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La production EDM : Les principales ressources FULL 2022
Un plan complet pour apprendre les bases de la production EDM, développer un état d'esprit créatif et développer des compétences en tant que producteur
Vous voulez avoir votre propre copie de ce guide pour le lire plus tard ?
Je vous enverrai une copie PDF gratuite de ce guide que vous pourrez stocker sur vos appareils. Faites-moi savoir où l'envoyer (cela prendra deux clics).
Vous n'avez pas besoin de connaître des personnes importantes.
Et vous n'avez certainement pas besoin de vivre à Los Angeles ou à Amsterdam.
Un ordinateur, un logiciel (DAW) et des écouteurs ou des haut-parleurs sont tout ce dont vous avez besoin pour faire de la musique électronique en 2018.
Avec ces trois choses, vous pouvez créer des idées musicales de base et les transformer en chansons finies que vous pouvez montrer à votre famille, à vos amis et au monde.
La vérité est que si vous êtes capable de lire cet article, vous êtes capable de faire de la musique électronique décente.
Comment puis-je le savoir ? Parce que j'ai montré à des milliers d'autres comment faire.
Qui suis je?
Je suis Sam Matla, éducateur en production de musique électronique, fondateur d'EDMProd et instructeur du cours renommé EDM Foundations (plus de 4000 étudiants).
Au cours des 6 dernières années, j'ai aidé des milliers de producteurs de musique électronique à apprendre à faire de la meilleure musique, à être plus créatifs et à bâtir une carrière dans l'industrie.
Et je suis là pour vous aider à faire de même.
À qui s'adresse ce guide de la production de musique électronique
Dans ce guide, je partagerai des stratégies, des tactiques et des outils issus de près d'une décennie de pratique, de recherche, d'enseignement et d'expérimentation.
Ce sont des approches éprouvées qui ont été testées au combat avec d'autres producteurs de musique électronique.
Vous trouverez les ressources, les étapes et les cadres qui vous aideront à apprendre et à maîtriser un métier qui vous donnera :
Un débouché créatif pour rester sain d'esprit (soyons honnêtes, nous en avons tous besoin)
Contrôle total du processus de création afin que vous n'ayez pas à faire de compromis
Un cheminement de carrière potentiel et une gamme d'opportunités passionnantes
En bref, si vous souhaitez apprendre la production de musique électronique mais que vous ne savez pas par où commencer, ce guide vous apprendra tout ce que vous devez savoir.
Remarque : il s'agit d'un article « évolutif », ce qui signifie que nous le mettrons à jour fréquemment. Si vous avez des commentaires, des questions ou des suggestions, veuillez me le faire savoir en envoyant un e-mail à sam@edmprod.com
Voici ce que nous aborderons dans le guide gratuit d'apprentissage de la production de musique électronique...
Partie 1 : Qu'est-ce que la production de musique électronique ? (Et pourquoi n'importe qui peut l'apprendre)
Dans le passé, il fallait de l'argent, des relations ou un talent fou pour faire de la musique électronique. De nos jours, vous n'avez besoin de rien de tout cela. Alors, qu'est-ce qui a changé ? Qu'implique réellement la création d'une chanson ? Ce n'est pas aussi compliqué que vous le pensez. Il n'y a que trois composants principaux dans le processus de production de musique électronique.
Partie 2 : Cinq approches pour apprendre la production de musique électronique (avec avantages et inconvénients)
Vous pouvez faire la même erreur que moi et passer vos premières années à perdre une tonne de temps et à apprendre lentement… ou vous pouvez être systématique et délibéré. Ce dernier est plus agréable, moins décourageant. Pas de prise de tête. Mais quelle approche spécifique devriez-vous adopter ?
Partie 3 : Ce dont vous avez besoin pour commencer (le studio peu coûteux et efficace)
Non, vous n'avez pas besoin de dépenser des milliers de dollars. Vous n'avez pas besoin de faire vingt voyages à la quincaillerie pour construire sur mesure une salle de studio. Et vous n'avez pas besoin de dépenser toutes vos économies dans des logiciels coûteux. Il n'y a que quelques éléments essentiels. Au-delà de ça? C'est à vous et à votre budget.
Partie 4 : L'état d'esprit de l'artiste (comment être un producteur productif et créatif)
Comment restez-vous motivé et continuez-vous à progresser chaque jour en tant que producteur ? Vous définissez des objectifs réalisables et créez des systèmes infaillibles pour vous aider à les atteindre. Bien sûr, tout cela échoue si votre état d'esprit est nul. Vous voulez développer l'état d'esprit d'un professionnel, même en tant que débutant.
Partie 5 : Outils, tactiques et stratégies (comment passer de débutant à pro, plus rapidement)
Comment vous assurez-vous que vous apprenez le plus rapidement possible et que vous ne perdez pas de précieuses minutes et heures ? C'est ce que nous verrons dans la partie 5. Dans cette section, je partagerai également quelques-uns de mes outils et applications préférés pour les producteurs de musique électronique.
Partie 6 : Prochaines étapes — maîtriser les fondamentaux et développer vos compétences à long terme
Vous avez un bon cadre à votre actif, mais quelle est la prochaine étape ? Il faut du temps pour devenir un bon producteur. Vous devez vous concentrer sur la finition de la musique. Mais vous n'avez pas à tout comprendre par vous-même.
