Comment améliorer votre processus créatif à l'aide de la pyramide de production

• Sam Matla
• 9 juin 2021

Ceci est un article invité de Nicholas Di Lorenzo de Panorama Mastering et Cassandra Zko de ZKO Music . 

De Sam : Il y a quelque temps, j'ai demandé à la communauté d'artistes EDMProd  s'ils pensaient que trop de producteurs se concentraient sur les aspects techniques d'un morceau (mixage, mastering, sons, etc.) plutôt que sur la composition et l'écriture de chansons. 

Une réponse qui s'est particulièrement démarquée a été celle de mon bon ami Nicholas Di Lorenzo, ingénieur de mixage et de mastering. Il a déclaré que la plupart des gens laissent des trous dans leur flux de travail de production et que les producteurs devraient considérer le processus de production comme une sorte de "pyramide", commençant par la composition et se terminant par le mastering.

Peu de temps après, il est venu me demander s'il pouvait écrire un article à ce sujet avec Cassandra Zko, une théoricienne de la musique, musicienne et enseignante bien étudiée. Nous avons tous les trois parlé autour d'un café un soir et établi une feuille de route pour l'article que vous lisez maintenant.

Cet article est complet, comme on pouvait s'y attendre avec un tel sujet. Il couvre les 5 étapes de la pyramide de production - composition, arrangement/instrumentation, production/conception sonore, mixage et mastering - de manière très détaillée. C'est quelque chose auquel vous vous référerez probablement à maintes reprises lorsque vous êtes aux prises avec un obstacle créatif ou un problème de flux de travail.

C'est aussi pour tout le monde. Si vous êtes frustré par la production et que vous vous retrouvez bloqué à certaines étapes, vous tirerez beaucoup de valeur de ce message, mais même si vous avez déjà un flux de travail robuste et que vous rencontrez rarement des problèmes, vous aurez très probablement une astuce ou deux aussi.

Si vous souhaitez passer rapidement d'une partie à l'autre de la pyramide de production, vous pouvez le faire en cliquant sur ces liens :

• Partie 1 : Composition
• Partie 2 : Arrangement et instrumentation
• Partie 3 : Conception et production sonores
• Partie 4 : Mixage
• Partie 5 : Maîtriser

Qu'est-ce que la pyramide de production ?

La pyramide de production décompose le processus de production d'une piste dans un cadre clair et facile à suivre qui se compose de cinq étapes.

Tout comme la construction d'une maison nécessite une fondation solide avant l'ajout du cadre, une piste doit commencer par des éléments fondamentaux. Si vous créez une piste de danse, il n'est pas judicieux de passer du temps à réfléchir au mixage avant qu'un groove fondamental ne soit défini. De même, si une piste mélodique est en cours de création, se concentrer sur la conception sonore et les tâches de production complexes n'est rien de plus qu'une forme de procrastination.

Les 5 étapes, comme indiqué ci-dessous, ne sont pas mutuellement exclusives. Le but de cet article n'est pas que vous  devez  d'abord vous concentrer sur la composition et ignorer la conception sonore en le faisant, ou que vous devez faire tout votre EQ et votre compression - mixage - seulement après les trois premières étapes, mais plutôt que de vous concentrer au mieux peut à chaque étape conduire à un meilleur produit final, avec moins de problèmes en cours de route.

Malgré ce que l'on nous fait souvent croire, le multitâche n'est bénéfique pour personne , en particulier pour le producteur de musique électronique. Sauter entre les tâches créatives et les tâches logiques signifie que notre cerveau doit continuellement s'arrêter, basculer et reprendre de l'élan, pour ensuite devoir soudainement reconfigurer et redémarrer le processus.

De plus, la visualisation du flux de travail de production via ce cadre en 5 étapes fonctionne incroyablement bien avec un flux de travail basé sur des tâches ou géré par des tâches. C'est-à-dire, voir le processus de création de chanson comme un ensemble de tâches plutôt qu'une seule grande tâche. Par exemple, on pourrait diviser les 5 parties du cadre en sous-tâches plus petites…

• Composition
  • Écrire une progression d'accords de base
  • Ecrire la mélodie
  • Écrire une contre-mélodie
  • Créer un rythme sous-jacent pour la piste
  • Écrire la progression d'accords de pont
• Arrangement & Instrumentation
  • Choisissez des sons de batterie
  • Organiser l'intro
  • Arranger le refrain
  • Terminer l'arrangement de base

…et ainsi de suite.

Si vous souhaitez en savoir plus sur la production musicale basée sur les tâches, je vous suggère de lire cet article.

Qu'est-ce que la composition et quelle est son importance ?

En termes simples, la composition est le processus de génération d'idées musicales. Le processus de composition est souvent un processus fluide ; celui où les idées sont générées, puis manipulées, modifiées, développées ou même simplifiées. Les choix effectués à ce stade placent souvent le morceau sur une voie particulière en termes de genre, d'ambiance et de style.

La clé d'un morceau réussi est de fortes idées mélodiques , harmoniques et rythmiques . Ces idées s'intégreront mieux dans la piste si elles sont établies au début du processus de production. Pourquoi? Parce qu'une fois que les idées principales sont solidifiées et que la piste commence à prendre forme autour d'elles, il devient très difficile de les supprimer ou de les modifier sans impacter lourdement sur d'autres éléments. Les meilleures compétences techniques de production ne signifient rien sans la présence d'idées musicales solides.

Quels sont les objectifs de l'étape de composition ?

