Comment créer de la musique électronique : le guide complet pour devenir producteur EDM 🔥

- août 17, 2024

Sam fort
22 juillet 2024

Alors vous vous demandez comment faire de la musique électronique ? Je l'avoue, devenir producteur EDM peut sembler intimidant. Presque comme une montagne impossible à gravir.

Mais cela ne doit pas forcément être ainsi.

Dissipons quelques mythes. Vous n'avez pas besoin de beaucoup d'argent. Vous n'avez pas besoin de connaître des gens importants. Et vous n'avez certainement pas besoin de vivre à Los Angeles ou Amsterdam.

Un ordinateur, un logiciel (DAW) et un casque ou des haut-parleurs sont tout ce dont vous avez besoin pour faire de la musique électronique en 2024. Avec ces trois éléments, vous pouvez créer des idées musicales de base et les transformer en chansons finies .

Dans ce guide, nous allons établir un plan complet pour apprendre les bases de la production EDM. Ensemble, nous verrons comment développer un état d'esprit créatif et des compétences en tant que producteur. C'est parti ! 👇

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Table des matières

À qui s'adresse ce guide…? 🤔

Dans ce guide, je partagerai des stratégies, des tactiques et des outils issus de près d’une décennie de pratique, de recherche, d’enseignement et d’expérimentation.

Ce sont des approches éprouvées qui ont été testées auprès d’autres producteurs de musique électronique.

Vous trouverez les ressources, les étapes et les cadres qui vous aideront à apprendre et à maîtriser un métier qui vous offre :

Un moyen créatif de rester sain d'esprit (soyons honnêtes, nous en avons tous besoin)
Contrôle total sur le processus créatif pour ne pas avoir à faire de compromis
Un cheminement de carrière potentiel et une gamme d'opportunités passionnantes

En bref, si vous souhaitez apprendre la production de musique électronique mais que vous ne savez pas par où commencer, ce guide vous apprendra tout ce que vous devez savoir.

Ce que nous allons aborder dans ce guide 👇

Peut-être n'avez-vous jamais utilisé de station de travail audio numérique auparavant. Ou peut-être avez-vous déjà essayé FL Studio mais vous vous sentez coincé ?

Quelle que soit votre situation, n'hésitez pas à passer directement à la section qui vous convient ! Voyons ce que ce guide va couvrir.

Partie 1 : Qu'est-ce que la production de musique électronique ? (Et pourquoi tout le monde peut l'apprendre)

Autrefois, il fallait de l'argent, des relations ou un talent fou pour faire de la musique électronique. Aujourd'hui, tout cela n'est plus nécessaire. Alors, qu'est-ce qui a changé ? Qu'est-ce qui est réellement impliqué dans la création d'une chanson ? Ce n'est pas aussi compliqué que vous le pensez.

Passez à la partie 1

Partie 2 : Cinq approches pour apprendre la production de musique électronique

Vous pouvez faire la même erreur que moi et passer vos premières années à perdre énormément de temps et à apprendre lentement… ou vous pouvez être systématique et réfléchi. La deuxième option est plus agréable et moins décourageante. C’est une évidence. Mais quelle approche spécifique devriez-vous adopter ?

Passer à la partie 2

Partie 3 : Ce dont vous avez besoin pour commencer (Le studio efficace et à faible coût)

Non, vous n'avez pas besoin de dépenser des milliers de dollars. Vous n'avez pas besoin de faire vingt voyages à la quincaillerie pour construire un studio sur mesure. Et vous n'avez pas besoin de dépenser toutes vos économies dans des logiciels coûteux. Il n'y a que quelques éléments essentiels. Au-delà de cela ? C'est à vous de décider et à votre budget.

*Ne t'inquiète pas, tu n'as pas besoin de tout ça 😅*

Passer à la partie 3

Partie 4 : L'état d'esprit de l'artiste (Comment être un producteur productif et créatif)

Comment rester motivé et continuer à progresser chaque jour en tant que producteur ? Vous vous fixez des objectifs réalisables et créez des systèmes infaillibles pour vous aider à les atteindre. Bien sûr, tout cela échoue si votre état d'esprit est nul. Vous voulez développer l'état d'esprit d'un professionnel, même en tant que débutant.

Passez à la partie 4

Partie 5 : Outils, tactiques et stratégies (du débutant au pro, plus rapidement)

Comment vous assurer d'apprendre le plus rapidement possible et de ne pas perdre de précieuses minutes et heures ? C'est ce que nous verrons dans la partie 5. Dans cette section, je partagerai également quelques-uns de mes outils et applications préférés pour les producteurs de musique électronique.

Passez à la partie 5

Partie 6 : Étapes suivantes — Maîtrisez les fondamentaux et développez vos compétences

Vous avez déjà une bonne structure, mais quelle est la prochaine étape ? Il faut du temps pour devenir un bon producteur. Vous devez vous concentrer sur la finition de votre musique. Mais vous n'êtes pas obligé de tout comprendre tout seul.

Passez à la partie 6

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Partie 1 – Qu’est-ce que la production de musique électronique ?

Avant de voir comment apprendre à produire, discutons exactement de ce que fait un producteur de musique électronique.

(Vous pouvez passer à la partie 2 si vous connaissez déjà les bases)

La production de musique électronique peut être divisée en trois compétences clés ou « actions » :

Création

Arrangement

Raffinement

En bref, la production de musique électronique est la création, l’arrangement et le raffinement de sons et d’idées musicales.

Regardons chacun d’eux individuellement 👇

La phase de création

Imaginons que vous prépariez le dîner ce soir. La première chose que vous faites est de rassembler et de préparer les ingrédients. Vous hachez peut-être des oignons, préparez un bouillon, faites mariner de la viande…

C'est la phase de création de la cuisson de votre repas.

Dans le monde de la production musicale, il s'agit de créer et de trouver vos idées principales . Vos ingrédients : mélodies, sons de batterie, accroches/phrases vocales, progressions d'accords, etc.

La phase d'arrangement

Une fois que vous avez préparé vos ingrédients, vous les rassemblez. Vous commencez à cuisiner.

C'est la phase d'agencement. Vous organisez vos ingrédients. Vous les combinez. Vous les consolidez pour en faire quelque chose de consommable.

C’est la même chose avec la production musicale.

Mélodies, rythmes, sons, voix… personne n’a envie d’écouter un tas d’idées aléatoires éparpillées sur une toile musicale.

Ils veulent écouter quelque chose qui a une structure , quelque chose qui suit une séquence et qui a du sens.

Ainsi, au cours de cette phase, vous prendrez les idées que vous avez créées et découvertes lors de la phase de création et les organiserez en quelque chose de consommable.

Vous prenez vos idées et vos sons, puis vous les combinez pour créer une chanson .

Vous avez presque fini de cuisiner votre repas. Un test de goût rapide révèle qu'il faut plus de saveur, alors vous ajoutez un peu d'assaisonnement. Enfin, il est temps de présenter votre repas.

Si votre plat est beau dans l’assiette, les gens (y compris vous-même) l’apprécieront davantage.

Vous consacrez donc du temps à la présentation. Vous utilisez une belle assiette blanche et vous la disposez de manière à ce qu'elle soit appétissante. Vous voulez que votre travail acharné se reflète non seulement dans le goût , mais aussi dans l' apparence .

