Comment faire de la musique : Créez votre propre musique en 6 étapes - Blog | Épissure
Illustration : Filip Fröhlich
Avez-vous déjà eu envie d'apprendre à faire de la musique ?
Que vous ayez joué d'un instrument toute votre vie ou que vous ayez uniquement été un fervent auditeur de musique, vous vous êtes peut-être demandé à quoi cela ressemblerait de créer votre propre musique à un moment ou à un autre (alerte spoil : c'est un processus profond et parfois difficile). — mais expérience incroyablement amusante et enrichissante). Heureusement, apprendre à faire de la musique n’a jamais été aussi simple qu’aujourd’hui. Avec rien d'autre qu'un ordinateur et quelques ressources en ligne (comme cet article que vous lisez en ce moment), vous pouvez commencer et aller incroyablement loin dans votre parcours de création musicale.
Dans ce guide détaillé, nous passerons en revue tout ce que vous devez savoir pour vous lancer dans la production musicale, des outils dont vous aurez besoin aux six étapes créatives que vous suivrez pour créer votre propre musique. Consultez la table des matières ci-dessous pour naviguer rapidement d’une section à l’autre.
Ce que vous apprendrez :
- Les outils dont vous aurez besoin pour faire de la musique
- Les bases de la création musicale dans une DAW
- Comment faire un rythme
- Comment écrire une mélodie
- Comment créer une progression d'accords
- Développer votre idée en une piste complète
- Mixer votre musique
- Maîtriser votre musique
Vous vous sentez excité ? Commençons!
Les outils dont vous aurez besoin pour faire de la musique
Lorsque vous imaginez un producteur de musique, vous imaginez peut-être un studio spacieux, des tables de mixage tentaculaires et des micros haut de gamme dans des cabines d'enregistrement raffinées. Bien que tous ces éléments soient formidables, vous serez heureux de savoir que vous pouvez créer de la musique incroyable aujourd'hui avec rien d'autre qu'un ordinateur portable et quelques logiciels. Ci-dessous, nous explorerons les éléments essentiels dont vous avez besoin pour commencer.
1. Une DAW (station de travail audio numérique)
Une station de travail audio numérique , ou DAW en abrégé, est le principal logiciel utilisé dans la production musicale moderne pour enregistrer, éditer et organiser les sons. Considérez-le comme la maison dans laquelle vous construirez et organiserez toutes vos idées.
À quoi ressemble généralement une DAW : celle-ci est Studio One de PreSonus.
Comment choisir une DAW
L'une des premières décisions que vous devrez prendre lorsque vous apprendrez à faire de la musique est de choisir un DAW, car il existe de nombreuses options. Si cela vous apporte du réconfort, de la bonne musique peut être créée dans n’importe quelle DAW. En fin de compte, ce n'est que votre toile, et l'art viendra de vous , pas de vos outils. Cela dit, vous y passerez (espérons-le) beaucoup de temps, vous voudrez donc en choisir un qui vous passionne et vous motive.
Pour vous, cela peut impliquer de choisir une DAW que vous trouvez simplement esthétique. Examiner ce qu’utilisent vos artistes et producteurs préférés pourrait également susciter des idées. Différentes DAW ont des prix différents, et certaines sont exclusives uniquement à Mac ou Windows, cela peut donc également être un facteur.
DAW populaires pour faire de la musique
Ci-dessous, examinons quelques-unes des options les plus populaires pour faire circuler quelques idées.
- GarageBand (0 $) : GarageBand est une DAW largement reconnue par les créateurs et les non-créateurs, grâce au fait qu'Apple l'a préinstallé sur leurs appareils depuis des années. Bien qu'il soit exclusif à Mac/iOS et limité en fonctionnalités par rapport à certaines autres options, son prix ( très ) abordable et son extension mobile en font un choix populaire pour de nombreux débutants.
- Quelques disques réalisés avec GarageBand : « Umbrella » de Rihanna et In Rainbows de Radiohead
- Logic Pro X (200 $) : Logic Pro X est à bien des égards une version plus avancée de GarageBand. Également propriété d'Apple, Logic Pro est une DAW dotée d'une interface utilisateur élégante et d'un flux de travail éprouvé.
- Quelques artistes qui ont été vus utiliser Logic Pro X : Calvin Harris, Jacob Collier et FINNEAS
- Ableton Live (0 $ – 749 $) : Tout en popularité aux côtés de Logic Pro, Ableton Live est connu pour l'accent mis sur les performances live ainsi que sur la production musicale. Ses flux de travail uniques peuvent polariser certains, mais ceux qui l’aiment ne jurent que par lui. Il propose également plusieurs options de niveau différentes (comme d’autres ci-dessous), d’où la variabilité des prix.
