ne verrez jamais / Les promesses que vous ne ferez que
     • Swimming Pools (Drank) : Maintenant, j'ai grandi autour de certaines personnes vivant leur vie dans des bouteilles / Grand-papa avait le dos crawlé de la fiole d'or tous les jours à Chicago / Certaines personnes aiment ce que l'on ressent / Certaines personnes veulent tuer leurs chagrins / Certaines personnes veulent s'adapter avec le populaire / C'était mon problème
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   Donnez à votre chanson un sens de la structure . Donc, vous avez pensé à des choses qui vous font ressentir des émotions fortes et écrivez vos pensées sous forme de paroles. Vous avez déjà pris un bon départ. Ensuite, vous devrez organiser vos paroles dans une sorte de structure de chanson - décidez quels mots vont dans le couplet, lesquels dans le refrain, lesquels dans le pont, etc. ^[1] De nombreuses chansons populaires ont des paroles qui riment - si vous voulez que vos paroles riment, vous devrez également décider d'un schéma de rimes (le modèle selon lequel vos rimes sont arrangées).
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   Composez une musique d'accompagnement instrumentale pour votre chanson . Une fois que vous avez écrit vos paroles et les avez organisées en une chanson, il est temps de commencer à réfléchir à la façon dont vous aimeriez que votre chanson sonne. Encore une fois, il n'y a pas de bonne façon d'écrire une chanson, mais vous trouverez peut-être plus facile de comprendre vos parties instrumentales avant de vous attaquer à votre mélodie vocale - de cette façon, vous serez en mesure d'adapter votre voix à un support instrumental solide, plutôt que personnalisé. -composer des parties instrumentales pour s'adapter à votre mélodie vocale. Naturellement, essayez de composer des accompagnements instrumentaux qui complètent les émotions véhiculées par vos paroles.

   • Les parties instrumentales des chansons varient en volume et en intensité - certaines sont des «murs sonores» accablants, tandis que d'autres sont si rares qu'elles sont à peine audibles en comparaison. Par exemple, comparez "Only Shallow" de My Bloody Valentine à "Polly" de Nirvana. Ces deux chansons de rock alternatif sont sorties à quelques mois d'intervalle, mais leur instrumentation ne pourrait pas être plus différente. "Only Shallow" est un énorme et tourbillonnant mastodonte de la distorsion, tandis que "Polly" est une composition sombre et feutrée, avec juste une guitare acoustique, la voix de Kurt Cobain, un court intermède à la basse et quelques coups de batterie.
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   Réglez vos paroles sur une mélodie . Dans une grande partie de la musique populaire, la voix du chanteur est la caractéristique centrale de chaque chanson, soutenue par le soutien instrumental. Maintenant que vous avez compris les paroles et les parties instrumentales de votre chanson, il est temps de mettre vos paroles en musique. Donnez à vos paroles une mélodie ou, peut-être plus précisément, des mélodies - la plupart des chansons ont des mélodies liées, mais distinctes pour les couplets, les refrains, etc. Bien que certains musiciens utilisent le concept de discorde (conflit entre les notes ou les accords d'un morceau de musique) ^[2] à grand effet, généralement, vous voudrez que votre mélodie vocale soit dans une tonalité appropriée pour les accords de votre chanson.

   • Il n'est certainement pas impossible de réussir en écrivant et en vendant des chansons a cappella (chansons avec uniquement des voix et sans instruments) ou des enregistrements purement instrumentaux. Par exemple, la version de Shai de "If I Ever Fall in Love" est une chanson a cappella qui a passé du temps à la deuxième place des charts américains. De même, la récente explosion de popularité de la musique de danse électronique a fait des succès des chansons avec peu de paroles (voire aucune). Cependant, la grande majorité de la musique populaire a à la fois des instrumentaux et des paroles, donc l'écriture de ces types de chansons peut vous donner plus d'attrait de masse.
   • Notez que si vous écrivez des chansons de rap, vous n'aurez généralement pas à vous soucier des mélodies vocales, car les voix de rap "pur" sont livrées sans ton. Cependant, de nombreux artistes hip-hop incorporent la tonalité dans leurs chansons sous la forme de refrains chantés ou de vers mi-chantés, mi-rappés. Voir "Juice" de Chance the Rapper pour un exemple de cette technique.
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   Portez une attention particulière au refrain ou au crochet de votre chanson. Beaucoup de chansons populaires avec des couplets sans intérêt, des instrumentaux tièdes et des paroles risibles sont sauvées par la puissance d'un formidable refrain (parfois appelé le «crochet»). Essayez de faire du refrain de votre chanson un ensemble de lignes particulièrement poignant, expressif et concis. Généralement, le refrain est la partie d'une chanson dont les gens se souviendront le mieux, alors rendez-le emblématique de votre chanson dans son ensemble. Une autre façon d'aborder ce problème est de considérer votre crochet comme la "déclaration de thèse" de votre chanson - si vous deviez résumer les émotions derrière votre chanson en quelques lignes musicales, comment le feriez-vous?
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   Soyez passionné . Par-dessus tout, lorsque vous écrivez une chanson, essayez d'imprégner votre travail de passion à la fois musicalement et lyriquement. Vos chansons doivent vous faire ressentir, en tant qu'interprète, des émotions fortes - si vous vous ennuyez par votre musique, n'ayez pas peur de recommencer à zéro. La musique est tout autant un métier qu'un art - c'est quelque chose à perfectionner et à perfectionner avec beaucoup de pratique. La meilleure façon de vous motiver à travailler dans votre métier d'écriture de chansons, bien sûr, est d'être vraiment passionné à ce sujet.