C’est la phase de perfectionnement ou de « présentation ».

Une fois que vous avez organisé vos idées musicales, vos sons et tout le reste dans une chanson, vous devez la rendre présentable.

Vous apportez des améliorations et des modifications aux sons pour qu'ils s'harmonisent mieux. Vous effectuez des modifications pour vous assurer que la chanson s'enchaîne bien et que tout est à la bonne place. Ensuite, vous ajustez les niveaux pour que rien ne soit trop fort ou trop faible.

Et ta chanson est terminée.

Partie 2 : Cinq approches pour apprendre la production de musique électronique

Je me souviens avoir commencé en regardant des tutoriels et en lisant quelques articles. Ils m'ont aidé.

Mais je n’avais aucune approche, aucun système. Je ne savais pas quoi apprendre, quand l’apprendre, ni quoi en faire.

C'était décourageant.

Après seulement quelques semaines de musique, j'ai arrêté. Il m'a fallu plus d'un an pour m'y remettre.

Je ne veux pas que tu vives ça.

Dans cette section, je vais vous présenter 5 approches pour apprendre la production de musique électronique que vous pouvez suivre. Toutes ces approches ne sont pas idéales (ni même bonnes), alors assurez-vous de lire toute la section du début à la fin pour comprendre où je veux en venir.

Mais avant d’aborder les 5 approches, il y a quelque chose que vous devez savoir sur les producteurs…

Les deux types de nouveaux producteurs

Il existe deux types de nouveaux producteurs de musique électronique.

Le premier type ? Ce sont ceux qui, s'ils n'abandonnent pas, progressent très lentement, pensent qu'ils sont meilleurs qu'ils ne le sont en réalité et prennent rarement du plaisir à faire de la musique.

Nous les appellerons les apprenants qui « recherchent une gratification instantanée sans se rendre compte que devenir bon dans quelque chose prend du temps ».

Le deuxième type est celui des producteurs qui « comprennent ».

Ils savent qu’apprendre une nouvelle compétence est difficile… comme tout le reste. Cela demande du travail et ils savent qu’ils doivent juste faire de l’art de mauvaise qualité pendant un certain temps.

Ils savent qu'ils doivent échouer avant de pouvoir réaliser quelque chose de valable. C'est ce qui les motive.

Ils baissent la tête et s'investissent. Ils se concentrent sur la régularité. Les échecs les poussent à apprendre plus vite et plus dur.

Je veux que tu sois le deuxième type de producteur.

Je ne veux pas que vous pensiez qu'il est possible pour vous d'être la tête d'affiche de l'Ultra Music Festival dans 6 mois. Ce n'est pas réaliste et cela entraînerait une immense frustration.

Je veux que tu te concentres sur le développement de tes compétences en tant qu'artiste. Perfectionne ton art.

Je veux que vous ressentiez la profonde et riche satisfaction que l’on obtient uniquement en consacrant des heures d’efforts concentrés sur quelque chose.

Profitez-en. Amusez-vous. Et sachez que cela demandera du travail.

Il y a un danger à trop se concentrer sur l’apprentissage théorique (connaissances livresques ou connaissances conceptuelles) sans le mettre en pratique.

Par exemple, lorsque j’ai décidé d’apprendre le Jiu-Jitsu brésilien, j’ai passé des heures à lire à ce sujet.

J'ai passé des heures à m'entraîner à de nombreux mouvements différents. Mais je n'ai pas fait de roulage avec qui que ce soit. Quand j'ai finalement fait mon premier roulage, tout ce que j'avais « appris » est tombé à l'eau.

Pourquoi ? Parce que je ne l'ai pas appris dans le bon contexte.

De même, il existe des producteurs de musique qui ont une tonne de connaissances intellectuelles.

Mais leur musique ? Elle ne sonne pas bien. Ils ont passé tout leur temps à lire et à « apprendre » sans rien essayer.

Il faut un peu d'essais et d'erreurs pour apprendre à produire de la musique. En fait, c'est inévitable si vous voulez devenir bon.

Et l'inverse ?

Mais il existe également un danger à adopter une approche aveugle de l’apprentissage de la production.

Si vous adoptez cette approche, vous refusez de lire des livres, de regarder des tutoriels ou d'écouter des conseils. Vous ouvrez simplement votre DAW et essayez de faire de la musique.

Vous décidez de simplement « faire de la musique », parce que c’est ce qui compte vraiment, n’est-ce pas ?

Eh bien, peut-être que tu pourras devenir un artiste décent en faisant ça. Mais ça va te prendre énormément de temps.

Ce sera non seulement un processus lent, mais également frustrant. Vous devrez tout résoudre par vous-même.

Je ne recommande pas cette approche.

C'est une question d'ego. Car lorsque vous refusez de vous appuyer sur les épaules de géants et d'apprendre des nombreux producteurs expérimentés qui vous ont précédé, vous dites en substance : « Je sais mieux que les experts qui sont dans le secteur depuis plus de 10 ans. »

J'ai inclus cette approche comme exemple de ce qu'il ne faut pas faire :

Avantages :

Acquérir des connaissances intuitives que vous ne pourriez pas obtenir à partir d'une ressource pédagogique

Inconvénients :

Lent, pas systématique, perte de temps importante
Il se peut que vous n’appreniez pas la manière la plus efficace ou efficiente de faire les choses
Se sentira souvent frustré

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Approche n°2 : L’approche formelle

Cette approche consiste à aller dans une école physique (comme Point Blank ou Icon Collective) ou à suivre un cours en ligne de niveau académique dans un établissement comme Berklee.

Il n’est pas nécessaire d’adopter cette approche si vous voulez devenir un bon producteur de musique. Mais est-ce que cela vous aidera ? Bien sûr.

Cette approche présente-t-elle des avantages que l'on ne peut pas obtenir avec d'autres approches ? Bien sûr. Il est plus facile de réseauter, de nouer des relations avec des instructeurs expérimentés, etc.

Mais ce n’est pas nécessaire. La grande majorité des artistes à succès n’ont pas adopté cette approche.

Si vous pensez que cette approche est faite pour vous, voici ce que je vous recommande 👇

Étape 1 : Décidez si vous souhaitez vous rendre en magasin ou en ligne

Je crois fermement que l’approche formelle fonctionne mieux en personne.

Vous rencontrez beaucoup de gens, c'est amusant et il y a une atmosphère générale de créativité.

Mais ce n'est pas faisable pour tout le monde, surtout si vous vivez dans un endroit éloigné d'une école de qualité.

Au contraire, si vous vivez dans un endroit comme Los Angeles, il est plus judicieux de vous inscrire physiquement dans un endroit comme Icon Collective plutôt que de vous inscrire dans une école en ligne. Vous y êtes. Saisissez l'opportunité. La plupart des grandes villes ont des écoles décentes, assurez-vous simplement de suivre l'étape suivante…

Étape 2 : Recherche, recherche, recherche

L’inconvénient de cette approche est le coût.

L’éducation formelle est coûteuse, vous devez donc vous assurer que vous investissez votre argent au bon endroit.

Si vous envisagez de suivre un cours en ligne :

Participez à un appel Skype avec l'un des instructeurs et posez-lui des questions sur le cours
Faites part de vos inquiétudes. Posez des questions précises. Ils devraient accepter de le faire si vous êtes un client potentiel.
Recherchez d’anciens étudiants et demandez-leur de parler de leur expérience.