Si vous préférez l'imprimer, le lire sur votre Kindle ou avoir votre propre copie au cas où Internet mourrait, cliquez sur le bouton ci-dessous pour télécharger ce guide au format PDF. Vous obtiendrez également deux ressources bonus GRATUITES pour les nouveaux producteurs, notamment :
Le manuel de production musicale : outils, techniques et méthodes de plus de 30 artistes professionnels
10 conseils pour exceller en tant que nouveau producteur. Se sentir submergé? Vous ne savez pas quoi apprendre ? Ce court PDF vous aidera (il a été lu par plus de 8 000 nouveaux producteurs)
COMMENT FAIRE DE LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE – PARTIE 1
Qu'est-ce que la production de musique électronique ?
Avant d'apprendre à produire, discutons exactement de ce que fait un producteur de musique électronique.
(Vous pouvez passer à la partie 2 si vous connaissez déjà les bases)
La production de musique électronique peut être divisée en trois compétences clés ou « actions ».
Création.
Arrangement.
Raffinement.
En bref, la production de musique électronique est la création, l'arrangement et le raffinement de sons et d'idées musicales.
Examinons chacun d'eux individuellement.
La phase de création
Disons que vous préparez le dîner ce soir.
La première chose à faire est de rassembler et de préparer les ingrédients.
Vous hachez peut-être des oignons, préparez un bouillon, faites mariner de la viande…
C'est la phase de création de la cuisson de votre repas.
Dans le monde de la production musicale, il s'agit de créer et de trouver vos idées fondamentales . Vos ingrédients : mélodies, sons de batterie, crochets/phrases vocales, progressions d'accords, etc.
La phase d'arrangement
Une fois que vous avez préparé vos ingrédients, vous les rassemblez. Vous commencez à cuisiner.
C'est la phase d'aménagement. Vous arrangez vos ingrédients. Les combiner. Les consolider en quelque chose de consommable.
C'est la même chose avec la production musicale.
Mélodies, rythmes, sons, voix… personne ne veut écouter un tas d'idées aléatoires éclaboussé sur une toile musicale.
Ils veulent écouter quelque chose qui a une structure . Quelque chose qui suit une séquence et qui a du sens.
Ainsi, au cours de cette phase, vous prendrez les idées que vous avez créées et découvertes lors de la phase de création et les organiserez en quelque chose de consommable.
Vous prenez vos idées et vos sons, puis vous les combinez pour créer une chanson .
La phase de raffinement
Vous avez presque fini de cuisiner votre repas.
Un test de goût rapide révèle le besoin de plus de saveur, vous ajoutez donc un peu d'assaisonnement.
Enfin, il est temps de présenter votre repas.
Si votre plat est beau dans l'assiette, les gens (y compris vous-même) l'apprécieront davantage.
Vous passez donc du temps sur la présentation. Vous utilisez une belle assiette blanche. Vous l'arrangez pour qu'il soit attrayant. Vous voulez que votre travail acharné se manifeste non seulement par son goût , mais aussi par son apparence .
C'est la phase de raffinement ou de « présentation ».
Une fois que vous avez arrangé vos idées musicales, vos sons et tout le reste dans une chanson, vous devez la rendre présentable.
Vous faites des raffinements. Vous ajustez les sons pour qu'ils s'emboîtent mieux. Vous faites des montages pour vous assurer que la chanson coule bien et que tout est au bon endroit. Vous ajustez les niveaux pour que rien ne soit trop fort ou trop silencieux.
Et votre chanson est terminée.
Vous pouvez faire tout cela vous-même
Dans le passé, un artiste passait du temps à trouver des idées.
Ensuite, un producteur s'impliquerait.
Et l'étape de raffinement ? Mélange? Maîtriser? Vous pourriez avoir plusieurs personnes travaillant sur le projet.
Cher? Tu paries.
Mais maintenant, vous pouvez faire tout cela sur un ordinateur portable et des écouteurs.
Découvrez les outils, techniques et méthodes que les producteurs professionnels utilisent et recommandent
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Le meilleur conseil pour les tout nouveaux producteurs : comment apprendre rapidement, se développer en tant qu'artiste et ne pas se sentir dépassé.
Comment démarrer fort : découvrez les tactiques et outils clés pour démarrer votre prochain morceau du bon pied et rester productif en studio.
L'essentiel de l'écriture de chansons et de la théorie musicale : comment écrire une musique captivante (bonus : le processus de production en 4 étapes de Bass Kleph)
COMMENT FAIRE DE LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE – PARTIE 2
5 approches pour apprendre la production de musique électronique
Je me souviens de mes débuts.
J'ai regardé quelques tutos. J'ai lu quelques articles. Ils ont aidé.
Mais je n'avais pas d'approche.
Aucun système.
Je ne savais pas quoi apprendre, quand l'apprendre ou quoi en faire.
C'était décourageant.
Après seulement quelques semaines à faire de la musique, j'ai arrêté. Il m'a fallu plus d'un an pour m'y remettre.
Je ne veux pas que vous viviez cela.