- Quelques artistes qui ont été vus utilisant Ableton Live : Skrillex, KSHMR et Imogen Heap
- Studio One (99 $ – 399 $) : Même s'il n'est peut-être pas aussi connu que Logic ou Ableton, Studio One ne doit pas être sous-estimé. Cette DAW avant-gardiste est conçue pour être intuitive et possède également des fonctionnalités exclusives idéales pour la création de rythmes (Impact XT) ainsi que pour la notation traditionnelle (Score View).
- Quelques artistes qui ont été vus utiliser Studio One : Maarten Vorwerk, Armin Van Buuren et Rob Scallon
- Bitwig Studio (99 $ – 399 $) : Bitwig Studio ressemble presque plus à un terrain de jeu qu'à un DAW traditionnel. De la conception sonore modulaire au mappage pour les sets live, si vous pensez être un type de personne qui aime vraiment se lancer dans les mauvaises herbes, Bitwig Studio pourrait être la station de travail qu'il vous faut.
- La légende de la techno Richie Hawtin sur Bitwig Studio : « Une DAW intuitive qui va au-delà de tout le reste dans la profondeur de ses routages de modulation intégrés et de son accès à la grille. »
- FL Studio (99 $ – 499 $) : DAW qui semble avoir une base d'utilisateurs particulièrement solide autour du hip hop et de l'EDM, FL Studio est adoré pour ses flux de travail de séquenceur et ses mises à jour gratuites à vie.
- Quelques artistes qui ont été vus utiliser FL Studio : Porter Robinson, Murda Beatz et Soulja Boy
Toutes les options payantes proposent des essais gratuits, cela vaut donc peut-être la peine d'en essayer quelques-unes pour voir laquelle vous convient le mieux. Studio One et Bitwig Studio sont spécifiquement disponibles sur Rent-to-Own, ce qui signifie que vous pouvez payer des mensualités plus petites pour la propriété après la fin de votre période d'essai, au lieu de les acheter immédiatement. Il existe également des moyens de regrouper gratuitement Ableton Live Lite lorsque vous obtenez certains produits et services.
2. Sons et plugins
Bien que la DAW fournisse l'environnement virtuel dans lequel vous travaillerez, les sons et les plugins sont les éléments que vous devrez utiliser pour réellement produire de l'audio. Les sons peuvent apparaître sous toutes sortes de formes. Il s’agit peut-être de boucles préexistantes que vous pouvez utiliser comme source d’inspiration. Ou peut-être s'agit-il de one-shots chargés dans des plugins d'instruments logiciels que vous pouvez utiliser pour créer vos propres mélodies et progressions d'accords.
Un exemple de coup de pied unique ou un type d'échantillon audio qui n'est qu'une seule frappe. Organiser ces instances dans un motif musical est une façon de créer votre propre musique.
En parlant de cela, les plugins sont des logiciels plus petits que vous utilisez dans votre DAW pour répondre à une variété de besoins créatifs. Peut-être qu'ils fournissent un instrument virtuel (comme un piano ou une basse) préchargé avec des sons, ce qui peut vous permettre de composer des parties pour un instrument que vous ne possédez pas physiquement ou que vous ne savez pas jouer. Ou peut-être qu’ils vous permettent d’utiliser un effet comme un écho ou une réverbération pour colorer vos sons.
Sachez que la plupart des DAW sont livrés avec une suite de sons et d'effets intégrés, vous n'avez donc pas à vous soucier de les acquérir séparément juste pour apprendre à faire de la musique. Cependant, au fur et à mesure que vous poursuivez votre parcours de production musicale, vous pourriez également rencontrer des plugins tiers et des bibliothèques d'échantillons que vous trouvez attrayants. Leur achat vous permettra d'incorporer de nouveaux sons et effets dans votre DAW pour élargir encore plus vos horizons sonores.
3. Instruments physiques et matériel (facultatif)
Enfin, si vous chantez ou jouez d’un instrument physique, vous pouvez absolument intégrer ces talents dans votre propre musique. Ceci est totalement facultatif et n’est pas obligatoire pour la production de musique numérique, mais peut certainement être un atout précieux si vous l’avez.