Si vous envisagez d’aller dans une école physique :

Prenez rendez-vous pour visiter l'école. Demandez si vous pouvez y passer une journée simplement pour observer.

Parlez aux instructeurs. Posez des questions. Faites part de vos inquiétudes.
Parlez à d'autres étudiants.

Encore une fois, ces institutions n'auront généralement aucun problème avec ce que vous fassiez. Vous êtes un client potentiel. Elles devraient vous traiter correctement.

Avantages :

Il est facile de créer un réseau d’autres producteurs et acteurs de l’industrie (en particulier dans une institution physique).
Il est plus probable que les étudiants apprennent les meilleures pratiques (il y a un meilleur contrôle de la qualité de l'éducation, pas toujours, mais souvent).
Une bonne éducation guidée.

Inconvénients :

Cher
Toutes les écoles ne sont pas égales. De nombreuses personnes ont vécu une mauvaise expérience.
L’éducation peut être trop rigide

Approche n°3 : L'approche mentor/coach

Cette approche consiste à trouver un mentor ou un coach pour vous guider dans votre développement en tant qu’artiste.

Mais il ne s’agit pas d’une approche isolée. En d’autres termes, vous ne pouvez pas simplement compter sur un coach ou un mentor (vous devez quand même fournir des efforts).

L’un des principaux avantages de cette approche est que vous pouvez demander des conseils et des orientations sur des problèmes spécifiques pour lesquels vous ne trouvez pas d’aide ailleurs.

Il y a eu de nombreuses fois, lorsque j'apprenais à faire de la musique, où j'étais confronté à un problème spécifique que je n'arrivais pas à résoudre. Soit je l'ignorais, soit je passais des heures à essayer de le résoudre.

C'est dans ce genre de situations qu'il est extrêmement précieux de pouvoir envoyer un message à quelqu'un ou de l'appeler pour lui demander de l'aide.

Ils ne feront pas le travail à votre place (du moins, ils ne devraient pas le faire ), mais ils vous donneront quelques conseils. Et parfois, c'est tout ce dont vous avez besoin.

Je ne vais pas vous expliquer comment trouver un mentor ou un coach. Cela dépasse le cadre de cet article.

Mais savoir comment construire son réseau aide, alors lisez cet article : Comment construire votre réseau en tant qu'artiste . Et lisez ce livre : Never Eat Alone de Keith Ferrazzi . Les conseils de Robert Greene dans son livre Mastery sur le fait d'être un apprenti sont également utiles.

Avantages :

Apprentissage personnalisé. Un coach peut vous aider à déterminer ce qui vous convient le mieux pour travailler et apprendre en fonction de vos objectifs, de vos forces et de vos faiblesses.
Commentaires personnalisés
Conseils contextuels – expérience passée du mentor/coach

Inconvénients :

Chaque mentor et coach a un préjugé auquel vous devez faire attention.
Coût (si vous payez pour un coach)
Cela peut devenir compliqué si vous ne vous entendez pas bien – c'est une relation après tout

Approche n°4 : l'approche « Hack it Together »

C'est l'approche la plus courante. Elle consiste essentiellement à apprendre tout ce qui se présente à vous.

Regarder des tutoriels sur YouTube. Lire des articles de blog. Peut-être un livre étrange.

Il n’y a rien de fondamentalement mauvais dans cette approche : elle est bien meilleure que la méthode des essais et erreurs à l’aveugle. Mais elle n’est pas idéale.

Avantages :

Bon marché, facile
Peut apprendre beaucoup de choses différentes
Agréable (pour la plupart)

Inconvénients :

Apprendre beaucoup de choses inutiles
C'est frustrant car il y a beaucoup de tutoriels YouTube et d'articles de blog de mauvaise qualité. Vous pouvez également recevoir de mauvaises informations car vous ne savez pas faire la différence entre ce qui est correct et ce qui ne l'est pas en tant que nouveau producteur.
Pas de manière systématique ni délibérée. Vous perdrez beaucoup de temps et serez moins efficace que vous ne pourriez l'être.

Approche n°5 : L’approche délibérée

C'est l'approche que je recommande.

Peu importe que vous ayez un coach ou un mentor, ou que vous vous inscriviez à un programme d'enseignement formel.

Cette approche fonctionne comme un parapluie pour tout cela.

Il comporte trois stratégies :

Concevoir un plan ou un « parcours » d’apprentissage
Utiliser des systèmes pour développer rapidement des compétences
Concentrez-vous sur la finition, pas seulement sur l'apprentissage théorique

Concevoir un plan/un parcours d'apprentissage

Tout d’abord, ne pensez pas à trop long terme.

Il est utile d'avoir une vision à long terme de soi-même en tant qu'artiste. Mais si vous êtes nouveau, cela ajoute de la pression et peut vous paralyser.

Concentrez-vous plutôt sur les 90 prochains jours de votre parcours de production musicale. Dressez la liste de toutes les compétences possibles (pas des techniques ou des outils) que vous pourriez acquérir. Conception sonore, écriture de chansons, écriture de mélodies, traitement vocal, etc.

Ensuite, choisissez 1 à 3 de ces compétences en fonction de ce qui est important pour vous.

Par exemple, si vous voulez faire de la musique pop, apprendre la conception sonore n'est pas une priorité, mais l'écriture de chansons l'est. Si vous êtes également chanteur et que vous souhaitez utiliser votre propre voix dans vos chansons, il est important d'apprendre à traiter la voix.

Une fois que vous avez choisi 1 à 3 compétences, passez à l’étape suivante.

Concevoir un plan/un parcours d'apprentissage

Choisissez l’une des compétences que vous souhaitez développer, puis créez un système pour cela.

Créer un système encouragera l'action et la cohérence. Vous aurez moins d'excuses pour ne pas travailler et vous vous concentrerez sur ce qui est important.

À quoi cela ressemble-t-il dans la pratique ?

Disons que votre objectif est de perfectionner vos compétences en écriture de mélodies (au cours des 90 prochains jours).

Vous pourriez créer un système comme celui-ci :

Chaque jour pendant les 30 premiers jours : réécrire une mélodie d'une chanson que j'aime
Chaque jour pendant les 30 prochains jours : réécrire une mélodie d'une chanson que j'aime + écrire une mélodie originale
Chaque jour pendant les 30 derniers jours : écrivez 3 mélodies par jour

Vous voyez ? Vous avez du pain sur la planche. Si vous suivez un plan comme celui-ci, vous deviendrez meilleur dans l'écriture de mélodies. C'est simple.

Concentrez-vous sur la finition, pas seulement sur l'apprentissage théorique

Ce n'est pas toujours possible ou idéal. Par exemple, si vous avez suivi le système d'apprentissage de l'écriture de mélodies ci-dessus, il est peu probable que vous écriviez une mélodie tous les jours dans le cadre d'une chanson originale (car il est difficile d'essayer d'écrire une chanson par jour).

Mais comme je l’ai dit, lorsque c’est possible, apprenez dans le contexte de la fin.

Qu'est-ce que je veux dire par là ?