Dans cette section, je vais décrire 5 approches pour apprendre la production de musique électronique que vous pouvez suivre. Toutes ces approches ne sont pas idéales (ou même bonnes), alors assurez-vous de lire toute la section du début à la fin pour comprendre où je veux en venir.
Mais avant d'en arriver aux 5 approches, il y a quelque chose que vous devez savoir…
Les deux types de nouveaux producteurs
Il existe deux types de nouveaux producteurs de musique électronique.
Le premier genre ? Ce sont eux qui, s'ils n'abandonnent pas, font des progrès incroyablement lents, pensent qu'ils sont meilleurs qu'ils ne le sont en réalité et aiment rarement faire de la musique.
Nous les appellerons les apprenants « à la recherche d'une gratification instantanée sans se rendre compte que devenir bon à quelque chose prend du temps ».
Le deuxième type sont les producteurs qui « comprennent ».
Ils savent que l'apprentissage d'une nouvelle compétence est difficile… comme tout.
Ils savent que cela demande du travail et qu'ils ont juste besoin de faire de l'art merdique pendant un certain temps.
Ils savent qu'ils doivent échouer avant de faire quelque chose de valable.
Cela les motive.
Ils baissent la tête et s'enlisent.
Ils se concentrent sur la cohérence.
Les revers les poussent à apprendre plus vite et plus fort.
Je veux que vous soyez le deuxième type de producteur.
Je ne veux pas que vous pensiez qu'il est possible pour vous d'être la tête d'affiche de l'Ultra Music Festival dans 6 mois. C'est irréaliste et conduira à une immense frustration.
Je veux que vous vous concentriez sur le développement de vos compétences en tant qu'artiste. Je veux que tu perfectionnes ton art.
Je veux que vous ressentiez la satisfaction profonde et riche que l'on obtient seulement en passant des heures d'efforts concentrés sur quelque chose.
Profitez-en.
Aie du plaisir avec ça.
Et réalisez que cela demandera du travail.
Approche n° 1 : l'approche aveugle par « essais et erreurs »
Il y a un danger à trop se focaliser sur les apprentissages théoriques (savoirs livresques ou savoirs conceptuels) sans les mettre en pratique.
Par exemple, lorsque j'ai décidé d'apprendre le Jiu-Jitsu brésilien, j'ai passé des heures à lire à ce sujet.
J'ai passé des heures à forer beaucoup de mouvements différents.
Mais je n'ai roulé avec personne.
Quand j'ai finalement eu mon premier rouleau, tout ce que j'avais "appris" est parti par la fenêtre.
Pourquoi?
Parce que je ne l'ai pas appris dans le bon contexte.
De même, il existe des producteurs de musique qui ont une tonne de connaissances de tête.
Mais leur musique ? Ça ne sonne pas bien. Ils ont passé tout leur temps à lire et à « apprendre » sans rien essayer.
Vous avez besoin d' essais et d'erreurs dans votre approche de l'apprentissage de la production musicale. En fait, c'est inévitable si vous voulez devenir bon.
Mais il y a aussi un danger à adopter une approche aveugle de la production d'apprentissage.
Si vous adoptez cette approche, vous refusez de lire des livres, de regarder des tutoriels ou d'écouter des conseils. Vous venez d'ouvrir votre DAW et essayez de faire de la musique.
Vous ne consommez rien qui pourrait vous aider en tant qu'artiste. Vous décidez simplement de « faire de la musique », parce que c'est ce qui compte vraiment, n'est-ce pas ?
Eh bien, peut-être que vous pouvez devenir un artiste décent en faisant cela. Mais ça va te prendre un sacré bout de temps.
Non seulement ce sera un processus lent, mais ce sera aussi frustrant. Vous devrez tout comprendre par vous-même.
Je ne recommande pas cette approche. C'est axé sur l'ego. Parce que lorsque vous refusez de vous tenir sur les épaules de géants et d'apprendre des nombreux producteurs expérimentés qui vous ont précédé, vous dites essentiellement : "Je sais mieux que les experts qui sont dans le jeu depuis plus de 10 ans".
J'ai inclus cette approche comme exemple de ce qu'il ne faut pas faire.
Avantages
Cons
Acquérir des connaissances intuitives que vous pourriez ne pas obtenir d'une ressource éducative
Approche #2 : L'approche formelle
Cette approche implique d'aller dans une école physique (comme Point Blank ou Icon Collective), ou de suivre un cours en ligne de niveau académique dans un endroit comme Berklee.
Il n'est pas nécessaire d'adopter cette approche si vous voulez être un bon producteur de musique.
Cela aidera-t-il? Bien sûr.
Y a-t-il certains avantages à adopter cette approche qui ne peuvent pas être obtenus à partir d'autres approches ? Sûr. Il est plus facile de réseauter, d'établir des relations avec des instructeurs expérimentés, etc.
Mais ce n'est pas nécessaire. La grande majorité des artistes à succès n'ont pas adopté cette approche.
Si vous pensez que cette approche est pour vous, voici ce que je recommande.
Étape 1 : Décidez si vous voulez passer en mode physique ou en ligne
Je crois fermement que l'approche formelle fonctionne mieux en personne.