Si vous souhaitez chanter votre propre musique, vous devrez vous procurer un microphone, un câble XLR (pour la plupart des micros) et une interface audio. Dans le didacticiel ci-dessous, nous expliquons comment connecter ces éléments à votre DAW. Cela dit, si vous n'avez pas le budget ou si vous souhaitez simplement commencer tout de suite, vous pouvez également obtenir des enregistrements décents à partir des micros intégrés de votre téléphone ou de votre ordinateur portable avec la bonne configuration.
Ces pièces d'équipement seront également pertinentes si vous jouez de presque n'importe quel instrument acoustique (ex. violon, saxophone, trompette, etc.). Si vous jouez d'un instrument électrique comme une guitare ou une basse électrique, vous pouvez brancher votre câble TS directement sur une interface, puis amplifier votre signal avec des plugins dans votre DAW. Enfin et surtout, si vous jouez du piano ou des touches, vous voudrez peut-être vous pencher sur les contrôleurs MIDI (de nombreux producteurs les utiliseront également pour mettre des idées, même si le piano n'est pas leur instrument principal).
Cela ne vaut également rien qu'il existe une quantité infinie de matériel, qu'il s'agisse de haut-parleurs stéréo, d'unités d'effets ou d'équipements externes, qui peuvent être utilisés conjointement avec la DAW pour créer de la musique. Cela dit, ils ne sont en aucun cas nécessaires pour débuter, nous les avons donc omis ici.
Les bases de la création musicale dans une DAW
Une fois que vous avez choisi votre DAW, il est temps de l'ouvrir et de vous familiariser avec elle. Même si chaque poste de travail est différent, ils partagent généralement un large éventail de vues et de flux de travail communs. Jetons un coup d'œil à quelques-uns des principaux ici.
1. La vue piste/arrangement
La vue des pistes dans Logic Pro X.
Le premier est la vue des pistes ou des arrangements . Cette vue est généralement affichée par défaut, juste lorsque vous ouvrez la DAW. C'est là que vous verrez toutes vos différentes parties, à mesure que vous superposez plusieurs instruments logiciels et pistes audio dans votre projet. Vous verrez probablement des chiffres en haut qui désignent des mesures musicales , et une fois que vous aurez appuyé sur le bouton de lecture, le pouce de la tête de lecture devrait commencer à les parcourir de gauche à droite. Ce faisant, vous entendrez toute la musique que vous avez créée en rythme (nous verrons cela en action plus tard).
2. L'éditeur MIDI / piano roll
Le piano roll dans Logic Pro X.
L' éditeur MIDI, également souvent appelé piano roll, est un espace dans lequel vous pouvez ajouter et modifier des notes MIDI. MIDI (Musical Instrument Digital Interface) est un type de protocole numérique qui nous permet de capturer des informations et de transmettre des instructions à nos instruments logiciels (et aux contrôleurs MIDI, si vous en avez choisi un). Dans une DAW, le MIDI nous permet de composer facilement nos propres rythmes, progressions d'accords, mélodies et bien plus encore.
Contrairement à la vue Piste/Arrangement, vous ne verrez probablement pas celle-ci lorsque vous ouvrirez la DAW.
3. Tranches de console
Tranches de console dans Logic Pro X.
Enfin, jetons un coup d’œil aux tranches de console. Chaque piste que vous créez en aura un ; vous pouvez les utiliser pour ajouter des effets audio à vos sons comme l'écho, la réverbération, l'égalisation, etc. Le fader de volume qui leur est souvent connecté vous permettra également d'ajuster facilement le volume d'une piste, bien que vous puissiez généralement également le faire dans la vue piste/arrangement.
Vous pouvez également rencontrer toutes vos tranches de console rassemblées dans une vue de mixage , en plus d'une seule piste principale dans laquelle toutes vos tranches de console individuelles alimentent. Ceux-ci peuvent être utiles pour le mixage et le mastering, deux processus que nous aborderons vers la fin de ce guide.
Comment en savoir plus sur votre DAW spécifique
Tout d’abord, ne vous inquiétez pas d’apprendre tous les détails obscurs de votre DAW avant même de commencer. Au lieu de cela, la meilleure approche consiste peut-être à lire ou à regarder une courte introduction, puis à rechercher des éléments spécifiques lorsque des questions se posent. Tout comme on ne peut pas apprendre à faire du vélo en lisant un livre, on ne peut pas apprendre à faire de la musique sans le faire réellement.