Eh bien, vous voulez apprendre à faire de la musique électronique, n'est-ce pas ? Par conséquent, vous voulez acquérir des compétences de manière à ce qu'elles vous aident à faire de la meilleure musique. Apprendre des compétences de manière isolée est parfois utile, mais la plupart du temps, c'est improductif.

Apprendre dans le contexte de la finition donne un objectif à tout votre développement de compétences (vous travaillez vers quelque chose de tangible).

Pourquoi?

Parce que finir est une habitude, et l'une des difficultés les plus courantes que j'entends de la part des producteurs nouveaux et expérimentés est qu'ils ont du mal à finir.

L’une des principales raisons pour lesquelles ces producteurs ont du mal à terminer leur musique est qu’ils ont développé l’habitude de ne pas terminer.

Pour éviter que cette habitude ne se développe, faites de la finition une priorité . Terminez vite. Terminez souvent. La grande majorité de votre apprentissage se fera au cours du processus de réalisation d'un projet, de l'idée à la réalisation. C'est un apprentissage qui ne peut se faire dans aucun autre contexte.

Avantages :

La manière la plus efficace d'apprendre
Réduit les incertitudes et l’inefficacité
Moins de stress et d'impatience

Inconvénients :

Il faut réfléchir un peu plus
Il peut être long de planifier à l’avance un parcours d’apprentissage.

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Partie 3 : Ce dont vous avez besoin pour commencer

Recommandé : Le guide définitif des logiciels de production musicale

Dans la section précédente de ce guide, nous avons examiné les deux types de producteurs.

Il y a le producteur qui recherche la gratification immédiate. Qui méprise le travail acharné. Qui ne ressent pas la grande satisfaction que procure le fait de s'investir dans son métier.

Et il y a le producteur qui fait le contraire.

Le producteur qui joue sur le long terme. Qui fait des efforts. Qui ne se laisse pas distraire par des objets brillants.

Cette comparaison apparaît dans d’autres domaines que les simples approches de l’apprentissage et du développement en tant qu’artiste…

Qu'est-ce que je veux dire ?

Je connais beaucoup de producteurs qui ont beaucoup d'argent . Parfois, ils ont des parents riches. D'autres fois, ils ont réussi dans leur carrière.

Beaucoup d’entre eux pensent qu’ils peuvent « raccourcir » le processus pour devenir bons en production musicale parce qu’ils ont de l’argent.

…parce qu’ils peuvent acheter de meilleurs équipements et plugins.

…parce qu’ils peuvent se permettre de louer un vrai studio.

Mais tu sais quoi ?

Ces gars qui pensent comme ça… leur musique ? Elle n'est tout simplement pas si bonne.

Un gars que je connais n'a pas sorti de chanson depuis des années. Il ne fait tout simplement pas d'efforts. Son studio est rempli de gadgets et d'équipements (qui valent probablement plus de 30 000 dollars).

Ne soyez pas comme ces gars-là (sérieusement, ne le faites pas)

D'un autre côté, je connais des producteurs qui se sont contentés d'un ordinateur portable et d'un casque dès le début.

Et devinez quoi ?

Ils l'écrasent.

Parce qu’ils savent que ce qui compte plus que le matériel, ce qui compte plus que le dernier matériel à 2 000 $, c’est l’effort concentré sur le développement d’eux-mêmes en tant qu’artiste.

En résumé : acheter du matériel, des plugins, des logiciels et du matériel n'est pas une mauvaise chose . Ces outils sont utiles. Ils sont là pour être utilisés.

Mais si vous lisez ceci, il y a de fortes chances que vous soyez novice et que vous souhaitiez apprendre à créer de la musique électronique. Et beaucoup de ces éléments supplémentaires ne sont que des distractions.

Donc, dans cette partie, je vais parcourir ce que j'appelle la « configuration minimale viable d'un studio » (qui est tout ce dont vous avez vraiment besoin pour commencer).

Le studio minimum viable

Voici ce sur quoi j'ai commencé :

Cet ordinateur ? Il était super vieux. Et lent.

Mais je l'ai utilisé pendant des années. J'ai appris à faire de la musique dessus.

Et ces haut-parleurs sur le sol étaient une amélioration par rapport aux haut-parleurs d'ordinateur de mauvaise qualité à 15 $ avec lesquels j'ai commencé.

La partie la plus coûteuse de cette configuration était le DAW (Ableton Live). Le logiciel que j'utilisais pour faire de la musique.

Il y a de fortes chances que vous ayez un ordinateur plus puissant que celui illustré ci-dessus. N'importe quel ordinateur portable ou de bureau moderne suffit pour faire de la musique électronique. Ne tombez pas non plus dans le piège de croire que vous avez besoin d'un MacBook Pro.

Donc, c'est la première nécessité : une machine. Un ordinateur. Un ordinateur portable.

La deuxième nécessité est le logiciel.

Quel DAW dois-je choisir ?

Vous devez utiliser un DAW (Digital Audio Workstation) pour créer de la musique électronique.

Les DAW les plus populaires sont Ableton Live, FL Studio et Logic Pro (Mac OS uniquement).

Il y en a d'autres, mais je recommande aux nouveaux producteurs de choisir l'un de ces trois-là. Voici pourquoi :

Ce sont les DAW les plus populaires. Ils sont plus faciles à apprendre que d'autres DAW plus méconnus en raison de la large gamme de ressources pédagogiques en ligne qui les entourent.
Ils ne sont pas chers comme certains autres DAW.
Ils sont de qualité professionnelle. Si vous apprenez bien à les utiliser, vous n'aurez jamais besoin de passer à un autre DAW. Cela ne fonctionne pas comme ça. Vous apprenez sur des logiciels de qualité professionnelle.

Lorsqu'il s'agit de choisir un DAW, il y a trois considérations à prendre en compte :

Coût
Environnement
Flux de travail

Remarque : FL Studio et Ableton Live proposent tous deux des essais gratuits qui vous permettent de tester le logiciel.

Coût

La première considération est le coût.

Voici les détails (en date d'avril 2023) :

Studio FL :

Ableton Live :

Logique Pro :

Je sais, ce n'est pas donné.

Mais il s’agit d’un achat unique et vous n’avez pas besoin d’acheter le niveau le plus cher.

Remarque : si vous ne pouvez vraiment pas vous permettre de dépenser cette somme, vous pouvez opter pour un logiciel audio numérique moins cher comme Reaper. Sachez simplement qu'il y a moins de communauté et moins de matériel pédagogique. Par conséquent, la courbe d'apprentissage sera plus raide.

Environnement

La deuxième considération est l’environnement.

Votre groupe de pairs, votre communauté, etc.

Pourquoi est-ce important ?

Si la plupart des personnes que vous connaissez utilisent Ableton Live, il est logique que vous l'utilisiez également. Vous pourrez apprendre de ces personnes, collaborer avec elles et partager des idées.

Si vos trois amis proches utilisent tous FL Studio, il est alors logique que vous l'utilisiez également, car ils peuvent vous l'apprendre.

Flux de travail

Encore une fois, ce n’est pas quelque chose qui m’inquiéterait en tant que tout nouveau producteur.

Pourquoi ? Parce que vous ne savez pas encore à quoi ressemble votre flux de travail.

En d'autres termes, vous ne savez pas précisément ce que vous recherchez en matière de conception et de flux de travail DAW, de la même manière que je n'ai aucune idée de ce que je recherche en matière de cannes à pêche (en supposant que je veuille me mettre à la pêche) - je ferais mieux d'en acheter une qui soit robuste et avec laquelle il soit bon d'apprendre.