Vous rencontrez une tonne de gens, c'est amusant et il y a juste une atmosphère générale de créativité.
Mais ce n'est pas faisable pour tout le monde. Surtout si vous vivez dans un endroit où vous êtes loin de toute école décente.
Au contraire, si vous vivez dans un endroit comme LA, il est logique de s'inscrire physiquement dans un endroit comme Icon Collective plutôt que de s'inscrire à l'école en ligne. Vous êtes là. Profitez de l'occasion. La plupart des grandes villes ont des écoles décentes - assurez-vous simplement de suivre l'étape suivante…
Étape 2 : Recherche, recherche, recherche
L'inconvénient de cette approche est le coût.
L'éducation formelle coûte cher, vous voulez donc vous assurer que vous mettez votre argent au bon endroit.
Si vous envisagez de suivre un cours en ligne :
Passez un appel Skype avec l'un des instructeurs et posez-lui des questions sur le cours. Faites part de vos préoccupations. Posez des questions précises. Ils devraient bien faire cela si vous êtes un client potentiel.
Trouvez d'anciens étudiants et interrogez-les sur leur expérience.
Si vous envisagez d'aller dans une école physique :
Prenez rendez-vous pour visiter l'école. Demandez si vous pouvez y passer une journée à observer.
Parlez aux instructeurs. Poser des questions. Soulever des inquiétudes.
Parlez aux autres étudiants.
Encore une fois, ces institutions n'auront généralement aucun problème à ce que vous fassiez cela. Vous êtes un client potentiel. Ils devraient bien vous traiter.
Avantages
Cons
Il est facile de créer un réseau d'autres producteurs et de gens de l'industrie (en particulier dans une institution physique).
Plus susceptibles d'apprendre les meilleures pratiques (il y a un contrôle de qualité plus élevé sur l'éducation - pas toujours, mais souvent).
Bonne éducation guidée.
Approche #3 : L'approche mentor/coach
Cette approche consiste à trouver un mentor ou un coach pour vous guider dans votre développement en tant qu'artiste.
Mais ce n'est pas une approche autonome. En d'autres termes, vous ne pouvez pas simplement compter sur un coach ou un mentor (vous devez quand même vous mettre au travail).
L'un des principaux avantages de cette approche est que vous pouvez demander des conseils et des orientations sur des problèmes spécifiques pour lesquels vous ne pouvez pas trouver d'aide ailleurs.
Il y a eu de nombreuses fois quand j'apprenais à faire de la musique où j'avais un problème spécifique que je ne pouvais pas résoudre. Soit je l'ai ignoré, soit j'ai passé des heures à essayer de le résoudre.
Ce sont ces types de situations où pouvoir envoyer un message à quelqu'un ou l'appeler pour demander de l'aide est extrêmement précieux. Ils ne feront pas (du moins, ils ne devraient pas ) faire le travail pour vous, mais ils vous donneront quelques conseils. Et parfois, c'est tout ce dont vous avez besoin.
Je ne vais pas vous dire comment trouver un mentor ou un coach. Cela dépasse le cadre de cet article.
Les conseils de Robert Greene dans son livre Mastery sur le métier d'apprenti sont également utiles.
Avantages
Cons
Apprentissage personnalisé. Un coach peut vous aider à déterminer ce qui vous convient le mieux pour travailler et apprendre en fonction de vos objectifs, de vos forces et de vos faiblesses.
Commentaires personnalisés
Conseils contextuels – expérience passée du mentor/coach
Approche #4 : L'approche « pirater ensemble »
C'est l'approche la plus courante.
Essentiellement, cela implique simplement d'apprendre tout ce qui se présente à vous.
Regarder des tutoriels YouTube. Lire des articles de blog. Peut-être l'étrange livre.
Il n'y a rien de mal en soi avec cette approche - c'est bien mieux que l'approche par essais et erreurs à l'aveugle.
Mais ce n'est pas idéal.
Avantages
Cons
Pas cher, facile
Peut apprendre beaucoup de choses différentes
Agréable (pour la plupart)
Approche #5 : L'approche délibérée
C'est l'approche que je recommande.
Peu importe que vous ayez un coach ou un mentor. Peu importe que vous vous inscriviez à l'enseignement formel.
Cette approche fonctionne comme un parapluie pour tout cela.
Il comporte trois stratégies :
Concevoir un plan ou un "chemin" d'apprentissage
Utiliser des systèmes pour développer rapidement des compétences
Concentrez-vous sur la finition et pas seulement sur l'apprentissage théorique
Concevoir un plan/chemin d'apprentissage
Tout d'abord, ne pensez pas à trop long terme.
Il est utile d'avoir une vision à long terme pour vous-même en tant qu'artiste. Mais si vous êtes nouveau, cela ajoute de la pression et peut vous paralyser.
Au lieu de cela, concentrez-vous sur les 90 prochains jours de votre parcours de production musicale.
Énumérez toutes les compétences possibles (pas les techniques ou les outils) que vous pourriez apprendre.
Sound design, songwriting, écriture mélodique, traitement vocal, etc.
Ensuite, choisissez 1 à 3 de ces compétences en fonction de ce qui est important pour vous.