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Partie 2 Quiz

Vrai ou faux: la plupart des chansons populaires ont des paroles qui riment.

 Vrai

Corriger! En général, les chansons les plus populaires ont des paroles qui riment. Cependant, votre chanson ne nécessite pas de système de rimes pour être accrocheuse. Si vous choisissez d'écrire une chanson qui ne rime pas, vous pouvez toujours la rendre accrocheuse d'une autre manière! Lisez la suite pour une autre question de quiz.

 Faux

Pas exactement. Bien que vous puissiez absolument écrire une chanson entraînante qui ne rime pas, la plupart des chansons populaires ont des paroles qui riment car elles sont plus faciles à mémoriser et donc plus accrocheuses. Cependant, si vous ne voulez pas écrire une chanson qui rime, ne vous inquiétez pas! Il n'y a pas de règle qui dit qu'une chanson qui ne rime pas ne peut pas aussi être accrocheuse. Essayez une autre réponse ...

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   Jouez à des concerts en direct. Bien que certains musiciens (comme, de manière célèbre, les Beatles) aient été en mesure de s'éloigner du spectacle vivant au profit de se consacrer entièrement au travail en studio, très peu, voire aucun, ont été en mesure de devenir largement connus en premier lieu sans jamais en live. Pour commencer à construire un public et à gagner en reconnaissance en tant que musicien, il est important de travailler en live. Pour commencer, recherchez des occasions de vous produire dans votre région. ^[3]Les bars, les clubs et les cafés sont les terrains d'essai «classiques» pour les musiciens émergents, mais ils sont loin d'être les seuls endroits où vous pouvez vous produire. Tout lieu ou toute occasion où les gens se rassemblent peut être une occasion de se produire. Les mariages, les anniversaires, les marchés fermiers et même les coins de rue peuvent être des endroits pour développer votre public et vendre votre musique.

   • N'ayez pas peur de commencer petit - tous les musiciens sauf les plus chanceux ont payé leur cotisation en tant qu'acteurs locaux avant de devenir grand. Un exemple semi-récent est Lady Gaga, qui est devenue un incontournable de plusieurs bars et boîtes de nuit de New York pendant plusieurs années au milieu des années 00 avant de se faire photographier sous les projecteurs.
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   Enregistrez votre musique. Presque tous les actes musicaux sérieux devraient passer du temps dans le studio d'enregistrement. Généralement, en studio, les artistes s'associent à un producteur ou à un ingénieur pour créer un produit fini qui leur satisfait. Enregistrer votre musique vous donne la possibilité de la distribuer à vos fans (sous forme physique sous forme de CD ou en ligne sous forme de fichier) sous une forme raffinée et définitive, exactement comme vous le souhaitez. ^[4]Cela vous donne également la possibilité de donner votre musique aux types de personnes qui peuvent vous aider à gagner de l'argent avec votre musique, à savoir les maisons de disques et les scouts de l'industrie. Si vous n'avez pas encore enregistré de musique, vous souhaiterez peut-être enregistrer une démo comme premier pas. ^{[5] Les} démos sont des "mini-albums" courts (environ 3-6 pistes) qui vous donnent une chance de présenter votre style musical - pensez-y comme des CV musicaux pour des employeurs potentiels.