Si vous ne savez pas comment faire quelque chose en cours de route, d'excellentes ressources sur lesquelles vous appuyer sont les manuels officiels (une option sous-utilisée criminellement) et les vidéos YouTube populaires. Ceux-ci pourraient vous être utiles même aujourd'hui, car nous ne serons finalement pas en mesure de couvrir les moindres détails du travail dans chaque DAW dans la prochaine partie de ce didacticiel consacrée à la création musicale.
Cela dit, notre approche des six processus à venir qui révèlent comment créer de la musique (créer un rythme, construire une progression d'accords, écrire une mélodie, développer votre idée en un morceau complet, mixer votre morceau et masteriser votre morceau) sera complètement Indépendant de DAW. Cela signifie que vous pourrez récupérer toutes ces informations puissantes et les appliquer librement au poste de travail de votre choix.
Une fois tous les outils rassemblés, commençons par ce pour quoi nous sommes venus ici : apprendre à faire de la musique !
Comment faire un rythme
Lorsque l'on examine les éléments constitutifs de la musique « sur papier », la plupart des idées de composition peuvent être décomposées en trois éléments fondamentaux : le rythme, la mélodie et l'harmonie.
Ces trois éléments ne s’excluent pas mutuellement. Par exemple, les mélodies et les progressions d’accords sont également intrinsèquement rythmiques. Cependant, il existe certains éléments percussifs qui ne sont pas très mélodiques ou harmoniques (peut-être interprétés par quelque chose comme une batterie) qui déterminent l'énergie rythmique d'un morceau. Nous appelons familièrement ces parties le rythme (à ne pas confondre avec le rythme). théorie musicale (définition du même terme).
Qu'est-ce que le rythme ?
En termes très simples, le rythme est l'aspect de la musique qui nous indique le timing des notes et des silences (silences). Le rythme est quelque chose qui est intrinsèque à notre expérience de la musique : la plupart des gens seront capables d'apprécier et de danser sur un groove qui décrit un bon rythme, même s'ils ne font pas de musique eux-mêmes.
Il n'est pas nécessaire d'être un génie musical pour entendre que le rythme simple mais serré qui donne le coup d'envoi de « Billie Jean » est ce qui nous fait immédiatement hocher la tête.
Cela dit, en tant que producteur de musique, vous bénéficierez d’ une certaine connaissance du solfège autour des rythmes. Par exemple, comprendre ce que sont une mesure et une noire vous permettra de mieux naviguer dans votre DAW et de savoir y positionner les rythmes.
Si vous n'avez aucune expérience préalable avec ce type de termes de théorie musicale, consultez notre guide détaillé ci-dessous pour vous familiariser avec les principes fondamentaux du rythme. Chaque concept est couvert à la fois par des partitions traditionnelles et par le MIDI ; n'hésitez pas à vous concentrer sur le système qui vous convient le mieux.
Comment créer un rythme dans votre DAW
Une fois que vous aurez maîtrisé la théorie musicale de base du rythme, vous souhaiterez créer une nouvelle piste d'instrument logiciel dans votre DAW. Choisissez n'importe quel kit de batterie dont vous aimez le son : vous l'utiliserez pour séquencer votre propre rythme avec des notes MIDI. Notez qu’aucune règle ne vous oblige à commencer par le rythme lorsque vous faites de la musique. Cela dit, de nombreux producteurs construiront leurs chansons autour d’une seule, car c’est la base qui relie tout dans de nombreux genres.
Ci-dessous, vous pouvez voir comment nous avons utilisé les notes MIDI pour organiser une combinaison de grosses caisses , de caisses claires et de charlestons pour faire démarrer un rythme :
Notre groove est peut-être un peu plus rapide que le vôtre, c'est parce que nous avons modifié le tempo (vitesse musicale) de notre morceau en ajustant le paramètre BPM (battements par minute) de notre projet .
Pour un guide étape par étape encore plus détaillé sur la façon de procéder, consultez notre article sur la façon de créer un beat :
Comment créer une progression d'accords
Une fois que vous avez lancé un rythme, la prochaine chose que vous pouvez essayer est de décrire une harmonie avec une progression d'accords. Un accord est un ensemble de hauteurs qui forment une seule idée harmonique. Pendant ce temps, une progression d’accords est une succession d’accords qui sert de colonne vertébrale harmonique à un morceau de musique.
Qu'est-ce que l'harmonie ?