Par exemple, si vous voulez faire de la musique pop, apprendre la conception sonore n'est pas une priorité, mais l'écriture de chansons l'est.
Si vous êtes également chanteur et que vous souhaitez utiliser votre propre voix dans vos chansons, il est important d'apprendre le traitement vocal.
Une fois que vous avez choisi 1 à 3 compétences, passez à l'étape suivante.
Concevoir un plan/chemin d'apprentissage
Prenez l'une des compétences que vous souhaitez développer, puis créez un système pour cela.
La création d'un système encouragera l'action et la cohérence. Vous trouverez moins d'excuses pour éviter de travailler et vous vous concentrerez sur ce qui est important.
À quoi cela ressemble-t-il en pratique ?
Disons que votre objectif est de perfectionner vos compétences en écriture mélodique (au cours des 90 prochains jours).
Vous pourriez créer un système comme celui-ci :
Chaque jour pendant les 30 premiers jours : réécrivez une mélodie d'une chanson que j'aime
Chaque jour pendant les 30 prochains jours : réécrivez une mélodie d'une chanson que j'aime + écrivez une mélodie originale
Chaque jour pendant les 30 derniers jours : écrivez 3 mélodies par jour
Voir? Vous avez du pain sur la planche. Si vous suivez un plan comme celui-ci, vous vous améliorerez dans l'écriture de mélodies. C'est simple.
Concentrez-vous sur la finition, pas seulement sur l'apprentissage théorique
Ce n'est pas toujours possible ou idéal. Par exemple, si vous suiviez le système d'apprentissage de l'écriture mélodique ci-dessus, il est peu probable que vous écriviez une mélodie tous les jours dans le contexte d'une chanson originale (car il est difficile d'essayer d'écrire une chanson par jour).
Mais comme je l'ai dit, dans la mesure du possible, apprenez dans le contexte de la finition.
Qu'est-ce que je veux dire par là ?
Eh bien, vous voulez faire de la musique, n'est-ce pas ? Par conséquent, vous voulez acquérir des compétences de manière à ce qu'elles vous aident à faire de la meilleure musique. Apprendre des compétences de manière isolée est parfois utile, mais la plupart du temps, c'est improductif. L'apprentissage dans le contexte de la finition donne un but à tout le développement de vos compétences (vous travaillez vers quelque chose de tangible).
Pourquoi?
Parce que la finition est une habitude, et l'une des difficultés les plus courantes que j'entends de la part des producteurs débutants et expérimentés est qu'ils ont du mal à finir.
L'une des principales raisons pour lesquelles ces producteurs ont du mal à terminer la musique est qu'ils ont pris l'habitude de ne pas finir.
Pour lutter contre le développement de cette habitude, faites de la finition une priorité . Fini vite. Terminez souvent. La grande majorité de votre apprentissage se fera dans le processus de faire passer un projet de l'idée à l'achèvement. C'est un apprentissage qui ne peut se produire dans aucun autre contexte.
Avantages
Cons
Le moyen le plus efficace d'apprendre
Réduit les conjectures et l'inefficacité
Moins de stress et d'impatience
Vous voulez avoir votre propre copie de ce guide pour le lire plus tard ?
Je vous enverrai une copie PDF gratuite de ce guide que vous pourrez stocker sur vos appareils. Faites-moi savoir où l'envoyer (cela prendra deux clics).
Dans la section précédente de ce guide, nous avons examiné les deux types de producteurs.
Il y a le producteur qui cherche une gratification instantanée. Qui méprise le travail acharné. Qui n'éprouve pas la riche satisfaction qui découle de l'application de son métier.
Et il y a le producteur qui fait le contraire. Le producteur qui joue le long jeu. Qui fait des efforts. Qui n'est pas distrait par des objets brillants.
Cette comparaison apparaît dans plus de domaines que les approches de l'apprentissage et du développement en tant qu'artiste…
Qu'est ce que je veux dire?
Je connais beaucoup de producteurs qui sont empilés .
Parfois, ils ont des parents riches. D'autres fois, ils se sont bien débrouillés avec leur carrière.
Beaucoup d'entre eux pensent qu'ils peuvent "raccourcir" le processus pour devenir bon dans la production musicale parce qu'ils ont de l'argent.
… parce qu'ils peuvent acheter de meilleurs équipements et plugins.
… parce qu'ils peuvent se permettre de louer un vrai studio.
Mais tu sais quoi?
Ces gars qui pensent comme ça… leur musique ? Ce n'est tout simplement pas si bon.
Un gars que je connais n'a pas sorti de chanson depuis des années. Il ne fait tout simplement pas l'effort. Son studio regorge de gadgets et d'équipements (valant probablement plus de 30 000).
D'un autre côté, je connais des producteurs qui se contentent d'un ordinateur portable et d'écouteurs depuis le début.
Et devine quoi?
Ils l'écrasent .
Parce qu'ils savent que ce qui compte plus que l'équipement - ce qui compte plus que le tout nouveau matériel à 2 000 $ - est un effort concentré vers le développement d'eux-mêmes en tant qu'artiste.
Voici l'essentiel : acheter du matériel, des plugins, des logiciels et du matériel n'est pas mauvais . Ces outils sont utiles. Ils sont là pour être utilisés.