   • Pratiquez méticuleusement vos chansons avant d'entrer en studio. Le temps en studio peut être assez coûteux, vous voudrez donc pouvoir enregistrer chaque chanson en aussi peu de prises que possible. Les coûts associés à de longues sessions en studio peuvent rapidement s'additionner, alors essayez d'arriver au point où vous pouvez jouer toutes vos chansons dans votre sommeil avant d'essayer de les enregistrer.
   • Pour la même raison que vous voudrez avoir vos chansons avant d'entrer en studio, vous voudrez également éviter une expérimentation excessive en studio. Par exemple, ne laissez pas un producteur vous convaincre de perdre du temps à essayer d'innombrables pédales d'effets. Le lieu de l'expérimentation et de l'improvisation est dans la salle de pratique.
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   Envisagez de faire appel à un gestionnaire. Réserver vos propres spectacles et temps de studio, négocier vos propres contrats et distribuer votre propre musique prend beaucoup de temps et nécessite une grande expertise. Pour cette raison, de nombreux musiciens dévoués décident de faire appel aux services d'un gestionnaire professionnel ou d'un agent de réservation pour gérer les aspects commerciaux de l'industrie de la musique. Bien que cette option ne soit pas réalisable avec le budget moyen d'un artiste affamé, elle peut aider un jeune artiste prometteur à maximiser son potentiel et à se développer au sein de l'industrie. Assurez-vous que votre manager est établi et réputé - ne soyez pas la proie des escrocs.
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   Contactez les maisons de disques. Lorsque vous avez commencé à rassembler un public et que vous avez enregistré une démo ou deux, vous voudrez peut-être essayer de vous vendre à des maisons de disques pour gagner un contrat d'enregistrement. Bien que de grandes maisons de disques internationales signent parfois des artistes relativement inconnus en termes de diffusion grand public (voir: Epic Records signant le groupe de hip hop expérimental Death Grips), les artistes obscurs et émergents peuvent avoir plus de chance lorsqu'ils courtisent de plus petits labels indépendants. Recherchez des étiquettes qui diffusent le type de musique que vous souhaitez vendre. Ensuite, s'ils ont une politique d'acceptation des soumissions non sollicitées, n'hésitez pas à leur envoyer des démos, des photos, des interviews, des critiques, des biographies, etc. (s'ils sont envoyés tous ensemble, ces types de documents composent ce qu'on appelle un dossier de presse , un standard méthode utilisée par les artistes pour diffuser leur travail et propager leur image).

   • Bien sûr, la meilleure façon de se faire remarquer par une maison de disques est peut-être de susciter l'attention pour vous-même grâce à une innovation musicale révolutionnaire, des performances live remarquables et / ou une image unique. En d'autres termes, si vous êtes en mesure de générer de la renommée (ou de la notoriété) sans maison de disques, les maisons de disques peuvent venir vers vous.
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   Recherchez des opportunités non conventionnelles de vous vendre en tant que musicien. Il est important de jouer vos propres chansons en live, mais ce n'est que l'une des façons dont les musiciens peuvent gagner en influence professionnelle. Les artistes musicaux peuvent (et devraient) également essayer de trouver du travail en tant que musiciens de session, compositeurs de bandes sonores, etc. - toute occasion de contribuer de la musique au projet ou à l'effort d'une autre personne est une chance de faire connaître votre nom.

   • Une opportunité souvent négligée pour les artistes de créer de la musique originale à but lucratif est dans le monde de l'écriture de jingle. Les agences de publicité emploient régulièrement des musiciens pour composer et interpréter des chansons pour des publicités. En fait, plusieurs maisons de production musicale (appelées «maisons de jingle») se spécialisent dans le processus, utilisant des musiciens internes pour créer des jingles pour leurs clients. ^[6]
   • Surtout au début, les musiciens peuvent ne pas avoir le luxe de pouvoir être pointilleux avec leurs employeurs. Ne vous inquiétez pas trop de «vendre» - à certains égards, cela fait partie du processus pour vous faire connaître en tant que musicien. En fait, de nombreux interprètes désormais célèbres avec des penchants anti-autorité ont à l'origine participé à des efforts musicaux plus «commercialement amicaux». Exemple concret: Tupac Shakur était à l'origine membre du groupe de hip-hop léger Digital Underground (de renommée "Humpty Dance").
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   Créez une image distincte. La musique est aujourd'hui un domaine plus compétitif que jamais. Avec l'avènement des sources de vente au détail de musique en ligne, les musiciens contemporains ne doivent pas seulement rivaliser les uns avec les autres, mais aussi avec les stars du passé dont la musique est tout aussi disponible pour les consommateurs que la leur. Pour avoir les meilleures chances de pouvoir vous vendre en tant que musicien, il est important de vous assurer que vous vous démarquez du peloton des artistes modernes. Ne faites pas de musique ou ne jouez pas de manière à vous confondre avec un autre artiste. Au lieu de cela, brisez le moule et forgez une image artistique qui vous est unique. ^[7]

   • Ce conseil s'étend à votre musique elle-même ainsi qu'à la façon dont vous jouez. Soyez fier des fioritures et des particularités propres à votre performance. De nombreux musiciens à succès, comme Prince, Michael Jackson, Freddie Mercury et d'innombrables autres, avaient et / ou ont des styles d'interprétation qui sont inoubliables. Les vêtements que vous portez, la façon dont vous vous portez sur scène et la façon dont vous jouez vos chansons se combinent pour créer votre image en tant qu'artiste, alors prenez le temps de développer ces aspects de vous-même en tant qu'artiste.
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   Faites votre promotion. Que vous jouiez des émissions en direct ou que vous essayiez de déplacer des copies de votre dernier album, il est presque toujours dans votre meilleur intérêt de toucher autant de personnes que possible. Annoncez-vous en tant que musicien en utilisant toutes les méthodes à votre disposition - bouche à oreille (par exemple, si vous enseignez la musique à temps partiel, essayez de parler à vos élèves d'un concert à venir à la fin de leurs cours), auto-publicité (dépliants, etc.) .), et même la promotion croisée avec les stations de radio locales sont d'excellentes idées pour vous promouvoir. Assurez-vous également de profiter de votre visibilité en ligne. De nos jours, une «poussée» des médias sociaux au bon moment peut être un moyen beaucoup plus efficace et efficace d'atteindre votre base de fans que la publicité conventionnelle. ^[8]