Alors, pensez au « flux de travail » dans cette circonstance comme à « à quel point vous aimez le logiciel ».

Téléchargez la version d'essai de FL ou d'Ableton et utilisez-la pendant quelques jours. Ensuite, faites de même avec l'autre DAW.

Ensuite, choisissez celui avec lequel vous vous sentez le plus à l’aise.

Ma recommandation : Ableton Live

Il est controversé pour moi de faire une recommandation définitive, mais je vais le faire quand même.

Je recommande d'utiliser Ableton Live.

D'abord, parce que si je ne le fais pas, beaucoup d'entre vous qui lisez ceci passeront des jours, voire des semaines, à se demander quel DAW utiliser.

C'est un temps précieux perdu qui pourrait être consacré à apprendre à faire de la musique électronique.

Deuxièmement, parce qu'il existe une multitude de ressources pédagogiques pour Ableton Live. Ce site Web, EDMProd, enseigne principalement des concepts et des techniques utilisant Ableton. Nos analyses de pistes sont effectuées dans Ableton Live. Notre cours phare EDM Foundations est entièrement enseigné dans Ableton Live, comme tous nos autres cours.

Si vous pouvez vous le permettre, optez pour l'édition Standard. Elle vous durera toute une vie. Sinon, commencez par la version d'introduction (99 $). Sachez simplement qu'elle comporte des limitations, qui ne sont peut-être pas un problème dans l'immédiat, mais qui le seront à mesure que vous progresserez et que vous voudrez essayer de nouvelles choses.

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Système d'écoute

Vous avez votre machine et votre DAW… quelle est la prochaine étape ?

Un système d'écoute. Des enceintes ou un casque.

Parlons des haut-parleurs, ou « moniteurs » comme nous les appelons.

Vous rencontrerez de nombreux articles, vidéos et personnes qui vous recommanderont d'acheter des moniteurs de studio. Les moniteurs de studio sont des enceintes de qualité professionnelle destinées aux musiciens et aux ingénieurs du son.

C’est un mauvais conseil pour un nouveau producteur.

Si vous achetez des moniteurs de studio, l'idéal est de les placer dans une pièce traitée acoustiquement (plus cher : 300 à 2 000 $). Vous devrez également acheter une interface audio (100 $ et plus).

Je recommande plutôt d’acheter une bonne paire d’écouteurs.

Vous n’avez pas besoin de dépenser beaucoup.

Si vous possédez déjà des haut-parleurs ou des écouteurs à moitié décents, vous pouvez facilement passer les 6 premiers mois à apprendre à faire de la musique dessus avant de passer à la version supérieure (j'ai appris sur des haut-parleurs d'ordinateur à 15 $ : ils avaient un son horrible).

Mais si vous souhaitez acheter une paire d’écouteurs qui vous aidera pendant les premières étapes mais qui restera également précieuse pendant des années, voici trois recommandations :

Sony MDR7506 (abordable, bonne qualité) – Prix : 79 $
Audio Technica ATH-M50 (j'ai acheté ma première et unique paire il y a 5 ans, et ils fonctionnent toujours parfaitement aujourd'hui. C'est la seule paire d'écouteurs de studio que j'ai jamais achetée. Je les utilise toujours quotidiennement.) – Prix : 149 $
Beyerdynamic DT 770 / 880 – Prix : 150-250 $

Et c'est tout.

C'est le studio minimum viable.

Partie 4 : L'état d'esprit de l'artiste

Imaginez deux personnes. Très semblables. Toutes deux d'âge moyen, toutes deux ayant des emplois similaires, toutes deux mariées.

Leurs noms sont John et James.

Un jour, John rentre à la maison et décide qu'il mérite de regarder une heure supplémentaire de télévision chaque soir après le travail.

James décide qu'au lieu de regarder une heure de télévision chaque soir, il regardera 30 minutes puis fera une promenade de 30 minutes autour du pâté de maisons.

Une semaine plus tard, John et James sont quasiment les mêmes. Aucune différence majeure dans leur façon de vivre.

Mais un mois plus tard, James se sent nettement mieux. Il fait du jogging pendant 30 minutes au lieu de marcher et il regarde la télévision tous les deux jours.

John, lui, en est venu à manger la moitié d'un paquet de chips en regardant la télévision. C'est assez innocent.

Cela fait maintenant six mois.

James mange plus sainement, court 10 km 3 fois par semaine et a obtenu une promotion grâce à une productivité accrue au travail. Il se sent mieux, son mariage va mieux et sa vie s'améliore.

John ? Il a un régime alimentaire épouvantable et ne fait pas du tout d'exercice. Il ne passe pas de temps avec sa famille, ce qui crée des tensions qui nuisent à sa capacité à travailler. Son patron n'est pas content.

Le but de cette illustration ?

Les habitudes se développent avec le temps et peuvent avoir de graves conséquences. Le meilleur moment pour vous mettre en place de bonnes habitudes est hier.

En tant que nouveau producteur, vous souhaitez acquérir de bonnes habitudes créatives dès maintenant . Elles seront beaucoup plus difficiles à développer plus tard.

Dans cette partie du guide, nous aborderons deux sujets principaux :

Définir des objectifs, des systèmes et des habitudes en tant que nouveau producteur
L' état d'esprit pro (comment vaincre la résistance et faire de réels progrès)

Définir des objectifs en tant que nouveau producteur

Les objectifs sont puissants, mais ils peuvent aussi être néfastes.

En tant que nouveau producteur, c'est à vous de déterminer si vous devez ou non vous fixer des objectifs.

L'avantage de se fixer des objectifs ? Vous serez plus susceptible d'être concentré, d'apprendre plus vite et de ressentir la satisfaction d'avoir accompli quelque chose que vous vous étiez fixé.

Mais l’inconvénient est que les objectifs peuvent ajouter une pression inutile au processus d’apprentissage, ce qui vous empêche de vous amuser et vous fait ensuite abandonner complètement (cela arrive, croyez-moi).

Le fait de vous fixer des objectifs ou non dépend en réalité de votre personnalité. Vous pouvez être le type de personne qui s'épanouit sous pression, ou vous pouvez être le type de personne qui a simplement besoin d'établir une routine et d'oublier tout objectif plus élevé.

Mais pour la plupart d’entre vous qui lisez ceci, je vais supposer que se fixer des objectifs est utile.

Ne dépassez pas 90 !

Recommandation sérieuse. Ne vous fixez pas d'objectifs au-delà de 90 jours. Trois raisons :

Vous débutez dans la production. Vous n'avez aucune idée de la vitesse à laquelle vous allez apprendre. Vous n'avez aucune idée de ce qui va se passer dans les 90 prochains jours, et encore moins dans l'année à venir. Il est plus facile de fixer un objectif raisonnable pour le prochain trimestre.
90 jours, contrairement à une année, ne constituent pas une période trop longue. Il est plus facile d'y réfléchir. Mais c'est aussi suffisamment de temps pour réaliser des progrès SOLIDES et réaliser quelque chose de valable.
Vous surestimez ce que vous pouvez faire en une journée et sous-estimez ce que vous pouvez faire en un an. 90 jours est un bon délai qui aide à combattre ce biais.