• Décider d'une tonalité, d'un tempo, d'une signature temporelle, d'une progression d'accords, d'un motif fort, d'une mélodie, de contre-mélodies, de couches harmoniques et de toute autre ligne d'accompagnement qui se complètent et se soutiennent mutuellement
• Développer des idées pour l'introduction, le couplet, le pont, le refrain, la panne et l'outro
• Sélectionnez un ensemble de base de patchs et d'instruments à utiliser comme espaces réservés avant l'étape de conception sonore (où ils seront ensuite élaborés plus avant)
• Rédiger des idées avec un accent « avant-gardiste » (être créatif tout en faisant des choix stratégiques pour réduire les problèmes dans les étapes ultérieures)
• Concentrez-vous sur le développement de lignes fortes et simples (par opposition à de nombreuses lignes plus faibles qui sont difficiles à organiser et à mélanger plus tard)
• Créez une banque de divers motifs, lignes et mélodies facilement accessibles si nécessaire

Éléments de composition

Un morceau de musique doit contenir les trois éléments de la musique - mélodie, harmonie et rythme.

Une piste de danse ne peut exister sans une impulsion sur laquelle le public peut danser et les auditeurs ne pourront pas chanter les paroles s'il n'y a pas de mélodie en place. Chaque genre de musique utilise chaque élément en quantités variables.

Mélodie

Une mélodie est une succession de notes jouées les unes après les autres qui forment ensemble une phrase ou une idée. Les mélodies accrocheuses sont souvent la partie du morceau dont le public se souviendra .

Alors qu'il y a douze notes dans une octave, une mélodie n'utilise généralement pas les douze notes. Il utilise à la place les notes de la gamme dans laquelle il se trouve. Si la tonalité de la piste est la mineur, la mélodie utilisera les notes de la gamme la mineur. Des notes peuvent être ajoutées depuis l'extérieur de la gamme, mais elles peuvent introduire une dissonance.

Harmonie et progressions d'accords

L'harmonie complète la mélodie, apportant un soutien tout en ajoutant de la texture et de l'ambiance.

Une progression d'accords est une suite d'accords. Une progression se répète souvent tout au long de la piste et se compose généralement de quatre accords (mais pas toujours). Les progressions d'accords sont importantes car la basse joue généralement la première note de chaque accord. Par exemple, une progression d'accords en la mineur - ré mineur - do majeur - fa majeur aura généralement la ligne de basse jouant les notes A - D - C - F comme des notes simples.

Gardez à l'esprit qu'une progression d'accords dans une tonalité mineure comprendra généralement un mélange d'accords majeurs et mineurs. Les progressions d'accords mineurs utilisent souvent une combinaison d'accords mineurs et majeurs et vice versa.

Rythme

Le rythme est un modèle de sons accentués et non accentués sur une période de temps qui sont organisés en mesures. La plupart des musiques de danse électronique utilisent un mètre simple 4/4, c'est-à-dire 4 temps par mesure. La syncope est créée lorsque l'accent est mis sur les temps les plus faibles, également appelés contretemps, de la mesure (généralement les temps 2 et 4 de la mesure).

Briser le moule et utiliser d'autres signatures temporelles pour la musique de danse est inhabituel et peut ne pas être populaire auprès des DJ qui auront du mal à mélanger la piste dans leurs sets. L'ajout de motifs rythmiques intéressants ou de polyrythmies et de rythmes croisés au-dessus d'un coup de pied 4/4 créera un point de différence tout en ajoutant de l'intérêt et du groove.

Autres éléments et considérations

Clé

Une clé donne à une composition un sentiment de maison, de résolution et de repos. Une tonalité peut être majeure ou mineure, bien que la plupart des musiques de danse soient composées d'une tonalité mineure car elle est considérée comme plus sombre et plus émotive que la tonalité majeure.

Une clé donne le contexte à l'auditeur et agit comme une ancre. Si la piste est écrite en la mineur, l'accord de la mineur donne un sentiment d'appartenance. Si la théorie n'est pas votre fort, l'écriture en la mineur naturel est la clé préférée pour écrire car elle se compose uniquement de touches blanches.

Tempo

Le tempo est la vitesse d'un morceau de musique et est indiqué en battements par minute (BPM). Une piste écrite à 128 BPM signifie que 128 battements se produisent en une minute. Le BPM est souvent utilisé pour distinguer les genres les uns des autres - l'électro house est centrée autour de 128 BPM tandis que la trance se situe souvent entre 128 et 145 BPM. Lors du démarrage d'une nouvelle piste, le tempo joue un rôle important dans la détermination du genre auquel la piste appartiendra. Le respect de la plage de BPM du genre le rend plus convivial pour les DJ - des pistes de BPM similaires faciliteront le beatmatching.

Motifs

Un motif est un petit fragment qui est placé dans une piste à divers endroits et qui reste ensuite gravé dans la tête de l'auditeur. Cela n'a pas besoin d'être compliqué – quelques notes ou un fragment rythmique suffiront.

Structure

La plupart des musiques de danse suivent une structure simple suffisamment prévisible pour que le public puisse évaluer ce qui va suivre. Une structure bien pensée emmène le public dans un voyage composé d'anticipation, de tension et de libération émotionnelle et nous permet également de savoir où nous en sommes dans le morceau. La structure et l'arrangement seront discutés plus en détail dans la prochaine étape de la pyramide.

Il est important à ce stade que des idées soient écrites pour chaque section de la piste. Éviter d'écrire l'idée principale et essayer de la proposer plus tard rend les choses inutilement difficiles.