   • L'humble flyer est une méthode bien utilisée par laquelle les musiciens se promeuvent eux-mêmes. Ceux-ci peuvent être facilement produits en masse pour un prix relativement bas avec rien de plus qu'un ordinateur de base et une imprimante. Assurez-vous que votre dépliant comprend toutes les informations dont votre public aura besoin pour assister à votre prochain événement - l'heure, le lieu, la date et le prix d'entrée sont essentiels . Assurez-vous également que votre dépliant se trouve à un endroit où il sera remarqué, comme une salle de concert, un bar, un café ou un campus universitaire.
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   Faites la promotion de vos chansons en personne et en ligne. Peu importe leur qualité, vos chansons ne se vendront jamais. Utilisez chaque représentation comme une occasion de vendre des chansons - soit en rappelant à votre public que vous avez des CD physiques à vendre ou en les dirigeant vers une page Web personnelle, etc. Ne craignez pas de vendre votre musique. Si vous montez un bon spectacle, vous méritez l' argent que vous gagnez en vendant votre musique - vous ne vous vendez pas en donnant à votre public la possibilité de vous soutenir.

   • Internet offre de nombreuses opportunités intéressantes pour les musiciens de partager et de vendre leur musique. Les sites de réseautage social comme Facebook et Twitter permettent aux musiciens de rester en contact avec leurs fans et de les informer des nouvelles chansons et des performances en direct. En outre, des sites tels que GarageBand et Soundcloud offrent la possibilité aux artistes d'héberger et même de vendre leur musique en ligne.
     • Certains artistes récents ont en fait réussi à devenir des succès éclatants principalement grâce à Internet. Par exemple, le chemin de Justin Bieber vers la célébrité a commencé lorsqu'un dirigeant de l'industrie du disque a accidentellement cliqué sur l'une des vidéos en ligne de Bieber par accident.
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   Faites attention aux valeurs de production de votre musique. Vous avez probablement remarqué qu'aujourd'hui, la plupart des chansons à la radio se ressemblent un peu en termes de style de production élégant et sans faille. C'est un choix délibéré de la part des créateurs des chansons. Les valeurs de production d'une chanson sont un facteur sérieux à prendre en compte avant de la diffuser au public - des défauts mineurs tels que des notes manquées, un bruit de fond et des transitions notables entre des prises séparées peuvent devenir flagrants avec des écoutes répétées. Bien qu'il existe certainement un marché pour la musique avec une esthétique lo-fi, le marché des enregistrements élégants et soignés est indéniablement plus grand. Alors, à tout le moins, assurez-vous de déterminer si les valeurs de production de votre musique correspondent à vos objectifs professionnels.

   • Certains musiciens ont l'expérience et le savoir-faire pour produire leur propre musique - Kanye West et certains de ses pairs dans le monde du hip-hop, par exemple, produisent beaucoup de leurs propres chansons. Cependant, de nombreux musiciens ne savent pas comment "travailler les planches", pour ainsi dire. Si vous appartenez à ce groupe, pensez à payer pour du temps en studio avec un producteur professionnel, qui pourra vous aider à enregistrer et à mixer votre musique de manière aussi professionnelle que possible.
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    Ne laissez jamais l'industrie profiter de vous. Malheureusement, l'industrie de la musique a l'habitude de profiter de la gentillesse des musiciens bien intentionnés. Sachez toujours que les directeurs de tournée peu recommandables, les maisons de disques, les propriétaires de salles, les organisateurs de concerts, etc. peuvent être prêts à vous attirer. Ne laissez jamais quelqu'un que vous ne connaissez pas vous enliser dans un accord vague ou mal défini. N'acceptez pas de travailler gratuitement en tant que musicien pour la «possibilité» de payer à une date ultérieure. N'échangez pas votre auto-agence contre la promesse de la gloire. Ne laissez aucun responsable ou personnel que vous employez prendre des décisions à votre place sans votre consentement. En règle générale, essayez de rester sur vos gardes lorsque vous naviguez dans l'industrie de la musique. Bien que beaucoup de gens de l'industrie soient complètement honnêtes et éthiques, il suffit d'un accord juridiquement contraignant avec une pomme pourrie pour mettre complètement à l'écart votre carrière musicale.

    • Les contrats sont un must . Les accords oraux, même avec des personnes avec lesquelles vous êtes proche, ne sont pas faciles à appliquer. Obtenez toujours tout accord que vous concluez par écrit. Si on vous demande de signer un accord contraignant important (comme, par exemple, un contrat d'enregistrement), demandez conseil à un avocat expérimenté avant de signer.

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Partie 3 Quiz

Que devez-vous faire avant d'aller au studio d'enregistrement?