L'harmonie fait référence au son simultané de plusieurs notes de musique. Nous l'entendons dans presque toutes les musiques que nous écoutons, souvent soulignées par des instruments comme le piano, les guitares, les nappes de synthé, etc. Par exemple, la progression d'accords exécutée par le piano dans « Hello » d'Adele définit la structure harmonique de la chanson. , tout en offrant un joli lit à sa voix entraînante.
Progression d'accords A i – III – VII – VI : simple mais puissante.
Semblable au rythme, il existe également quelques bases de théorie musicale qui nous aident à comprendre comment sont structurés les accords populaires. Si vous n'êtes pas familier avec ce que sont les triades majeures et mineures , notre introduction à l'harmonie est également disponible ci-dessous pour vous aider. Et bien que nous avancions un peu dans le contexte de ce didacticiel, notre introduction à la mélodie vous donnera également quelques définitions de termes tels que la hauteur, les gammes et les tonalités, si l'un d'entre eux apparaît en cours de route et que vous vous sentez confus. .
Comment créer une progression d'accords dans votre DAW
Il est maintenant temps de créer une progression d'accords qui évolue au rythme de notre rythme établi. Bien qu'une progression puisse contenir n'importe quel nombre d'accords, choisir un motif de quatre à boucler est un bon point de départ. Dans la vidéo ci-dessous, vous pouvez voir comment nous avons ajouté un instrument logiciel de synthétiseur et l'avons utilisé pour créer une progression d'accords simple mais solide à associer à notre rythme :
Nous avons choisi la progression d'accords ai – VI – III – VII – tous les mêmes accords que « Hello », mais dans un ordre et une tonalité différents.
Si vous ne savez pas par où commencer, vous devrez choisir une gamme majeure ou une gamme mineure autour de laquelle construire tous vos accords. Le do majeur et le la mineur sont parfaits pour les débutants, car ils ne contiennent ni dièses ni bémols (en d'autres termes, ils utilisent uniquement toutes les touches blanches du piano). Bien qu'il s'agisse d'une généralisation radicale , à de nombreuses exceptions près, se concentrer sur une gamme majeure pourrait vous donner ce qui est communément interprété comme un son plus « brillant » ou « joyeux ». Pendant ce temps, se concentrer sur une gamme mineure peut vous donner ce qui est communément interprété comme un son « sombre » ou « triste ».
Rechercher les progressions d’accords de vos chansons préférées pourrait être un moyen de trouver l’inspiration. Vous pouvez également consulter ce didacticiel pour apprendre à créer de la musique avec les progressions les plus courantes pour différents genres. Nous y incluons également des fichiers MIDI gratuits pour diverses progressions, que vous pouvez utiliser comme points de départ pour votre propre musique.
Au fur et à mesure que vous devenez plus avancé, vous pouvez également essayer d'aller au-delà des hauteurs disponibles dans une gamme majeure ou mineure en explorant des accords empruntés, des modes et bien plus encore, mais ce sera pour un autre jour. Pour l’instant, sachez simplement que certains groupements et modèles d’accords sont plus courants que d’autres.
Comment créer une ligne de basse en utilisant votre progression d'accords
Une fois que vous avez une progression d'accords, vous pouvez créer une ligne de basse simple en copiant et en collant les accords sur une piste contenant un instrument de basse. À partir de là, isolez simplement les notes fondamentales et déplacez-les vers une octave inférieure. Vous pouvez trouver des octaves en faisant glisser les notes de haut en bas jusqu'à ce que vous trouviez exactement le même nom de lettre. Cela aidera à remplir le bas de votre morceau et à lui donner le corps dont il a tant besoin, comme indiqué ci-dessous :
Vous aurez besoin d'écouteurs pour bien écouter celui-ci !
Au fur et à mesure que vous progressez dans votre parcours musical, vous commencerez probablement à expérimenter davantage vos lignes de basse, en ajoutant plus de notes, en vous écartant de la racine, en leur donnant des rythmes plus groovy, etc. Sans aller trop loin, nous avons ajouté un peu plus de saveur à notre ligne de basse ci-dessous à démontrer, en créant des rythmes qui correspondent au coup de pied de notre rythme et en remontant d'une octave ici et là :
Bonus : inversions d'accords
Maintenant que nous avons notre ligne de basse en ordre, nous pouvons revenir à notre progression d'accords et aborder rapidement les inversions. Ce sont des accords créés en changeant la note la plus basse par quelque chose d'autre que la fondamentale. Bien que cela soit totalement facultatif, nous démontrons cette technique ci-dessous en déplaçant quelques notes de notre progression de haut en bas d'une octave, de sorte que tous les accords soient contenus dans un espace vertical plus compact sur notre piano roll. Le résultat est une transition plus douce d’un accord à l’autre, sans altérer l’identité fondamentale d’aucun des accords.