Maintenant, prenez un morceau de papier.

J'ai compris?

Notez toutes les choses possibles que vous pourriez faire pour vous améliorer en tant qu'artiste au cours des 90 prochains jours (si vous avez lu la partie 2, vous vous souviendrez que je vous ai expliqué cette approche).

Cela peut développer certaines compétences. Apprendre la théorie musicale. Écrire un tas de chansons. Suivre un cours comme EDM Foundations . N'importe quoi.

Écrivez tout. C'est fait ? Super.

Maintenant, choisissez un objectif pour les 90 prochains jours.

Une chose sur laquelle se concentrer.

Cela devrait être un défi. Choisir un objectif comme « écrire une chanson » dans les 90 prochains jours est donc trop facile (surtout si vous êtes un nouveau producteur et que vous devez écrire des chansons plus fréquemment que cela. Plus d’informations à ce sujet dans la section suivante).

Cet objectif doit également correspondre à une vision approximative de l'endroit où vous souhaitez vous retrouver en tant qu'artiste. Si vous n'êtes pas sûr, ce n'est pas grave. Choisissez n'importe quoi.

Un exemple de comment cela fonctionne

Disons que je viens de commencer. Je pense que la meilleure chose que je puisse faire est d'écrire 9 chansons dans les 90 prochains jours. Mon seul objectif est
donc de terminer 9 chansons en 90 jours.

Remarque : votre objectif sur 90 jours doit être contrôlable . Si je me fixais comme objectif « Obtenir 9 000 écoutes d'une chanson », ce ne serait pas un bon objectif car il est hors de mon contrôle. Je ne peux pas garantir 9 000 écoutes. Mais terminer 9 chansons ? C'est sous mon contrôle. Si je n'y parviens pas, c'est entièrement de ma faute.

J'ai ensuite divisé cela en sous-objectifs.

9 chansons en 90 jours équivalent à 3 chansons par mois (ou 4 semaines). Je décomposerais donc cela comme ceci…

Mois 1 : terminer les 3 premières chansons
- Finir la chanson 1
  - Chanson brouillon 1
  - Finaliser la chanson 1
- Finir la chanson 2
  - Chanson brouillon 2
  - Finaliser la chanson 2
- Finir la chanson 3
  - Chanson brouillon 3
  - Finaliser la chanson 3
Mois 2 : terminer les 3 prochaines chansons
- Finir la chanson 4
  - Chanson brouillon 4
  - Finaliser la chanson 4
- Finir la chanson 5
  - Chanson brouillon 5
  - Finaliser la chanson 5
- Finir la chanson 6
  - Chanson brouillon 6
  - Finaliser la chanson 6
Mois 3 : terminer les 3 dernières chansons
- Finir la chanson 7
  - Chanson brouillon 7
  - Finaliser la chanson 7
- Finir la chanson 8
  - Chanson brouillon 8
  - Finaliser la chanson 8
- Finir la chanson 9
  - Chanson brouillon 9
  - Finaliser la chanson 9

Je l'imprimerais, le collerais sur le mur de mon studio et mettrais en évidence/rayerais les étapes importantes une fois que je les aurais atteintes.

Mais se fixer un objectif sur 90 jours ne suffit pas. Il faut des systèmes quotidiens qui vous aideront à atteindre votre objectif.

Systèmes et habitudes

Dans le cadre de ce guide, je ferai une distinction entre les habitudes et les systèmes . Les bonnes habitudes créatives sont bénéfiques, quel que soit votre objectif sur 90 jours.

En voici quelques exemples :

Travail en profondeur (produire de la musique/apprendre sans distraction — Internet éteint, téléphone en mode silencieux, travailler dans des plages horaires bloquées, etc.)
Cohérence : faire quelque chose en rapport avec la musique tous les jours
Ne pas travailler sur ce qui est brillant ou attrayant, mais sur ce qui est important
Planifier le temps à consacrer à la musique pour qu'elle soit réellement réalisée

Les systèmes peuvent être des habitudes comme celles-ci, mais ils sont généralement spécifiques à votre objectif sur 90 jours.

Revenons à l'exemple précédent. Si mon objectif sur 90 jours est de terminer 9 chansons en 90 jours, alors certains systèmes qui pourraient m'être utiles pourraient être :

Terminer une chanson par semaine (cela me donne 5 semaines de marge, ce qui est bien car certaines chansons peuvent prendre plus d'une semaine à réaliser)
Produisez 90 minutes chaque jour

Si je produis 90 minutes par jour, je gagnerai 7,5 heures. En tant que nouveau producteur, c'est assez de temps pour créer une chanson.

Ou peut-être que mon objectif est d'apprendre la conception sonore, donc mon système devient : Recréer 5 préréglages de synthétiseur par jour.

Un système est une habitude spécifique visant à vous aider à progresser vers votre objectif de 90 jours.

Il vous met en mode pilote automatique, vous n'avez donc même pas à vous demander si le travail que vous effectuez est important ou non. Vous l'avez planifié à l'avance et vous pouvez faire confiance au processus.

Revenons à mon exemple. Voici l'essentiel :

Mon objectif dans les 90 prochains jours est de terminer 9 chansons. Pour y parvenir, je passerai 90 minutes chaque jour de la semaine à produire de la musique. Cela me permettra de terminer une chanson par semaine (environ), ce qui me laissera une marge de 5 semaines au cas où certaines chansons prendraient plus de temps.

L'état d'esprit du pro : comment surmonter la résistance et réaliser de réels progrès

Mon livre préféré sur la créativité est The War of Art de Steven Pressfield

Dans le livre, il parle de la « Résistance », une force invisible à laquelle tous les créatifs sont confrontés lorsqu’ils tentent de s’asseoir et de faire un travail créatif. Voici comment il la décrit…

« La Résistance vous dira n’importe quoi pour vous empêcher de faire votre travail. Elle parjurera, fabriquera, falsifiera, séduira, intimidera, cajolera. La Résistance est protéiforme. Elle prendra n’importe quelle forme, si c’est ce qu’il faut pour vous tromper. Elle vous raisonnera comme un avocat ou vous mettra un pistolet de neuf millimètres sous le nez comme un braqueur. La Résistance n’a pas de conscience. Elle promettra n’importe quoi pour obtenir un accord, puis vous trahira dès que vous aurez le dos tourné. Si vous prenez la Résistance au mot, vous méritez tout ce qui vous arrive. La Résistance ment toujours et raconte toujours des conneries. »

Cette description peut vous paraître stupide. Si vous débutez dans le monde de la création, elle peut même vous sembler étrange.

Mais ne vous inquiétez pas, la Résistance viendra.

Cela peut prendre un an, voire trois. Vous pouvez trouver facile de vous asseoir pour faire de la musique en ce moment. Mais cela viendra. Et quand cela arrivera, vous ferez mieux d'avoir un état d'esprit de pro. Sinon, vous vous effondrerez.

Mais Sam, je suis un nouveau producteur. Pourquoi devrais-je penser comme un professionnel ?

Parce qu’il est utile d’agir comme un professionnel, même si vous ne l’êtes pas encore.

Agir comme un professionnel vous aide à développer vos compétences plus rapidement.

Agir comme un professionnel vous aide à vous concentrer sur ce qui est important et vous protège des assauts incessants des distractions superficielles.