 Mémorisez vos chansons.

Corriger! Avant d'entrer dans le studio d'enregistrement, vous devez connaître vos chansons par cœur et avoir tout prêt à l'emploi. Mémorisez vos paroles, sachez quelles notes chanter, entraînez-vous avec votre groupe si vous en avez une, et faites tout ce dont vous pourriez avoir besoin pour enregistrer votre chanson! Si vous minimisez le temps que vous devez passer en studio, vous pouvez enregistrer vos chansons sans vous ruiner! Lisez la suite pour une autre question de quiz.

 Écrivez une liste des façons dont vous souhaitez expérimenter en studio.

Pas assez. Si vous avez des expériences à faire, faites-les avant d'entrer en studio. Au studio, vous payez un prix élevé pour le temps en studio, alors assurez-vous d'avoir tout ce que vous voulez faire pour pouvoir enregistrer votre chanson en le moins de prises possible. Choisissez une autre réponse!

 Pratiquez le réseautage avant de rencontrer les producteurs du studio d'enregistrement.

Pas exactement. N'oubliez pas que votre passage dans le studio de musique est une chance professionnelle d'enregistrer votre musique. Tout réseautage ou toute question que vous avez doit être fait à un moment différent, afin que vous puissiez vous concentrer sur l'heure du studio d'enregistrement comme un moment pour enregistrer votre musique et vous concentrer sur vos chansons! Choisissez une autre réponse!

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11 secrets enfin révélés pour composer et écrire une chanson à succès

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Cette magie incroyable d’assembler des bouts de sons pour en faire de véritables boites à émotions.

Des fragrances musicales que tes auditeurs pourront ensuite laisser échapper et revivre à loisir.

Oui, mais voilà.

Les standards que tu entends à la radio sonnent bien.

Les tiens non.

Et tes auditeurs ne semblent pas non plus avoir l’envie irresistible de rappuyer sur play à la fin de chaque morceau.
Ils gigotent même sur place quand tu le leur fait écouter pour la 1ère fois. À 2 doigts de se jeter sur leurs portable, voir les dernières notifications à scandale des fesses de Kim Kardashian.

Après tout ce temps passé à lustrer tes sons comme une boule de bowling… on est bien loin du “strike”.

Créer un tube te semble alors un véritable tour de force.

Un don de capacité surhumaine.

Et c’est vrai.

On voit souvent des groupes ou artistes, pourtant talentueux, écrire une chanson à succès… et puis tomber dans l’oubli le plus total l’année d’après.

Dur.

Et pourtant, il existe un producteur suédois exceptionnel, peu connu du grand public, et qui est à l’origine des plus grands tubes Pop de ces dernières décennies.

J’ai nommé….

Monsieur Max Martin, bien sûr.

(c’est écrit dans le titre)

Qui est Max Martin?

Il est celui qui se cache derrière des chansons de stars comme: Britney Spears, Kattie Perry, Pink, Adele, Taylor Swift, Timberlake, The Weeknd, etc. La liste est bien trop longue… (Voir le lien wikipedia).

Il a hissé plus d’une vingtaine de ses chansons en #1 au classement “Billboard Hot 100”.
(top 100 des meilleures chanson aux USA).

Un tableau de chasse impressionnant qui le place juste derrière John Lennon et Paul McCartney.

Rem: Pour bien te rendre compte de la difficulté d’être à la première place du Top 100, la dernière chanson que Sir McCartney à réussi à classer N°1 date de 1983…

Alors comment fait Max pour aligner tubes sur tubes et rester au top depuis tant d’années?

Beaucoup se sont posés la question. Peu ont trouvé de réponses. Car ce talentueux producteur restait tapi dans l’ombre, loin des caméras et autres micros des interviewers.

Mais…

Vers la fin 2017, à la surprise générale, Max Martin acceptait enfin de donner une interview après des décennies de refus.

La voici en vidéo (active les sous-titres pour mieux comprendre l’anglais):

C’est donc après analyse de ce rare entretien et de recherches plus approfondies sur ce sympathique bonhomme, que je suis fier de te présenter ce précieux recueil d’astuces.

Voici enfin les 11 secrets du boss de la Pop à saupoudrer sans retenue dans tes propres productions Home studio.

Rem: Ces astuces sont loin de ne concerner que la Pop. Et crois moi, il y a du bon à prendre dedans, peu importe ton style de musique.

1) Une mélodie coup de poing

“Il est très important d’avoir une bonne mélodie. Si tu en as une, construis ton morceau autour de ça. Ne cherche pas à faire trop compliqué.

Un de ses disciples, Kotecha, parle de l’influence de Martin :

«Nous travaillons la mélodie en premier. C’est l’école Max Martin. Nous passions des jours, parfois des semaines a venir à bout d’une mélodie. Le but est de faire en sorte qu’elle sonne comme si tout le monde pouvait la faire, mais un réalité c’est très difficile.”

L’avantage majeur de cette approche?