Comment écrire une mélodie
Enfin et surtout, ajoutons une mélodie au-dessus du lit musical que nous avons créé.
Qu'est-ce que la mélodie ?
Il est un peu difficile de définir ce qu'est exactement une mélodie - peut-être une succession de tons regroupés en une idée singulière - mais nous en reconnaissons certainement une bonne lorsque nous l'entendons.
Une mélodie efficace est celle qui nous émeut ou qui se répète dans notre esprit longtemps après la fin de la chanson. Prenez l'intro du sifflet dans "My Heart Will Go On". Bien qu’il s’agisse pratiquement d’un mème, sa nature honnête et élancée est tout simplement indéniable.
La façon dont la mélodie monte plus haut dans sa répétition est tellement satisfaisante .
Heureusement, une grande partie de la terminologie entourant la mélodie recoupe celle de l’harmonie. Cela dit, nous déposerons à nouveau notre guide dédié à la mélodie ci-dessous, au cas où vous souhaiteriez vous familiariser avec les principes fondamentaux de la théorie.
Comment créer une mélodie dans votre DAW
Bien qu'il n'y ait encore une fois pas de règles lorsqu'il s'agit de créer une mélodie, nous avons plus de structure que lorsque nous composions notre progression de rythmes et d'accords.
D’une part, la progression d’accords aurait dû établir une tonalité musicale à laquelle nous voudrons probablement également nous en tenir pour notre mélodie. Si vous faites atterrir votre mélodie sur les hauteurs contenues dans les accords au fur et à mesure qu'ils frappent, vous constaterez probablement qu'elle semble plus consonante ou musicalement stable. D'un autre côté, vous pouvez créer un peu de tension en lui faisant toucher des notes qui ne font pas partie de vos accords. À partir de là, vous pouvez les résoudre en hauteurs plus consonantes (ou non) à votre goût.
Un aspect clé que vous devez garder à l'esprit lorsque vous créez des mélodies est le contour, ou la « forme » large de votre mélodie. Pensez à la façon dont cette mélodie de sifflet dans « My Heart Will Go On » répète certaines idées, mais atteint plus haut à mesure qu'elle se déploie pour un effet émotionnel.
Lorsque vous créez votre propre musique, demandez-vous : comment pouvez-vous raconter l’histoire unique que vous souhaitez raconter avec votre mélodie ?
Si vous recherchez la mémorisation, la clé pourrait être de trouver un équilibre entre répétition et variation. Répéter des phrases plus petites dans votre mélodie aidera les auditeurs à suivre, tandis que les changements contribueront à ajouter de l'enthousiasme et de l'impact.
Fredonner votre progression d'accords jusqu'à ce que vous trouviez quelque chose que vous aimez, puis essayer de le recréer dans la DAW peut être une stratégie efficace si vous êtes bloqué. Vous pouvez également utiliser le clavier à l'écran de votre DAW pour réfléchir à quelques idées sur un instrument logiciel que vous pourrez ensuite utiliser pour votre mélodie.
Ci-dessous, nous faisons exactement cela, en jouant simplement sur notre rythme et nos accords en boucle jusqu'à ce que nous trouvions une idée qui nous plaît. À partir de là, nous l' enregistrons et éditons notre enregistrement dans le piano roll pour qu'il sonne un peu plus proprement, en ajustant le timing et la durée des notes à notre goût :
Laisser vos enregistrements moins édités peut leur donner une impression plus lâche et interprétée. D'un autre côté, vous pouvez également ignorer complètement l'enregistrement et saisir directement vos mélodies avec MIDI, tout comme nous l'avons fait avec notre rythme, notre progression d'accords et notre ligne de basse.
Ajout de calques et de pièces supplémentaires
Maintenant, notre musique commence vraiment à ressembler à un morceau ! Cela dit, bien sûr, il y a toujours de la place pour plus : après tout, bon nombre de vos chansons préférées contiennent probablement plus de trois ou quatre sons différents dans leur arrangement. Cependant, vous constaterez souvent que tous ces sons soutiennent généralement l'un des trois piliers (temps, accords et mélodies) que nous avons établis aujourd'hui. Peut-être qu'un effet sonore ajoute des accents supplémentaires au rythme. Ou peut-être qu’une ligne de soutien harmonise ou double une mélodie.