Mais si vous lisez ceci, il y a de fortes chances que vous soyez nouveau dans la production de musique électronique. Et beaucoup de ces éléments supplémentaires ne sont que des distractions.
Donc, dans cette partie, je vais passer en revue ce que j'appelle la "configuration minimale viable du studio" (c'est tout ce dont vous avez vraiment besoin pour commencer).
Le studio minimum viable
Voici ce sur quoi j'ai commencé…
C'est là que j'ai passé la majeure partie de mon adolescence. Antisocial.
Cet ordinateur ? C'était hyper vieux.
Et lent.
Mais je l'ai utilisé pendant des années. J'ai appris à faire de la musique dessus.
Et ces haut-parleurs au sol étaient une mise à niveau des méchants haut-parleurs d'ordinateur à 15 $ sur lesquels j'avais commencé.
La partie la plus chère de cette configuration était le DAW (Ableton Live). Le logiciel que j'utilisais pour faire de la musique.
Il y a de fortes chances que vous ayez un ordinateur plus puissant que celui illustré ci-dessus. N'importe quel ordinateur portable ou de bureau moderne est suffisant pour faire de la musique électronique. Ne tombez pas non plus dans le mensonge selon lequel vous avez besoin d'un MacBook Pro.
Donc, c'est la première nécessité : une machine. L'ordinateur. Ordinateur portable.
La deuxième nécessité est le logiciel.
Quel DAW dois-je choisir ?
Vous devez utiliser un DAW (Digital Audio Workstation) pour faire de la musique électronique.
Les DAW les plus populaires sont Ableton Live, FL Studio et Logic Pro (OSX uniquement).
Il y en a d'autres, mais ma recommandation aux nouveaux producteurs est de choisir l'un de ces trois. Voici pourquoi:
Ce sont les DAW les plus populaires. Ils sont plus faciles à apprendre que d'autres DAW plus obscurs en raison du large éventail de ressources éducatives en ligne qui les entourent.
Ils ne sont pas chers comme certains autres DAW.
Ils sont de qualité professionnelle. Si vous maîtrisez bien l'un d'entre eux, vous n'aurez jamais à « mettre à niveau » vers un autre DAW. Ça ne marche pas comme ça. Vous apprenez sur un logiciel de qualité professionnelle.
Lorsqu'il s'agit de choisir un DAW, il y a trois considérations :
Coût
Environnement
Flux de travail
Remarque : FL Studio et Ableton Live ont tous deux des essais gratuits qui vous permettent d'écouter le logiciel.
Coût
La première considération est le coût.
Voici les détails (en mai 2020).
Je sais. Pas cher.
Mais il s'agit d'un achat unique et vous n'avez pas besoin d'acheter le niveau le plus cher (Ableton Live a trois niveaux : 99 $, 449 $ et 749 $).
Remarque : si vous ne pouvez vraiment pas vous permettre de dépenser cette somme, vous pouvez opter pour une DAW moins chère comme Reaper. Sachez simplement qu'il y a moins de communauté et moins de matériel éducatif. En tant que tel, il y aura une courbe d'apprentissage plus abrupte.
Environnement
La deuxième considération est l'environnement.
Votre groupe de pairs, votre communauté, etc.
Pourquoi est-ce important?
Si la plupart des personnes que vous connaissez utilisent Ableton Live, il est logique que vous l'utilisiez également. Vous pourrez apprendre de ces personnes, collaborer avec elles et partager des idées.
Si vos trois amis proches utilisent tous FL Studio, il est logique que vous l'utilisiez également car ils peuvent vous apprendre.
Flux de travail
Encore une fois, ce n'est pas quelque chose qui m'inquiéterait en tant que tout nouveau producteur.
Pourquoi?
Parce que vous ne savez pas encore à quoi ressemble votre flux de travail.
En d'autres termes, vous ne savez pas précisément ce que vous recherchez en matière de conception et de flux de travail DAW, de la même manière que je n'ai aucune idée de ce que je recherche en matière de cannes à pêche (en supposant que je veuille prendre jusqu'à la pêche) - je ferais mieux d'en avoir un qui soit robuste et bon pour apprendre.
Alors, pensez au "flux de travail" dans cette circonstance comme "à quel point vous aimez le logiciel".
Téléchargez la version d'essai de FL ou Ableton et passez quelques jours avec. Ensuite, faites de même avec l'autre DAW.
Ensuite, choisissez celui avec lequel vous vous sentez le plus à l'aise.
Ma recommandation : Ableton Live
Il est controversé pour moi de faire une recommandation définitive, mais je vais le faire quand même.
Je recommande d'utiliser Ableton Live.
Premièrement, parce que si je ne le fais pas, beaucoup d'entre vous lisant ceci passeront des jours, voire des semaines, à se demander quel DAW utiliser.
C'est un temps précieux perdu qui pourrait être consacré à faire de la musique.
Deuxièmement, parce qu'il existe une tonne de ressources pédagogiques pour Ableton Live. Ce site Web, EDMProd, enseigne principalement des concepts et des techniques utilisant Ableton. Nos pannes de piste sont faites dans Ableton Live. Notre cours phare EDM Foundations est entièrement enseigné dans Ableton Live, comme tous nos autres cours.