Comment agit un professionnel ?

Un professionnel travaille avec diligence sur son métier, même lors des journées les plus difficiles. Il travaille en silence sur son métier car il sait que la qualité de son travail fait toute la différence à long terme.

Un professionnel ne laisse pas son ego prendre le dessus.

Un professionnel sait qu’une attention soutenue et concentrée sur son métier entraîne un sentiment de profonde satisfaction et d’accomplissement, et il donne la priorité à cela dans son emploi du temps.

C'est l'état d'esprit d'un pro. Adoptez-le et il vous fera des merveilles.

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Partie 5 : Outils, tactiques et stratégies

Lectures recommandées : 20 leçons sur la production musicale que j'aurais aimé connaître quand j'ai commencé

Si vous voulez des stratégies solides et des outils utiles et permettant de gagner du temps (applications, services, etc.), vous allez adorer cette section.

Je l'ai inclus dans ce guide principalement à titre de référence, car les trois stratégies que je partage sont des stratégies qui vous seront utiles à n'importe quelle étape de votre parcours en tant que producteur. Il en va de même pour les outils.

Commençons par les stratégies.

3 stratégies pour les nouveaux producteurs

Travail en profondeur. Quantité plutôt que qualité. Pratique délibérée.

J'en ai déjà présenté certains, mais je vais les expliquer plus en détail ici.

1. Le travail en profondeur : qu’est-ce que c’est et pourquoi est-il nécessaire ?

Deep Work est un terme inventé par le professeur d'informatique et auteur Cal Newport.

Il est défini comme…

« La capacité à se concentrer sans distraction sur une tâche cognitivement exigeante. C'est une compétence qui vous permet de maîtriser rapidement des informations complexes et de produire de meilleurs résultats en moins de temps. »

La production de musique électronique est exigeante sur le plan cognitif. Elle requiert une attention totale.

Malheureusement, très peu de producteurs accordent à leur artisanat toute l’attention qu’il mérite.

Ils ont leur DAW ouvert avec leur smartphone à côté d'eux, bourdonnant avec une nouvelle notification toutes les quelques minutes.

Le pire exemple que j'ai vu : quelqu'un avait Ableton ouvert sur un écran et Facebook ouvert sur l'autre.

Vous ne pouvez pas espérer réaliser un véritable travail si vous travaillez de cette façon.

Un environnement rempli de distractions va tuer le processus créatif.

Newport présente différentes stratégies et approches du Deep Work dans son livre, dont je vous recommande vivement la lecture . Mais pour l'instant, voici comment vous pouvez le mettre en œuvre…

Tout d’abord, réservez du temps de travail en profondeur dans votre calendrier

Si c'est dans votre calendrier, il y a plus de chances que cela se produise.

Newport affirme que la plupart des gens ne peuvent pas effectuer plus de 4 heures de travail intensif par jour. En fait, la plupart des gens doivent s'entraîner pour arriver à un point où ils peuvent réellement effectuer 4 heures de travail intensif (un travail intense et exigeant est plus difficile qu'on ne le pense).

Mais il est difficile de faire un travail en profondeur si vous ne disposez que de 15 minutes. Il y a une résistance à surmonter avant de pouvoir vraiment entrer dans le flux des choses et faire de réels progrès.

Pour moi, le point idéal est de 60 à 90 minutes. Je recommande de commencer par là.

Ensuite, éliminez autant de distractions que possible

Désactivez votre connexion Internet, sauf si vous en avez besoin à des fins d’apprentissage ou de production.

Placez votre téléphone dans une autre pièce en mode avion.

Dites à vos colocataires/à votre femme/à votre chat de ne pas vous déranger pendant toute la durée de votre séance.

Préparez un café.

Faites tout ce qui est en votre pouvoir pour éviter les distractions lorsque vous essayez de travailler en profondeur. La moindre distraction peut interrompre votre séance et vous faire sortir de votre état de concentration (et il faut beaucoup de temps pour revenir à cet état).

Enfin, faites un travail stimulant

Par définition, le travail en profondeur consiste à travailler sur une tâche exigeante sur le plan cognitif. Tous les travaux de production ne sont pas exigeants sur le plan cognitif (par exemple, l'organisation d'un fichier de projet ou d'une bibliothèque d'échantillons).

Mais la plupart du temps, c'est le cas.

Lorsque vous travaillez en profondeur sur la production musicale, assurez-vous de ne pas éviter les choses difficiles. Faites d'abord les choses difficiles. Appliquez-vous. Luttez. Luttez. Faites-le.

2. La quantité plutôt que la qualité

Vous avez entendu l’adage « la qualité plutôt que la quantité » :

Devinez quoi?

C'est un mauvais conseil pour les nouveaux producteurs.

Concentrez-vous trop sur la création d'une musique de haute qualité en tant que nouveau producteur et vous exercerez une pression inutile sur votre production créative.

Mais ce n'est pas le pire. Vous apprendrez aussi plus lentement. Par exemple, disons que vous et moi sommes tous les deux nouveaux dans le domaine de la production.

Vous décidez de passer 6 mois à créer votre première chanson. Vous allez la rendre aussi géniale que possible. Après tout, la qualité est meilleure que la quantité, n'est-ce pas ?

Moi, en revanche, je sais que mes premières chansons ne seront pas très bonnes, peu importe les efforts que j'y consacrerai.

Alors je décide de faire une chanson par semaine. Au bout de 6 mois, tu auras fait une chanson.

Vous avez déjà composé des idées pour une chanson. Vous avez déjà arrangé une chanson. Et vous avez déjà mixé une chanson… une fois.

J'ai composé 26 idées. J'ai arrangé 26 chansons. Et j'ai réalisé 26 mixages.

Qui sera le meilleur ? Qui aura le plus d'expérience ?

Je le suis. J'ai résolu plus de problèmes que toi et rencontré plus de défis.

Je le prêche depuis des années parce que ça marche. Les fruits de cette approche sont bien réels.

Alors, concentrez-vous sur la quantité, malgré ce que tout le monde dit. Composez une chanson par semaine. Tant pis. Composez une chanson par jour si vous le pouvez. Vous serez surpris de ce qui se passe.

3. Pratique ciblée

À différents moments de votre parcours d’artiste, vous serez confronté au fait peu agréable que vous avez des faiblesses.

Parfois, il vaut mieux simplement reconnaître ses faiblesses et passer à autre chose. On ne peut pas être un touche-à-tout, et il vaut mieux laisser certaines faiblesses de côté et redoubler d'efforts pour mettre en avant ses points forts.

D'autres fois, il peut être bénéfique de vous concentrer sur une faiblesse, surtout si elle vous empêche d'atteindre vos objectifs.

Par exemple, si votre objectif est de devenir producteur de pop et que vous ne savez pas écrire de mélodies accrocheuses, c'est quelque chose que vous devez corriger.

Comment corriger les faiblesses ?

Une façon de surmonter une faiblesse est de continuer à faire de la musique. Écrivez chanson après chanson… mélodie après mélodie. Vous vous améliorerez petit à petit.

Une autre approche est la pratique ciblée .

Il s'agit d'un exercice intentionnel et ciblé visant à améliorer une certaine compétence. Dans le cas de l'écriture de mélodies, vous concevriez des exercices qui vous aideraient à améliorer votre capacité à écrire des mélodies accrocheuses.