Si vous vous sentez ambitieux, continuez à expérimenter et à ajouter vous-même des pistes supplémentaires à votre projet. Essayez peut-être de faire jouer votre mélodie par plusieurs instruments ou d'ajouter une toute nouvelle partie qui s'entremêle avec votre rythme. La meilleure façon d’apprendre à faire de la musique et de développer davantage votre oreille est simplement d’essayer les choses par vous-même. Nous vous encourageons donc à passer beaucoup de temps ici, simplement à vous amuser avec votre DAW.
Ci-dessous, vous pouvez voir que nous avons choisi de doubler notre mélodie avec un autre synthé pour lui donner encore plus de corps. Nous avons également ajouté quelques synthés rythmiques, qui constituent un outil intéressant pour ajouter automatiquement du mouvement aux progressions d'accords :
Développer votre idée en une piste complète
À ce stade, votre musique ne dure peut-être que quelques secondes. Une fois que vous avez une idée de base, vous souhaiterez la développer en une chanson complète en ajoutant plus de parties qui lui donnent cet arc plus large.
Quelle est la structure d’une chanson ?
Lorsque vous créez votre propre musique, la structure des chansons sera votre meilleure amie pour développer vos idées individuelles en chansons complètes. En composant des sections connexes telles que des couplets, des refrains et des ponts et en les reliant entre elles, vous serez en mesure de vraiment raconter une histoire avec votre travail.
Ci-dessous, nous approfondissons la structure des chansons et certains modèles populaires que vous voudrez connaître.
Comment implémenter la structure des chansons dans votre DAW
En revenant à ce que vous avez créé dans la DAW, vous pourrez peut-être créer de nouvelles sections en modifiant les progressions d'accords et les mélodies, ou en créant ou en supprimant des parties. Vous constaterez que souvent, vous n’aurez peut-être pas besoin de modifier autant que vous le pensez pour créer de nouvelles sections.
Si vous écrivez une chanson avec du chant, des paroles nouvelles et répétées dans différentes sections joueront également un rôle important dans l'expansion de votre musique. Dans la musique populaire, différents couplets ont souvent des paroles différentes qui se concentrent sur la narration, tandis que les refrains restent plus cohérents et mettent l'accent sur des thèmes généraux et des émotions. Cela dit, bien sûr – dites-le-nous maintenant – il n’y a pas de règles strictes ici.
Ci-dessous, nous avons développé notre idée en une composition complète en ajoutant une intro, qui isole essentiellement quelques parties de notre section principale et s'y intègre lentement. Nous avons également ajouté un pont contrasté. Le processus de création de cette section était exactement le même que celui utilisé pour créer notre idée principale, mais nous avons notamment modifié la progression des accords et les accents rythmiques, ce qui lui a donné un contraste très soigné.
À partir de là, nous sommes revenus à notre idée principale pour créer un sentiment de cohésion, et nous l’avons répété une fois pour un peu plus de punch alors que nous nous dirigeions vers la fin. Enfin, nous avons supprimé certaines parties des mesures finales pour faciliter la conclusion :
Mixer votre musique
En préparant toutes ces parties pour votre propre musique, vous vous êtes peut-être retrouvé préoccupé par la manière dont elles s'articulent. Peut-être qu’une partie était trop bruyante et accablante. Ou peut-être vouliez-vous modifier le timbre (ou le caractère sonore) de votre son d'une manière ou d'une autre.
Un processus dont nous n'avons pas encore parlé et qui est crucial pour comprendre comment faire de la musique est le mixage . Alors que la composition consiste avant tout à séquencer des rythmes sympas, à créer des progressions d'accords émouvantes et à écrire des mélodies mémorables, le mixage met l'accent sur les aspects sonores les plus insaisissables, comme rendre l'image plus cohérente, claire et excitante.
Pour ce processus, vous devrez utiliser une combinaison de faders de volume et de panoramique sur vos pistes, en plus des plugins d'effets audio. Dans notre guide de mixage ci-dessous, nous passons en revue les applications courantes de tout cela et discutons de ce à quoi vous pourriez penser lorsque vous mixez votre propre musique.
Ci-dessous, nous démontrons quelques-unes des nombreuses décisions de mixage que nous avons prises au cours du processus pour notre piste de démonstration :
Vous pouvez voir que nous avons égalisé le volume de la mélodie et que nous avons légèrement orienté les deux synthés principaux vers la gauche et la droite pour créer de l'espace et de la largeur. Nous avons également ajouté un égaliseur à nos basses qui atténuait certains grondements à peine audibles, et avons également effectué un panoramique sur les charleys.