Démarrage du processus de composition

Les producteurs sont souvent submergés par l'écran vierge de la DAW et l'incertitude du "début". Garder à l'esprit les trois éléments de la musique (rythme, mélodie et harmonie) et s'assurer que chacun de ces éléments est présent lors de la génération d'idées aidera. Avoir une piste existante pour l'inspiration et une idée du genre à écrire aidera également.

La restriction améliore la créativité. De nombreux producteurs ont une multitude d'instruments, de plugins et d'échantillons disponibles pour expérimenter, ce qui peut être étonnamment préjudiciable à la créativité si le mauvais état d'esprit est supposé. Une approche de la composition consiste à tout restreindre à un seul instrument neutre tel qu'un piano, une guitare, une voix ou un synthétiseur avec un patch initialisé et peut-être un simple coup de pied 4/4 agissant comme un métronome. L'utilisation d'un patch neutre garantira que le producteur n'est pas "enfermé" dans un genre ou un style particulier.

Une façon courante de commencer une composition consiste à écrire une progression d'accords simple, puis à ajouter différentes lignes mélodiques par-dessus. Alternativement, une parole, une boucle ou un échantillon peut déclencher le flux créatif. Écrire une boucle de 4, 8 ou 16 mesures puis ajouter continuellement des éléments est une autre approche courante.

Évitez de vous concentrer sur la conception sonore ou de passer du temps à parcourir les banques de patchs. Commencer le processus en passant des heures à concevoir un patch "parfait" peut réduire la créativité. Si la conception sonore est en effet importante dans le processus de production, son inclusion au début du processus de création peut ralentir les choses et entraîner des heures de travail inutiles sans qu'une seule note ne soit écrite.

Un patch peut "enfermer" un producteur, l'obligeant à créer un certain genre ou style en fonction du patch sur lequel il a travaillé. La clé du processus de composition est d'écrire avec un esprit ouvert afin de créer un éventail d'idées musicales qui peuvent ensuite être modifiées, développées ou abandonnées ultérieurement. Trouvez des patchs « fictifs » qui ressemblent au son que vous recherchez, mais ne soyez pas obsédé par eux.

Conseils pour assurer une séance de composition réussie

• Remue-méninges de nombreuses idées en une seule séance (écrire de nombreuses idées, en développer certaines et en supprimer d'autres)
• PLAN : Commencez par des thèmes mentaux ou ayez une piste d'inspiration. Avoir une certaine direction avant de commencer aidera.
• Travaillez le plus rapidement possible – le perfectionnisme prend du temps
• Gardez le processus créatif aussi organique que possible (jouer d'un instrument, taper et applaudir ou utiliser la voix humaine pour créer des idées)
• Utilisez un patch neutre ou un piano pour générer des idées
• Commencez par votre "faiblesse". Si écrire des progressions d'accords vous est facile, commencez plutôt par le rythme.
• Apprenez la théorie musicale de base et les bases de la lecture d'un instrument
• Assurez-vous que la piste fonctionne musicalement avant de vous soucier de la conception et de la production sonores
• Le processus de composition doit être fluide - trouvez une idée, jouez avec puis choisissez de la supprimer, de la mettre de côté ou de la développer
• Faites attention aux trois éléments de la musique - rythme, mélodie et harmonie
• KISS (Keep It Super Simple) - gardez à l'esprit que la majorité de votre public aura très peu ou pas de formation musicale formelle. Les éléments doivent être simples et simples.

L'étape de composition est assez étroitement liée à l'étape d'arrangement et on peut les voir presque côte à côte sur la pyramide de production, par opposition à la section Composition d'abord et Arrangement.

Qu'est-ce que l'Arrangement et quelle est son importance ?

L'arrangement est plus qu'un simple assemblage d'un couplet, d'un pont et d'un refrain dans le bon ordre. Le but de l'arrangement est d'assembler des idées musicales d'une manière digeste, facile à suivre et fluide d'une section à l'autre, ce qui donne un fort sentiment de début, de développement et d'achèvement. Il comprend également l'ajout et la soustraction de différents instruments tout au long de la durée de la piste afin de créer ou de réduire la tension.

L'arrangement doit plaire à la fois au public et aux DJ, et peut faire ou défaire un morceau. L'introduction d'une piste au mauvais endroit ou d'une piste difficile à intégrer ou à exclure peut réduire considérablement son attrait et son impact.

Qu'est-ce que l'instrumentation et quelle est son importance ?

L'instrumentation consiste à choisir différents instruments pour représenter les différents éléments d'une piste. Si vous avez écrit une progression d'accords et une mélodie au piano par exemple, l'étape suivante consiste à choisir les meilleurs instruments et patchs pour le convertir d'un solo de piano en un morceau de musique électronique.

Le producteur doit faire des choix appropriés afin de créer une piste qui remplit la largeur et la profondeur disponibles, en utilisant des éléments qui se complètent et se soutiennent tout en faisant appel au public et en dépeignant les éléments sous le meilleur jour possible.

Pourquoi l'arrangement et l'instrumentation sont-ils importants pour la pyramide de production ?

Les idées musicales générées dans la section Composition précédente sont simplement des idées. Ce ne sont pas des produits finis, et ils doivent être mis dans une sorte d'ordre. Un arrangement approprié garantit que les idées musicales sont placées de telle manière qu'elles remplissent correctement leurs rôles.

De nombreux musiciens considèrent que la composition et l'arrangement vont de pair. Lors de l'arrangement d'un morceau, le producteur peut remarquer une section qui sonne nue ou qui manque d'énergie. Pouvoir composer rapidement un élément pour remplir cet espace puis poursuivre l'agencement est une compétence indispensable. Ici, l'arrangement devient un outil de composition qui met en évidence les «trous» dans la composition globale.