Tu concentres tes premiers efforts sur l’élément le plus important:

La mélodie.

C’est elle que l’on retiendra et qui nous donnera envie de réécouter ton morceau.

Tant que tu n’as pas une ligne mélodique à la fois simple et virale, tu ne vas pas plus loin. Tu évites ainsi de perdre du temps à tout composer, enregistrer et mixer pour un résultat bof.

Les musiques que tu choisiras de développer ensuite en entier auront cette puissante attraction: une mélodie qui harponnera l’oreille de tes auditeurs et marquera leur esprit au fer rouge.

Play. Play. Play.

2) Une astuce pour familiariser de suite l’auditeur avec ton morceau

“Une autre théorie est de chanter la mélodie du refrain pour un couplet.

Par exemple : I Wanna Be Your Lover de Prince. Le couplet et le refrain de la chanson sont exactement pareils. Mais en tant qu’auditeur tu ne le remarques pas, car l’énergie du refrain est complètement différente de celle du couplet. Dès que le refrain arrive, tu as une impression de déjà-entendu. Et c’est vrai ! Tu l’as entendu dans le couplet. Cela crée automatiquement un effet de familiarité. Prince le fait beaucoup. Pour Let’s go Crazy, c’est pareil.

J’ai moi-même utilisé cette astuce de temps en temps. Dans Do You Know (What It Takes) LYSSNA de Robyn par exemple.”

On cherche souvent à créer un lien qui unit toutes nos différentes idées pour un morceau.

Tu sais bien… pour ne pas se retrouver avec l’effet “patchwork” de trucs qu’on aime bien, mais qui s’accordent aussi bien ensemble que ton pantalon à pince bordeaux et tes tongues jaune fluo.

Ici, le fil conducteur est évident. Il s’agit de la même mélodie, mise dans des contextes différents pour un couplet et un refrain.

Ecoute: “Do you know what it takes” – Robyn.

Ou encore: “E.T” – Katy Perry.

2 morceaux produits et co-écrits par Max Martin.

Verdict?

Limpide et efficace, sans jamais apparaître trop répétitif.

Une astuce à essayer sur une prochaine compo pour rendre ta mélodie familière et inoubliable dans l’esprit de tes auditeurs.

3) L’importance du choix des syllabes

Un de ses collaborateurs de composition, Bonnie McKee, dit qu’il est hyper pointu sur la manière dont les syllabes servent une mélodie.

“C’est très mathématique. Un vers doit avoir un certain nombre de syllabes, et le prochain doit être son image miroir… si tu ajoutes une syllabe, ou que tu en enlèves une, cela devient une mélodie complètement différente pour Max. Je peux écrire quelque chose que je crois très intelligent, mais si ça ne sonne pas de la bonne manière, alors Max ne l’aimera pas.”

Max utilise un nombre de syllabes qui se répètent de manière très structurée.

Exemple du nombre de syllabes sur “California Gurls” – Katy Perry:

California girls (5)
We’re unforgettable (6)
Daisy dukes, bikinis on top (8)

Sun-kissed skin, so hot (5)
We’ll melt your popsicle (6)
Ooh oh ooh… (12)

California girls (5)
We’re undeniable (6)
Fine, fresh, fierce, we got it on lock (8)

West coast represent (5)
Now put your hands up (5)
Ooh oh ooh… (12)

Nombre de syllabes du paragraphe 1 - 5 6 8 <–A B C
Nombre de syllabes du paragraphe 2 - 5 6 12 <–A B D
Nombre de syllabes du paragraphe 3 - 5 6 8 <–A B C
Nombre de syllabes du paragraphe 4 - 5 5 12 <–A B’ D

Bien carré.

Efficace comme un direct en pleine face.

Arme-toi d’une calculette à syllabes, d’un bon dictionnaire de synonymes et impose de l’ordre et du rythme à tes textes lors de ta prochaine session d’écriture.

Afin que tes paroles sonnent de la manière la plus musicale possible.

4) Accrocher l’auditeur dès le départ

Max cite son mentor, Denniz Pop:

« ‘On doit pouvoir reconnaître la chanson dès la première seconde.’

Cette manière de penser lui vient du temps où il était DJ. Si tu veux garder les gens sur la piste de danse quand tu changes de chanson, tu ne dois jamais les laisser douter. On doit être capable d’entendre instantanément ce qui va venir ensuite. »

Si tu as laissé trainé tes oreilles dans les années 90, alors ces 2 secondes de musique devraient suffire à te rappeler un morceau connu de l’époque:

Lecteur audio

00:00

00:00

Utilisez les flèches haut/bas pour augmenter ou diminuer le volume.

Tu as deviné?

Baby one more time.

Et tu as peut-être même l’image d’une Britney à couettes qui te vient à l’esprit.

Voilà une des manières de rendre un morceau reconnaissable dès le départ. Les 1ères notes amènent de suite la marque de fabrique.

BAM.

Essaye pour tes morceaux. Trouve ce qui en fait l’originalité, la pate bien particulière et place le au tout début.