Obtenez l'édition standard si vous pouvez vous le permettre. Il vous durera toute une vie. Sinon, commencez par la version d'introduction (99 $) - sachez simplement qu'elle a des limites, qui peuvent ne pas être un problème immédiatement, mais le seront au fur et à mesure que vous progresserez et que vous voudrez essayer de nouvelles choses.
Système d'écoute
Vous avez votre machine, DAW… et après ?
Un système d'écoute. Haut-parleurs ou écouteurs.
Parlons des haut-parleurs, ou "moniteurs" comme nous les appelons.
Vous rencontrerez de nombreux articles, vidéos et personnes qui vous diront d'acheter des moniteurs de studio.
Les moniteurs de studio sont des haut-parleurs de qualité professionnelle pour les musiciens et les ingénieurs du son.
C'est un mauvais conseil pour un nouveau producteur.
Si vous achetez des moniteurs de studio, vous devez idéalement les placer dans une pièce traitée acoustiquement (plus d'argent : 300 à 2 000 $). Vous aurez également envie d'acheter une interface audio (100 $ +).
Au lieu de cela, je recommande d'acheter une bonne paire d'écouteurs.
Vous n'avez pas besoin de dépenser beaucoup.
Si vous avez déjà des haut-parleurs ou des écouteurs à moitié décents, vous pouvez facilement passer les 6 premiers mois à apprendre à faire de la musique dessus avant de mettre à niveau (j'ai appris sur des haut-parleurs d'ordinateur à 15 $ - ils sonnaient horriblement).
Mais si vous souhaitez acheter une paire d'écouteurs qui vous aidera pendant les premières étapes mais qui restera également utile pendant des années par la suite, voici trois recommandations :
Sony MDR7506 (abordable, bonne qualité) – Prix : 79 $
Audio Technica ATH-M50 (J'ai acheté ma première et unique paire il y a 5 ans, et ils fonctionnent toujours parfaitement aujourd'hui. C'est la seule paire d'écouteurs de studio que j'ai jamais achetée. Je les utilise toujours quotidiennement.) - Prix : 149 $
Vous voulez avoir votre propre copie de ce guide pour le lire plus tard ?
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COMMENT FAIRE DE LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE – PARTIE 4
L'état d'esprit de l'artiste
Deux personnes.
Très similaire.
Tous deux d'âge moyen, tous deux travaillant dans des emplois similaires, tous deux mariés.
Ils s'appellent John et James.
Un jour, John rentre chez lui et décide qu'il mérite de regarder la télévision une heure de plus chaque soir après le travail.
James décide qu'au lieu de regarder une heure de télévision tous les soirs, il regardera 30 minutes, puis fera une promenade de 30 minutes autour du pâté de maisons.
C'est une semaine plus tard. John et James sont tout à fait pareils. Pas de différences majeures comment ils vivent leur vie.
Mais un mois plus tard, James se sent nettement mieux. Il va faire un jogging de 30 minutes au lieu d'une promenade, et il regarde la télévision tous les deux jours.
John, d'un autre côté, a commencé à manger un demi-sac de croustilles en regardant la télévision. Assez innocent.
Cela fait six mois maintenant.
James mange plus sainement, court 6 miles 3 fois par semaine et a reçu une promotion en raison de l'augmentation de sa productivité au travail. Il se sent mieux, son mariage va mieux et sa vie s'améliore.
Jean? Il a un régime alimentaire terrible. Il ne fait pas de sport du tout. Il ne passe pas de temps avec sa famille et des tensions en résultent, ce qui affecte sa capacité à être performant au travail. Son patron n'est pas content.
L'intérêt de cette illustration ?
Les habitudes s'aggravent avec le temps et les conséquences sont graves.
Le meilleur moment pour prendre de bonnes habitudes, c'est hier.
En tant que nouveau producteur, vous souhaitez adopter dès maintenant de bonnes habitudes créatives . Ils sont beaucoup plus difficiles à développer plus tard.
Dans cette partie du guide, nous aborderons deux sujets principaux :
Fixer des objectifs, des systèmes et des habitudes en tant que nouveau producteur
L'état d'esprit pro (comment écraser la résistance et faire de réels progrès)
Se fixer des objectifs en tant que nouveau producteur
En tant que nouveau producteur, c'est à vous de déterminer si vous devez ou non vous fixer des objectifs.
L'avantage de se fixer des objectifs ? Vous êtes plus susceptible d'être concentré, d'apprendre plus vite et d'éprouver le sentiment satisfaisant d'avoir accompli quelque chose que vous aviez prévu de faire.
Mais l'inconvénient est que les objectifs peuvent ajouter une pression inutile au processus d'apprentissage, ce qui vous empêche de vous amuser, puis d'abandonner complètement (cela arrive, croyez-moi).
Que vous deviez les définir ou non dépend vraiment de votre personnalité. Vous pouvez être le type de personne qui s'épanouit sous pression, ou vous pouvez être le type de personne qui a juste besoin d'établir une routine et d'oublier tout objectif plus élevé.