Quels sont les objectifs de l'étape d'arrangement et d'instrumentation ?

• Pour créer une sensation de flux/traction/élan et de tension/relâchement
• Une piste bien arrangée doit capter l'attention de l'auditeur, garder son attention et faire en sorte que ses émotions imitent ce qui se passe dans la piste (excitation, tension, anticipation, soulagement)
• Suivez la structure typique des pistes (par exemple, y compris une introduction d'une minute pour que les DJ puissent mixer)
• Superposer des instruments pour se compléter, se soutenir et s'harmoniser les uns avec les autres (pas de conflit ou de concurrence pour l'espace dans le mix)
• Veiller à ce que les instruments soient répartis sur tout le spectre sonore et équilibrés de manière uniforme
• Les choix sont faits en tenant compte du comportement du public (où vont-ils danser, chanter, se reposer, etc.)
• Pour choisir des correctifs "placeholder" qui seront ensuite développés à l'étape suivante

Éléments à prendre en compte lors de l'instrumentation

Les instruments doivent avoir un espace et un but particuliers dans le mix. Alors que la conception sonore et les ajustements approfondis doivent être réservés à la section suivante, le choix des patchs d'espace réservé est maintenant important pour organiser la piste. Lors de l'examen des instruments, les éléments suivants doivent être pris en compte :

Timbre

Prononcé « tam-bar » ou « tim-bar ». Le timbre, également appelé tonalité ou qualité sonore, est la qualité d'un son musical. Prenez une guitare distordue et une onde sinusoïdale par exemple ; quand les deux sont exactement à la même note et au même volume, nous sommes encore capables de les distinguer. On pourrait dire que la guitare est colorée, bruyante et contient beaucoup d'harmoniques hautes, tandis que la sinusoïde est douce. Cela est dû à leur timbre distinctif. L'utilisation d'une gamme d'instruments aux timbres variés crée de l'intérêt, du contraste et de la couleur.

Le rôle de l'outil

Cet instrument jouera-t-il un rôle principal ou restera-t-il en retrait ? Sera-t-il en avant ou en arrière dans le mix ?

Un pad brillant, par exemple, sera difficile à repousser dans le mix. Choisir un tampon plus terne serait un meilleur choix. Oui, vous pouvez filtrer les aigus ou ajouter de la réverbération ultérieurement pour repousser le pad, mais commencer avec un patch qui est "presque là" vous fera gagner du temps et vous permettra d'avoir une meilleure vision de la piste globale dès le début.

Quantité et équilibre de l'instrument

Il n'est pas réaliste, par exemple, d'avoir plus d'un piano ou deux guitares jouant dans un groupe live, alors visez toujours à garder la quantité et l'équilibre des instruments aussi réalistes que possible. Travailler dans un espace de travail numérique signifie que nous pouvons ajouter et dupliquer des instruments instantanément, ce qui peut rapidement surcharger une piste. Étudiez l'équilibre des instruments dans un orchestre et essayez de reproduire cet équilibre dans votre morceau.

Faisabilité et commodité

Avoir accès à des instruments de musique et aux installations d'enregistrement pour enregistrer ces instruments en direct est un rêve pour de nombreux producteurs, la plupart devant s'appuyer sur des synthés virtuels, des échantillonneurs et des instruments. N'oubliez pas qu'un batteur n'a que deux mains, donc des motifs de batterie trop complexes sonneront comme une boîte à rythmes ou un échantillon. Évitez d'aller trop loin avec la superposition et la duplication de ces synthés virtuels (sauf si vous essayez délibérément de rendre votre musique irréaliste et complexe).

La plage de fréquence de chaque instrument

Il est important d'avoir une idée de la place de chaque instrument dans le mix pour deux raisons :

1. Les instruments sonneront réalistes. Faire jouer un violoncelle deux octaves au-dessus semblera irréaliste et évidemment électronique. Garder chaque instrument dans sa tessiture rendra le mixage logique.
2. Le mélange sera plus clair. Avoir une idée de la gamme de fréquences de chaque instrument vous aidera à faire de meilleurs choix. Savoir que la fréquence XYZ est déjà occupée par l'instrument XYZ vous fera réfléchir à deux fois avant d'empiler trois autres instruments dans cet espace.

Moins c'est mieux

Gardez à l'esprit que plus vous ajoutez d'instruments, plus il y a de concurrence pour l'espace dans le mix. Choisissez un instrument puissant au lieu de doubler deux patchs plus faibles. Cela réduira également les risques de phasage et facilitera la vie dans les étapes suivantes.

Éléments à prendre en compte lors de l'arrangement

L'arrangement et la structure prennent du temps à maîtriser et sont souvent le résultat d'heures d'écoute d'autres morceaux du même genre. La structure doit couler d'une section à l'autre et emmener le public dans un voyage continu du début, du milieu et de la fin.

Inclure la variante

La musique doit évoluer au fur et à mesure qu'elle progresse. Une légère variation mélodique ou rythmique peut entraîner une piste ou donner à l'auditeur quelque chose à quoi s'accrocher. L'ajout d'un nouvel élément toutes les 8 ou 16 mesures peut garder le public enfermé dans la piste.

Contrôler la tension et l'énergie

La musique de danse se fonde sur la manipulation soigneuse de la tension et de l'énergie . Si votre build-up a plus d'énergie que votre drop, alors les auditeurs (en particulier ceux du dancefloor) seront déçus. De même, si votre build-up ne crée pas assez de tension, votre drop sera perçu comme manquant d'impact.

Quel est l'objectif ?