Tes auditeurs reconnaitront tes morceaux dès les 1ères secondes.

5) Un déroulement clair et construit

“Il ne devrait pas y avoir trop d’informations dans le mix.

Je travaille beaucoup pour qu’il soit aussi clair et distinct que possible. Il ne devrait jamais y avoir trop de nouveaux éléments ajoutés en même temps. Un après l’autre. Comme dans un film. Tu ne peux pas présenter 10 personnages dans la première scène. Tu veux apprendre à en connaître un avant d’être prêt pour le suivant.”

Je sais, je te fatigue avec ça. (Dans cet article, ou bien celui-là)
…mais je te le redis encore.

Abuse du bouton mute de ton DAW. C’est le bouton le plus important.

J’ai fait cette erreur aussi. Mes 1ers morceaux étaient plus encombrés que le métro de Tokyo aux heures de pointe. Et pour mixer ça, je me sentais comme le gars chargé d’entasser les gens dans la rame…

Ne surcharge pas ton morceau dès le départ. Prends le temps de nous faire découvrir ses différentes saveurs petit-à-petit.

Ce sera bien plus appréciable pour nous.

Plus simple à mixer pour toi.

Et bonus: tu gardes de la réserve pour le bouquet final de ton morceau.
Car tu pourras mettre le paquet. Qu’on en prenne plein les oreilles et qu’on veuille remonter ensuite pour un autre tour de grand huit.

6) Servir le dessert le plus vite possible

“La musique pop suit l’évolution de la société en général. Tout va plus vite. Les intros sont devenues plus courtes.”

Fini le temps des intro à rallonge des années 80. (écoute Thriller de Michael Jackson)

Les producteurs comme Max cherchent maintenant à accrocher l’auditeur le plus rapidement possible, avec un refrain qui arrive en moins de 50 secondes.

Exemples :

Shake it off – Taylor Swift –> Refrain à 42 secondes
Roar – Katy Perry –> Refrain à 47 secondes
One more night – Maroon Five –> Refrain à 30 secondes
Can’t feel my face – The weekend –> Refrain à 44 secondes
Raise your glass – Pink –> Refrain à 38 secondes
Can’t stop the feeling – Justin Timberlake –> Refrain à 42 secondes

Tu diffuses tes musiques sur internet?

Alors saches que tu as mis les pieds en terrain hostile: en plein coeur de la “jungle de l’attention”. Et tes prédateurs sont redoutables: Facebook, Youtube, Instagram, etc.

Dans ce flot continu de sollicitations, on est tous devenus de véritables déjantés de la zappette.

Si tu nous en demandes trop?

ZAP. On s’échappe.

Alors fait au plus court pour l’intro. C’est vital pour tes musiques.

Écoute tes derniers morceaux. Si le refrain n’arrive pas avant 50 secondes, essaie de voir si tu ne pourrais pas raccourcir l’intro ou le 1er couplet.

Emmène-nous le plus vite possible au coeur de ton morceau, à la friandise.

Quand on y sera, on aura envie d’en goûter un peu plus.

7) Même section, énergie différente

“Si tu écoutes les premier, second et troisième refrain d’une chanson, il ne sonnent pas pareil. C’est la même mélodie et tout ça mais ce qui se passe vraiment c’est que l’énergie change. Tout l’enjeu est de retenir l’attention des auditeurs. […]

Si ceux-ci commencent à jouer avec leurs téléphones dès le début du second couplet, alors il y a quelque chose à propos du morceau qui n’est pas assez bon.”

Pour maintenir l’attention de l’auditeur, il faut que tes refrains gagnent en intensité.

Ça peut être juste des éléments de percussion, comme des shakers ou tambourin, un doublage des voix, des parties harmoniques plus soutenues, etc.

Lorsque tu crées ton refrain, crée le dernier en premier. Donne lui le maximum d’énergie.
Ensuite, pour les premiers refrain, enlève des éléments.

L’inverse du strip tease? Oui, c’est un peu ça:

Plus on progresse.

Plus il y a d’éléments.

Alors, on ne percevra peut-être pas le changement de manière consciente, mais ce n’est pas grave. L’important, c’est que notre attention soit toujours maintenue et qu’on ait un sentiment de progression dans le morceau.

8) Être en bonne voix

“Si le chanteur n’est pas en forme ou qu’il s’ennuie, mon rôle devient celui d’un coach. Essayer de faire ressortir le meilleur de l’artiste.[…]

Tout repose sur comment le chanteur va interpréter sa chanson. C’est le plus important de tout.”

La voix est la figure de proue de ton navire sonore.

C’est l’élément qui attire toute l’attention de l’auditeur.

Alors n’hésite pas à y consacrer du temps pour en faire l’élément le plus abouti de ton morceau.

Enregistre plusieurs prises pour chaque section et combine les meilleures parties entre-elles pour créer l’enregistrement de voix optimal.

Oui, c’est du taf.

Mais le résultat final sera de loin supérieur à la qualité moyenne des home studistes.