Vous pouvez décider de recréer trois mélodies de chansons pop chaque jour pendant un mois, puis d'introduire ou de passer à un exercice plus compliqué.

Si vous souhaitez apprendre la conception sonore, vous pouvez recréer 3 sons de synthétiseur par jour pendant un mois.

Faire cela est bien plus efficace que de simplement écrire chanson après chanson. Le calcul est simple…

Approche 1 : Écrire une chanson par semaine = écrire une mélodie par semaine

Après 3 mois : 12 mélodies écrites

Approche 2 : Écrire trois mélodies par jour = 21 mélodies par semaine

Après 3 mois : 252 mélodies écrites

Peu de producteurs pratiquent ce genre de pratique de manière aussi ciblée, car en toute honnêteté, ce n'est pas si amusant. Cela devient banal. Mais ça marche.

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Outils pour les nouveaux producteurs

Dans cette section, vous trouverez un ensemble d'applications, de services et d'autres éléments pour vous aider dans la production de musique électronique.

Épissure et sons d'épissure

Splice vous permet de collaborer avec d'autres producteurs et musiciens. Il télécharge vos fichiers de projet sur le cloud, qui peuvent ensuite être modifiés par d'autres personnes avec lesquelles vous les partagez.

Mais même si vous ne prévoyez pas de l'utiliser pour la collaboration, c'est un bon moyen d'organiser vos fichiers de projet et de vous assurer qu'ils ne se perdent pas.

Splice Sounds est une autre offre phare de Splice . Il s'agit d'un service d'abonnement qui vous permet de télécharger des échantillons et des préréglages que vous pouvez utiliser dans vos productions. Je le recommande vivement.

En savoir plus sur Splice et Splice Sounds

Application Forestière

Si vous souhaitez augmenter votre productivité et le temps consacré à un travail approfondi, cette application est faite pour vous.

Vous définissez une durée, disons 60 minutes, et si vous n'utilisez pas votre téléphone pendant cette période, un arbre virtuel est construit.

Au cours de la journée, vous pouvez construire une jolie forêt. Vous obtenez également des pièces à chaque fois que vous construisez un arbre, ce qui vous permet d'acheter différents types d'arbres.

Je l'utilise depuis des années, je l'adore.

En savoir plus sur Forest

Mémos vocaux

Il s'agit d'une application par défaut fournie avec votre smartphone, et elle est gravement sous-utilisée.

Lorsqu'une idée de chanson vous vient à l'esprit pendant que vous êtes en déplacement, enregistrez-la à l'aide de l'application.

C'est peut-être une mélodie, peut-être un concept. Quoi qu'il en soit, notez-le dans votre application et vous pourrez y revenir plus tard. Ne vous fiez pas uniquement à votre mémoire.

Traces

Streaks est idéal pour suivre les habitudes et les systèmes quotidiens.

Peut-être que vous voulez écrire de meilleures mélodies et que votre système consiste à écrire 3 mélodies par jour.

Vous pouvez utiliser Streaks pour suivre cela. Configurez une notification pour qu'elle vous rappelle de travailler tous les jours.

En savoir plus sur les Streaks

Partie 6 : Prochaines étapes – Où aller à partir d’ici

Vous avez appris quelques stratégies, mentalités et approches clés pour devenir producteur de musique électronique.

Dans la première partie, nous avons examiné ce qu'est la production de musique électronique et pourquoi c'est une activité créative formidable.
Dans la deuxième partie, j'ai partagé les 5 approches que les gens adoptent pour apprendre la production de musique électronique, avec leurs avantages et leurs inconvénients. N'oubliez pas que la meilleure approche est l'approche intentionnelle et systématique.
Dans la partie 3, nous avons examiné ce dont vous avez besoin pour démarrer (le studio minimum viable) et comment choisir un DAW.
Dans la partie 4, je vous ai présenté l'état d'esprit de l'artiste. J'ai partagé des conseils et astuces sur la façon de penser, d'aborder l'apprentissage et d'être plus productif et créatif en tant que producteur.
Dans la partie 5, j'ai partagé trois stratégies solides pour vous aider à apprendre plus rapidement et à faire une meilleure musique, ainsi qu'un ensemble d'outils épiques.

Ce guide contient une multitude d'informations et de valeurs. Mais qu'en est-il maintenant ?

Peut-être êtes-vous arrivé à la fin de ce guide et avez-vous l'impression d'avoir appris quelque chose, mais vous ne savez toujours pas vraiment où aller ensuite.

Tu ne sais toujours pas comment commencer et terminer une chanson. Tu n'as aucune idée de comment tout cela fonctionne et tu veux juste que quelqu'un t'explique comment faire.

Vous souhaitez un cadre guidé, étape par étape, pour apprendre la production de musique électronique ?

Après avoir entendu plainte après plainte de nouveaux producteurs sur le fait qu'il n'y avait pas de ressources solides et utiles pour apprendre la production de musique électronique, j'ai décidé de créer EDM Foundations .

Plus de 3000 producteurs de musique électronique ont suivi le cours avec d'excellents résultats.

Alors, de quoi s'agit-il ?

EDM Foundations vous aide à maîtriser les fondamentaux de la production de musique électronique en créant 4 chansons dans des styles différents.

C'est très pratique et exploitable, donc pendant que vous comprendrez comment certaines choses sont faites et pourquoi elles sont faites, vous passerez la plupart de votre temps dans votre DAW (nous utilisons Ableton Live pour ce cours), en suivant d'abord ce que je fais, puis en vous entraînant par vous-même.

Alors, qu'est-ce que tu vas apprendre ?

À la fin du cours, vous aurez développé trois compétences de production essentielles :

Génération d’idées : écriture de mélodies, progressions d’accords, programmation de séquences de batterie…
Arrangement et instrumentation : construire une chanson complète, créer des montées en puissance, de la tension et de l'énergie, comment garder l'auditeur intéressé...
Mixage : comment donner à votre musique clarté, équilibre et dynamisme.
Vous développerez ces compétences par la copie, la répétition et l'expérimentation.

Intéressé ? Cliquez ci-dessous pour en savoir plus.
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Vous voulez entendre ce que nos étudiants ont à dire ? Vous pouvez consulter de nombreux autres avis ici .

Trois choses :

Ce cours n'est pas pour les paresseux. Il vous demandera de faire un peu de travail. Mais vous n'aurez pas à perdre de temps à comprendre un tas de choses par vous-même. Vous apprendrez en suivant ce que je fais (et vous créerez de la musique épique dans le processus).
Comme ce cours est destiné aux débutants, nous l'avons rendu extrêmement abordable. Pas besoin de débourser plus de 500 $ pour cela.
De plus, si cela ne fonctionne pas, vous bénéficiez d'une garantie de remboursement de 30 jours. Vous pouvez donc apprendre sans aucun risque.

Cela vous semble être quelque chose que vous aimeriez essayer ? Découvrez-le ici 🔥

Vous n'êtes pas un producteur débutant ? Songwriting For Producers pourrait être la prochaine étape pour vous.

C'est tout pour ce guide !

Voilà, c'est tout pour l'instant ! J'espère que vous avez maintenant une meilleure idée de ce qu'est la production de musique électronique et de la manière de vous lancer.