On dit souvent que l'auditeur ne peut se concentrer que sur trois éléments à la fois. L'arrangement et la structure de votre morceau doivent en tenir compte. Si la voix est l'objectif principal d'une certaine section, assurez-vous qu'il n'y a pas trop d'autres instruments inutiles qui la nuisent.

Assurez-vous également que chaque section de la piste est clairement définie. Dans l'intro, l'accent doit être mis sur le rythme, en retenant les principaux éléments mélodiques et harmoniques afin que le DJ puisse y mixer proprement. Dans la panne, le rythme sera moins évident et l'énergie sera abaissée.

« Personnellement, lorsque j'essaie d'arranger de la musique, je pense au sentiment que je veux que chaque section ait et à la manière dont elles se fondront les unes dans les autres pour construire, décomposer, relier ou introduire le refrain, etc. Beaucoup d'essais et d'erreurs.

Écoutez souvent certaines de mes chansons préférées, rock, pop ou disco classique pour essayer de comprendre comment elles coulent ou ce qui les fait si bien fonctionner.

J'essaie de travailler sur la composition, l'arrangement puis la production et je trouve que j'arrange généralement plusieurs idées brisées en une seule. – David Pugliesi,  LA Rocksteady

Qu'est-ce que la conception sonore et quelle est son importance pour la pyramide de la production ?

On pense souvent aux effets spéciaux dans les films à l'évocation du design sonore. Mais la conception sonore ne se limite pas à taper sur des câbles d'acier tendus (comme dans Star Wars) ou à enregistrer les sons de l'eau avec des microphones sous-marins (comme dans de nombreux autres films de science-fiction) - la conception sonore englobe également la création ou l'ajustement de patchs uniques. sur synthétiseurs ou VSTS.

Exceller dans la conception sonore peut aider à différencier un producteur, en donnant à ses instruments un avantage que les préréglages et les packs d'échantillons peuvent ne pas être en mesure de fournir. Souvent, l'utilisation d'un préréglage non modifié ne suffit généralement pas, en particulier pour les instruments de premier plan comme la basse. Pour faire briller le préréglage, un degré de peaufinage et l'ajout d'un égaliseur et d'un compresseur à tout le moins sont nécessaires.

De superbes patchs et échantillons garantiront que les idées soigneusement choisies et arrangées des sections précédentes transparaissent dans le mélange et le gel ensemble.

Certains producteurs commencent à créer des patchs à partir de zéro (ou le patch "init") tandis que d'autres utilisent un préréglage et les modifient à partir de là. Construire de nouveaux correctifs à partir de zéro demande de la pratique et nécessite au moins une connaissance de base du fonctionnement d'un synthétiseur (ou de la patience pour les essais et les erreurs). Sans cela, le producteur peut se retrouver à modifier des paramètres au hasard sur le synthé sans obtenir le résultat qu'il souhaite. C'est comme jouer des notes sur un instrument au hasard sans avoir suivi de cours de musique – il y a de fortes chances que vous ne trouviez pas ce que vous voulez au début.

La conception sonore est un domaine dans lequel les producteurs peuvent rapidement s'enliser, peaufinant continuellement un patch ou passant des jours dans des tunnels ferroviaires abandonnés à capturer des échos avec un enregistreur de terrain.

De nombreux producteurs préfèrent réaliser la majorité de leur conception sonore en dehors des projets de chansons. La raison en est que la conception sonore prend du temps et est un processus beaucoup plus agréable et créatif lorsqu'elle est effectuée en dehors des limites d'une piste déjà arrangée.

"La façon dont j'ai compris la conception sonore consistait à passer beaucoup de temps à imiter des synthés de producteurs comme Deadmau5, Wolfgang Gartner, Eekkoo, etc. faire preuve de créativité!" et je ne pourrais pas être plus en désaccord. L'imitation est une excellente façon d'apprendre, bien sûr, ne sortez pas quelque chose si vous avez déchiré une grande partie d'une piste, mais si vous pouvez éventuellement arriver au point où vous entendez une piste et pouvez déjà créer ce son dans votre tête juste à partir de écouter ce pouvoir ouvre une ÉNORME quantité de possibilités créatives. – Lachlan Scott McDiarmid, Faure

Qu'est-ce que la production et quelle est son importance dans la pyramide de production ?

L'étape de production est la dernière étape avant de se concentrer sur la crédibilité sonore de votre morceau. Il peut s'agir d'un certain nombre de choses, telles que :

• Remplir l'arrangement avec des effets sonores et des générateurs de tension
• Ajuster et nettoyer les transitions
• Utilisation créative d'effets audio tels que l'égaliseur, le retard, la réverbération, la compression et la distorsion
• Prendre des décisions clés et se préparer pour l'étape de mixage, c'est-à-dire supprimer les pistes inutiles, faire les ajustements finaux de l'arrangement