9) Yin / Yang de producteur

“Si tu as un couplet avec beaucoup de rythme, tu veux le faire suivre par quelque chose qui n’en n’aura pas. Des notes plus longues. Ou quelque chose qui ne commencerait pas sur le même temps.

[…] tu as besoin d’un équilibre, tout le temps. Si le couplet est un peu surchargé, il faut que ce qui suive le soit bien moins. Il faut de la variation.

[…] si les accords changent beaucoup au cours de ton morceau, il est mieux de garder une même structure mélodique. Encore une fois, tout est une question d’équilibre.”

En cuisine, si tu mets trop d’un même ingrédient, tu foires ta recette.

L’équilibre.

Le contraste.

Dans l’interview, Max donne l’exemple de Shake it off – Taylor Swift:

–> le texte du couplet est plutôt rythmé, avec des notes courtes et des silences, alors que le pré-refrain contraste en posant des notes plus longues et un flot continu.

Prends conscience des différents opposés qui existent en musique : passage rythmique/passage mélodique, notes longues/notes courtes, beaucoup d’éléments en même temps/ arrangement minimaliste, etc.

Vois ensuite si les différentes sections qui se suivent dans ton morceau ne pourrait pas plus contraster entre elles.

Une manière très efficace de renouveler l’intérêt de tes auditeurs qui dégusteront chacune des nouvelles scènes de ton film musical… jusqu’à la fin.

10) Mur blanc en fond, éclairage direct sur ta pièce maitresse

“une des règles d’or pour moi, c’est:

‘si tu ne peux pas l’entendre, supprime le.’

Si tu as un élément important , assure toi qu’on l’entende bien dans le mix. N’aie pas peur d’avoir des choses dans le mix qui soient vraiment devant.”

Ici, Max nous invite à bien déterminer ce qui est important et ce qui ne l’est pas dans un mix.

Crucial.

Car quand on écoute un morceau, on ne peut pas se concentrer sur trop d’éléments à la fois.

Alors choisis ceux que tu veux faire ressortir dans ton mix et place-les bien en avant. La voix sur le couplet, la guitare solo sur le pont, le lead sur le drop, etc.

Traque ensuite les éléments qui n’apportent rien à l’ensemble et fais leur visiter le fond de la corbeille.

Ton mix sera plus clair et tu mettras tes éléments forts en valeur.

11) Insérer un rappel dans nos esprits

“Il est vraiment très important pour moi qu’on se rappelle d’une chanson juste après l’avoir écouté pour la première ou seconde fois. Que quelque chose te hante et te fasse dire :

‘j’ai besoin d’entendre cette chanson encore’. C’est fondamental.”

Le fameux hook détaillé par Alex dans cet article.

Une mélodie, une phrase, une exclamation, un beat, ça peut être à peu près n’importe quoi.
En général, c’est quelque chose de très basique et surtout, de facile à retenir.

Repense aux chansons que tu adores. Quels sont les éléments que tu as retenus de suite? Ceux qui ont empoisonné ton cerveau au point de te donner envie de revenir te shooter à ce son de manière quasi obsessionnelle?

Lors de la composition, essaie de trouver parmi toutes tes idées celle que tu vas le plus mettre en avant: ton hook. Celle sur laquelle tu vas insister et qui va te permettre d’ancrer ta musique dans l’esprit de ton auditeur.

Tes morceaux deviendront alors mémorisables dès les 1ères écoutes.

Utilise les outils de Max pour composer et écrire une chanson

Être bloqué, trouver que son morceau manque de quelque chose…

Composer et écrire une chanson nous fait tous passer par là. C’est pour cela que les conseils d’un professionnel au palmarès si impressionnant peuvent être un atout majeur dans notre arsenal de home studiste.

Même si tu n’aimes pas la pop, même si ton style de musique est diamétralement opposé, tu trouveras quand même des conseils de bonnes pratiques à mettre en place pour:
– accrocher l’oreille de tes auditeurs
– les garder attentifs tout le long
– leur donner envie de rappuyer sur Play en fin de morceau

Encore et encore.

Alors choisi maintenant une des astuces. Celle qui t’as le plus inspiré, et mets-la en pratique sur ta prochaine composition.

Cela pourrait être, par exemple, de commencer par travailler une excellente mélodie:
1- Créer une vingtaine de mélodies
2- Sélectionner la meilleure
3- La travailler pour qu’elle soit la plus simple et mémorisable possible
4- Développer tout un morceau autour de cette mélodie

À toi maintenant d’ajouter une pincée du génie de Max Martin dans tes compositions.

J’ai personnellement utilisé l’astuce 4 sur ma dernière production cette semaine. Ça a donné un bon coup de fouet à une intro un peu molassonne. Et le morceau est maintenant reconnaissable direct.

Tu me diras dans les commentaires l’astuce que tu choisis d’appliquer sur ton prochain projet.

Ça te motivera et ça motivera d’autres à passer eux aussi à l’action.

Bonne composition!