Quand faut-il mixer quand on fait de la musique ?
Pour les besoins de ce didacticiel, nous avons séparé le mixage en tant qu'étape distincte. Cette segmentation reste également une pratique efficace pour de nombreux musiciens chevronnés, qui peuvent avoir une phase où ils se concentrent principalement sur la composition, puis une dernière phase où ils se concentrent sur le mixage, une fois qu'ils ont leurs idées générales.
Cela dit, à mesure que vous faites plus de musique, vous constaterez peut-être que vous faites également une certaine quantité de mixage pendant que vous écrivez, et ce n'est pas grave ! En fait, il arrive souvent qu’un effet audio particulier ou une astuce d’équilibrage puisse éclairer une idée de composition, et vice versa.
De nombreux musiciens sérieux demanderont également à quelqu'un d'autre, peut-être à un ingénieur du mixage professionnel , de mixer leurs morceaux. La raison en est qu’une oreille fraîche et aiguisée pourrait être capable de faire des choix que la vôtre (qui a peut-être déjà entendu la musique des centaines de fois et perdu toute objectivité) pourrait manquer. Cependant, il n’y a certainement rien de mal non plus à mixer votre propre musique.
Maîtriser votre musique
Nous sommes presque à la fin – le dernier point mais non le moindre est le mastering. Il s'agit de la dernière étape de la production musicale où nous peaufinons le son global, veillons à ce que le morceau se traduise bien dans différents environnements de lecture et garantissons la cohérence avec l'ensemble de l'œuvre (si la chanson doit faire partie d'un EP ou d'un album). .
Si vous débutez, cette étape n'est peut-être pas une grande préoccupation pour vous, car distribuer votre musique n'est peut-être pas une priorité (même si vous pouvez tout à fait vous y lancer) ! Cependant, il faut savoir que cela existe.
Quelle est la différence entre le mixage et le mastering ?
Pendant que nous peaufinons les sons individuels lors de la phase de mixage, lors du mastering, nous appliquons réellement de légers ajustements au niveau macro. « Léger » est le mot-clé ici : si vous rééquilibrez radicalement des sons individuels ou ajoutez de nouvelles parties, vous êtes probablement encore en train de mixer ou de produire.
Comme pour le mixage, il existe des ingénieurs de mastering dédiés qui consacrent toute leur carrière à cet art. Et pour des raisons similaires, cela pourrait être une bonne idée de demander à d’autres personnes de maîtriser votre musique.
Cependant, si vous souhaitez le faire vous-même, pensez à prendre au moins quelques jours de repos pour pouvoir l'aborder avec les oreilles les plus fraîches possibles. À partir de là, vous pouvez suivre notre guide de maîtrise 101 en six étapes pour en savoir plus sur les outils que vous utiliserez et les résultats que vous viserez.
Et à la toute fin, n'oubliez pas d' exporter votre morceau pour pouvoir l'écouter en déplacement et même le partager avec le monde !
Notre piste de démonstration exportée : le chemin a été long !
Conclusion : Comment faire de la musique
Si vous êtes arrivé jusqu'ici, félicitations ! Vous avez appris tout le processus de création de musique, depuis la recherche d'un DAW jusqu'au mixage et au mastering de votre travail. Cela dit, nous avons vraiment couvert une tonne d’informations aujourd’hui, alors ne vous inquiétez pas si vous n’avez pas absolument tout absorbé. Faire de la musique est un voyage qui dure toute une vie, donc y travailler sous quelque forme que ce soit est une première étape immense.
Si de nouvelles questions se posent lors de votre exploration de la DAW, ou si vous cherchez un endroit pour partager et recevoir des commentaires sur votre musique au fur et à mesure de votre croissance, pensez à rejoindre notre Discord pour une communauté de créateurs de musique qui échangent constamment inspiration et connaissances.
Nous avons hâte de savoir ce que vous allez créer !
Continuez à découvrir le monde passionnant de la création musicale :
9 mai 2022
EN SAVOIR PLUS
Apprenez à créer des rythmes pour une chanson avec ce guide détaillé, où nous couvrons tout, depuis les outils dont vous aurez besoin jusqu'à la façon de séquencer vos propres rythmes.
Votre premier morceau commence ici : apprenez les outils, les techniques et la théorie musicale nécessaires pour créer une chanson originale du début à la fin.
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