Conseils pour exceller dans la conception et la production sonore

• Pratiquez quotidiennement. Pratiquer pour une petite quantité sur une base quotidienne va vous aider à vous améliorer beaucoup plus rapidement que d'avoir une grosse séance quelques fois par mois.
• N'ayez pas peur de commencer avec un préréglage. Comme mentionné dans les étapes précédentes, commencez par un patch qui sonne proche du son que vous souhaitez. Ajustez-le et améliorez-le en fonction de votre piste.
• Ne vous enlisez pas. Travaillez rapidement. Rapprochez-vous le plus possible et passez à autre chose. Passer des heures à peaufiner votre basse peut provoquer de la frustration qui conduit ensuite à l'ennui et à la procrastination.
• Regardez des tutoriels et apprenez des autres. Il existe des millions de tutoriels Youtube qui vous guident pas à pas dans le processus de création d'un patch particulier. Une simple recherche comme "Trance Bass Sylenth" devrait apporter plus que suffisamment de résultats pour vous aider. Regardez également les vidéos "In The Studio" pour observer comment les autres producteurs travaillent.
• Répétez, répétez, répétez. Vous êtes-vous déjà demandé comment ces producteurs peuvent créer ce patch de basse en quelques minutes seulement ? Habituellement, c'est parce qu'ils ont répété le processus encore et encore jusqu'à ce que cela devienne une seconde nature. Pour tirer le meilleur parti d'un didacticiel vidéo, initialisez le patch une fois la vidéo terminée, puis essayez de répéter les étapes. Répétez le processus dix fois. Vous constaterez que le son que vous ne pouviez pas faire il y a une heure est maintenant un processus familier.
• Réservez du temps pour expérimenter. Il faut s'entraîner pour s'améliorer. Il en va de même pour la conception sonore. Réservez du temps pour vous concentrer uniquement sur l'expérimentation des synthés et des plugins. L'astuce ici est de le faire lorsque vous avez une demi-heure libre, pas pendant la production proprement dite d'un morceau (car vous pouvez descendre dans le terrier du lapin et ne pas remonter pendant des heures).
• Fixez-vous une limite de temps. Encore une fois, ne vous perdez pas dans la conception sonore. Fixez-vous une heure pour expérimenter et enregistrer les correctifs ou les chaînes de plug-ins que vous créez pendant cette période.
• Commencez par des sons clairs pour un mixage propre. N'embrouillez pas votre mix avec de nombreux sons qui ont beaucoup de réverbération, de distorsion, de retard et de multiples oscillateurs et voix. N'oubliez pas que les effets sont cumulatifs - une petite quantité d'effet sur un instrument ne semblera pas beaucoup mais est perceptible une fois que vous avez tout additionné. Prenez le temps de choisir des sons clairs et forts pour faire passer vos idées.
• Apprenez un synthétiseur à l'envers. Choisissez un synthétiseur et respectez-le – il vaut mieux connaître un instrument à fond que d'avoir une connaissance modérée de trois. Évitez de vous laisser emporter par l'achat des nouveaux synthés au fur et à mesure de leur sortie (il en va de même pour les plugins) - trop d'outils, d'échantillons ou de plugins peuvent souvent être plus un obstacle qu'un avantage. La limitation peut améliorer la créativité.

Attention à la surproduction

Il est possible d'aller trop loin dans la conception et la production sonore en ajoutant trop de plugins ou simplement en allouant trop de temps à un instrument qui n'en a pas besoin. Ne passez pas quatre heures sur un pad atmosphérique qui se trouve en arrière-plan tout en utilisant un patch non modifié pour une piste de conduite qui domine le premier plan. Dans un monde parfait, nous aurions un temps infini à allouer à chaque domaine, mais malheureusement nous ne sommes pas dans un, c'est pourquoi il vaut mieux travailler rapidement et passer à autre chose.

Assurez-vous de conserver le caractère de chaque instrument, en particulier les instruments "traditionnels" comme le piano ou le violon. À moins que vous ne recherchiez un son surtraité, ajustez les instruments d'orchestre uniquement pour les améliorer et limitez les plugins au minimum - il n'y a rien de pire qu'un patch de piano "acoustique" jouant dans une panne de transe qui sonne faux.

Méfiez-vous des coûts de changement d'instruments et de patchs à ce stade ultérieur, car apporter un changement - en particulier aux éléments qui maintiennent la piste ensemble comme le coup de pied ou la basse - pourrait jeter toute la piste. L'astuce consiste à choisir des patchs d'espace réservé dans l'étape de composition qui sont proches du son que vous recherchez. Essayez de faire des choix d'instruments judicieux à l'étape précédente afin de minimiser le travail à cette étape. Il s'agit d'un réglage fin, pas d'un traitement lourd.

Quel est le rôle de chaque plugin que vous avez ajouté à la chaîne ? Est-ce que ça améliore le son ? Pouvez-vous décrire son objectif exact ou est-ce juste là pour remplir l'espace ? Nous ajoutons souvent des plugins par habitude ou parce que nous avons vu un tutoriel et que le producteur XYZ ne jure que par tel ou tel plugin. Posez-vous ces questions lorsque vous recherchez un autre plugin. Si vous ne pouvez pas répondre aux questions, ne l'ajoutez pas ! Rappelez-vous, moins c'est mieux.

Qu'est-ce que le mélange et pourquoi est-ce important ?

Le mixage est le tremplin qui facilite la présentation de la musique avec l'intention artistique de la composition, de l'arrangement et de la production.

Lorsque nous parlons d'ingénierie de mixage, nous devons d'abord comprendre que ce que nous essayons de faire, c'est de concevoir une production musicale.

Maintenant, en comprenant cela, il y a deux éléments que nous abordons dans le mixage dont nous devons toujours être conscients et comment ils affectent la présentation de la musique :

1. Éléments créatifs
2. Éléments techniques

Les producteurs séparent souvent les deux, ce qui peut nuire à leur produit final. La clé à retenir, c'est qu'en ingénierie, nous sommes des résolveurs de problèmes. Les problèmes sont le plus souvent créatifs, la solution est le plus souvent technique et l'équation que nous mettons en œuvre pour atteindre nos objectifs créatifs est propre à chacun d'entre nous.

De bonnes productions offrent un espace à l'ingénieur de mixage pour interpréter, s'engager et développer la présentation de la création avec son expertise technique.

Maintenant, on pourrait se demander, comment le mélange s'intègre-t-il dans la pyramide de la production ? C'est simple. Sans les bases d'une bonne composition, d'un bon arrangement et d'une bonne production, le processus de mixage final ne peut que présenter à un auditeur les informations dont il est alimenté. S'il est nourri d'une mauvaise production, l'ingénieur passera d'innombrables heures à courir après, à essayer de remédier ou à faire des compromis afin que la présentation des informations créatives reste souhaitable.

Un mixage ne compensera pas les mauvais choix de voicing entre les pads, les pistes de percussion ternes et les mélodies. Ce sont tous des éléments qui doivent être traités avec une grande préoccupation plus tôt. Dans cet esprit, une composition, un arrangement et une production bien pensés peuvent ouvrir la voie à des possibilités infinies à réaliser grâce au processus de mixage.

Quels sont les éléments constitutifs fondamentaux d'un mix ?

Les blocs de construction fondamentaux d'un mixage peuvent être décrits à travers les emplacements physiques simples de la scène sonore, tels que de gauche à droite (largeur), premier plan et arrière-plan (profondeur) et haut et bas (hauteur). Ces trois éléments revêtent une grande importance lorsque vous essayez de faire en sorte que les éléments s'assoient dans leur propre espace au sein d'un mélange.

Largeur

Le dispositif de livraison le plus souvent pour la consommation de musique – en particulier avec la musique électronique – est un système de lecture stéréo. Nous utilisons les caractéristiques de ce système pour positionner un auditeur et embellir les motifs d'une production/arrangement. Appropriez le champ stéréo avec les intentions de votre production, arrangement et composition avec quelques notes générales ci-dessous.

Caractéristiques de l'image stéréo :

• Les basses fréquences transportent beaucoup d'énergie dans un mix. En les gardant centrés, l'équilibre/l'accent de votre mix sera pondéré uniformément.
  • Généralement, dans la musique électronique, l'accent est mis sur le poids, le bruit sourd et le ton de la grosse caisse et de la ligne de basse. Le fait que les haut-parleurs gauche et droit reproduisent les mêmes informations à l'unisson aidera à partager le poids nécessaire pour reproduire cette basse puissante et percutante.
• Les fréquences plus élevées voyagent avec une plus grande direction et moins de dispersion, ce qui permet à un auditeur de localiser facilement où se trouve la source sonore dans le champ stéréo.
  • Cela se rapporte directement à la création d'un sentiment d'ESPACE. Utilisez votre potentiomètre pour des éléments tels que les charlestons, les synthés de sauvegarde, les synthés lourds superposés, les percussions auxiliaires, les voix de sauvegarde et les toms. Ce faisant, vous pouvez créer et positionner votre auditeur dans un environnement engageant qui embellit les motifs de la production et de la composition.
• Le centre de la scène sonore dans un mix a l'espace le plus utilisable pour PROMINENCE et FORWARD CLARITY
  • Des éléments tels que les synthés principaux, les lignes mélodiques et les pistes vocales principales peuvent être mis en avant et présents avec peu d'effort lorsqu'ils sont placés au centre.
• Les transitoires percent avec plus de force et de proéminence lorsqu'ils sont centrés.
  • Dans la musique électronique, le "Feel" et le "Umph" d'un rythme entraînant sont un ingrédient clé d'une grande chanson. En utilisant la scène sonore centrale pour les kicks et les snares ou les éléments de synthé rythmique, vous pouvez embellir la sensation du rythme d'une production avec un grand effet.

Profondeur

La dimension de profondeur dans un mix est celle qui cadre directement ce qui est et n'est pas au centre de l'auditeur. Avec une plage dynamique de 96 dB dans une session 16 bits et de 116 dB dans une session 24 bits, la grande profondeur dynamique qui peut être obtenue uniquement avec des faders est un atout à ne pas négliger.

Une bonne profondeur dans un mix peut donner une sensation de dynamique, de distance et d'intimité impressionnable. En étant sympathique aux intentions de production, d'arrangement et de composition, vous pouvez commencer à développer un sens de la profondeur en gardant à l'esprit les points clés suivants.

• DYNAMIQUE : Un sens de la dynamique de bon goût est le point d'ancrage qui sépare les bons mixages des bons mixages. La capacité de discerner quels éléments sont nécessaires dans une production pour être à l'avant et dans le visage de l'auditeur contrairement aux éléments qui jouent un rôle secondaire soutenant la production en arrière-plan est une compétence qui est souvent négligée.
  • FADERS FIRST : triez vos niveaux avant d'appuyer sur l'interrupteur de l'un de vos égaliseurs ou compresseurs.
  • Écoutez attentivement la façon dont la production vous présente l'information à un auditeur.
  • Vous voulez quelque chose assis à l'avant? Montez le fader. Vous entendez trop parler d'autre chose ? Faites-le descendre.
  • Si des éléments semblent être flous et flous en raison de la variance dynamique (généralement les voix et les lignes de basse), utilisez un compresseur pour aider à contrôler leur plage dynamique et rester assis là où c'est nécessaire dans le mixage.
• DISTANCE + INTIMITÉ : Créer une impression d'espace, de distance et d'intimité est la prochaine étape vers la pierre pour construire et embellir davantage les intentions de la dynamique dans une production et un mix. En utilisant des traitements tels que la réverbération et le délai, vous pouvez générer un sentiment d'environnement dans lequel vous positionnez l'auditeur.
  • Lors de l'ajout de réflexions précoces ou du mixage dans un effet de réverbération humide important, cela peut aider à signaler à l'auditeur à quel point un son particulier est proche ou éloigné.
  • L'utilisation de réverbérations et de retards plus longs aide à garder les éléments d'arrière-plan distants par rapport aux synthés principaux que vous pouvez laisser secs et en volume pour aider à créer une concentration dans le mix.
  • L'utilisation excessive de la réverbération et des retards peut laisser un mélange confus, à utiliser avec parcimonie avec goût et intention.

Hauteur

La hauteur du mélange est tout au sujet de l'équilibre tonal et de l'harmonie de la piste globale. La façon dont la hauteur d'un mix encadre la production est importante. Pensez à la hauteur de bas en haut, la fréquence la plus basse à la plus élevée, respectivement.

S'il s'agit d'une production axée sur les basses et que le timbre global du mixage est très brillant et encadré, cela nuira aux principales caractéristiques de composition et de production et perdra le lecteur bas de gamme nécessaire pour présenter le mixage de la manière la plus appropriée.

L'outil le plus approprié pour pincer les fréquences des éléments vers l'intérieur et vers l'extérieur afin d'ajuster leur hauteur dans un mixage est un égaliseur. Un égaliseur est un outil qui nécessite un article complet pour expliquer tous ses atouts et applications tout au long de l'ingénierie audio. La seule chose clé à comprendre est que lors de l'utilisation d'un égaliseur, il y a toujours un effet "ying-yang" relatif. Lorsque vous atténuez les basses fréquences, vous augmentez respectivement les hautes fréquences et lorsque vous augmentez les basses fréquences, vous atténuez les aigus. En comprenant la cause et l'effet de chacun de vos mouvements avec un égaliseur et en adaptant la mentalité pour créer une piste avec une hauteur bien équilibrée, vous pouvez créer une présentation très complète et percutante de votre production.

Qu'est-ce que le mastering ?

« Le mastering est la dernière étape créative dans le processus de production audio, le pont entre le mixage et la réplication (ou distribution)… … Quelle que soit la forme sous laquelle le produit est vendu, notre travail d'ingénieurs de mastering demeure : nous aidons la musique à être présentée dans le meilleure façon possible » – Bob Katz, Mastering Audio – l'art et la science 3e éd. pg1.

Le mastering est un processus qui a considérablement évolué au cours des 50 dernières années à mesure que les supports de lecture sont tombés en faveur et en défaveur, notamment entre le passage des technologies analogiques aux technologies numériques de la musique enregistrée.

L'objectif principal lors du mastering est de transformer un mix / ensemble de mix entièrement arrangé en un produit musical présentable prêt à être distribué; qui, lorsqu'il est diffusé, téléchargé, diffusé sur un système hi-fi, un casque, un système de voiture ou sur tout système de lecture, présente à l'auditeur les intentions les plus précises de la musique de la première à la dernière seconde. En disant cela, lors du mastering, nous ne regardons pas nécessairement chaque élément individuel du mix, mais plutôt la chanson, l'EP ou l'album dans son ensemble comme une expérience complète du début à la fin pour l'auditeur.

Avant tout processus de mastering, réservation de session ou préréglage d'ozone, il est toujours important de préparer votre session. Définissez un brief et des objectifs pour ce que vous essayez d'accomplir tout au long du processus de mastering. Établissez, avec vous-même ou votre ingénieur de mastering, ce que votre mix essaie d'accomplir et comment vous voulez qu'il se connecte à votre auditeur, d'où il vient et où il est destiné à aller.

Cette préparation aide à développer une compréhension et une appréciation du travail qui a déjà été mis dans le mixage, et permet également une approche empathique des détails les plus fins tout au long du processus de mastering.

Comment le mastering s'intègre-t-il dans la pyramide de la production ?

Votre œuvre est la composition et l'arrangement, vos couleurs sont la production et l'application de vos couleurs se fait par mélange. C'est l'étape du mastering qui le mesure, l'encadre et le présente au public.

Le cadrage du mix est réalisé par un processus de; Le contrôle de la qualité garantit que le mixage ne contient aucun artefact ou élément audible qui nuira ou s'imposera négativement pendant la session de mastering. Traitement chirurgical, traitant des éléments du mixage qui peuvent avoir été ignorés / auxquels on n'a peut-être pas prêté attention pendant l'étape de mixage et éloigner l'auditeur du contenu du mixage. Traitement créatif, travaillant avec les qualités tonales et dynamiques du mix pour les présenter sous leur meilleur jour à l'auditeur. Dernier point mais non le moindre - le séquençage et le rendu, le processus de synchronisation de l'entrée dans la piste et le fondu de sortie/écart à la fin d'une piste à la suivante, ainsi que le rendu des fichiers pour le support sur lequel ils sont être libéré le.

Le contrôle qualité, le traitement chirurgical/créatif ainsi que le séquençage et le rendu sont autant d'aspects qui sont abordés lors du mastering. Cependant, il ne s'adapte pas aux lacunes du processus de mélange sans un certain niveau de compromis.

Pour en savoir plus sur le processus de mastering et son lien avec la pyramide de production, lisez cet article.

Conclusion

Voilà, un cadre en 5 étapes pour passer de l'idée conceptuelle au produit fini. Lire un article comme celui-ci ne signifie rien si vous n'appliquez pas les enseignements, alors, à tout le moins, essayez d'expérimenter ce flux de travail et voyez comment cela se passe.

Assurez-vous également de modifier la pyramide de production à votre guise. La production musicale est une forme d'art tellement subjective, et nous ne prétendons pas que vous devez absolument travailler de cette façon si vous voulez faire de la bonne musique, mais cela vous aidera très probablement.

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