Mais pour la plupart d'entre vous qui lisez ceci, je vais supposer que se fixer des objectifs est utile.
Ne dépassez pas 90
Recommandation sérieuse.
Ne fixez pas d'objectifs au-delà de 90 jours.
Trois raisons :
Vous êtes nouveau dans la production. Vous n'avez aucune idée de la vitesse à laquelle vous allez apprendre. Vous n'avez aucune idée de ce qui va se passer dans les 90 prochains jours, sans parler de l'année prochaine. Il est plus facile de se fixer un objectif raisonnable pour le prochain trimestre.
90 jours, contrairement à une année, n'est pas une période de temps écrasante. C'est plus facile d'y penser. Mais c'est aussi assez de temps pour faire des progrès SOLIDES et réaliser quelque chose de valable.
Vous surestimez ce que vous pouvez faire en une journée et sous-estimez ce que vous pouvez faire en un an. 90 jours est un bon délai qui aide à combattre ce biais.
Maintenant, prenez un morceau de papier.
J'ai compris?
Notez toutes les choses que vous pourriez faire pour vous améliorer en tant qu'artiste au cours des 90 prochains jours (si vous lisez la partie 2, vous vous souviendrez que je vous ai expliqué cette approche).
Cela pourrait développer certaines compétences. Apprentissage du solfège. Écrire un tas de chansons. Passer par un cours comme EDM Foundations . N'importe quoi.
Écrivez tout.
Fait?
Cool.
Maintenant, choisissez un objectif pour les 90 prochains jours.
Une chose sur laquelle se concentrer.
Cela devrait être difficile. Donc, choisir un objectif comme "écrire une chanson" dans les 90 prochains jours est trop facile (d'autant plus que vous devriez écrire des chansons plus fréquemment que cela en tant que nouveau producteur. Plus d'informations à ce sujet dans la section suivante).
Cet objectif doit également s'aligner sur une vision approximative de l'endroit où vous souhaitez finir en tant qu'artiste. Si vous n'êtes pas sûr, ce n'est pas grave. Choisissez n'importe quoi.
Un exemple de comment cela fonctionne
Disons que je débute. Je pense que la meilleure chose que je puisse faire est d'écrire 9 chansons dans les 90 prochains jours. Donc, mon seul objectif est : Terminer 9 chansons en 90 jours.
Remarque : votre objectif sur 90 jours doit être contrôlable . Si j'avais fixé mon objectif : « Obtenir 9 000 écoutes sur une chanson » – ce ne serait pas un bon objectif car c'est hors de mon contrôle. Je ne peux pas garantir 9 000 parties. Mais finir 9 chansons ? C'est sous mon contrôle. Ne pas y parvenir dépend entièrement de moi.
J'ai ensuite divisé cela en sous-objectifs.
9 chansons en 90 jours équivaut à 3 chansons chaque mois (ou 4 semaines). Donc je le décomposerais comme ça...
Mois 1 : terminez les 3 premières chansons
Terminer la chanson 1
Brouillon de chanson 1
Finaliser la chanson 1
Terminer la chanson 2
Brouillon de chanson 2
Finaliser la chanson 2
Terminer la chanson 3
Brouillon de chanson 3
Finaliser la chanson 3
Mois 2 : terminez les 3 chansons suivantes
Terminer la chanson 4
Brouillon de chanson 4
Finaliser la chanson 4
Terminer la chanson 5
Brouillon de chanson 5
Finaliser la chanson 5
Terminer la chanson 6
Brouillon de chanson 6
Finaliser la chanson 6
Mois 3 : terminez les 3 dernières chansons
Terminer la chanson 7
Brouillon de chanson 7
Finaliser la chanson 7
Terminer la chanson 8
Brouillon de chanson 8
Finaliser la chanson 8
Terminer la chanson 9
Brouillon de chanson 9
Finaliser la chanson 9
Je l'imprimais, je le collais sur le mur de mon studio et je surlignais/barrais les jalons une fois que je les avais atteints.
Mais fixer un objectif de 90 jours comme celui-ci ne suffit pas. Vous avez besoin de systèmes quotidiens qui vous aideront à atteindre votre objectif.
Systèmes et habitudes
Pour les besoins de ce guide, je ferai une distinction entre les habitudes et les systèmes .
De bonnes habitudes créatives sont bonnes quel que soit votre objectif de 90 jours.
Exemples de ceux-ci :
Travail en profondeur (produire de la musique/apprendre sans distraction – Internet éteint, téléphone en mode silencieux, travail dans des périodes bloquées, etc.)
Cohérence : faire quelque chose en rapport avec la musique tous les jours
Ne pas travailler sur ce qui est brillant ou attrayant, mais sur ce qui est important
Planifier du temps à consacrer à la musique pour qu'elle se fasse réellement
Les systèmes peuvent être des habitudes comme celle-ci, mais ils sont généralement spécifiques à votre objectif de 90 jours.
Revenons à l'exemple précédent. Si mon objectif de 90 jours est de terminer 9 chansons en 90 jours, alors certains systèmes qui me seraient bénéfiques pourraient être :
Terminer une chanson par semaine (cela me donne 5 semaines de tampon, ce qui est bien car certaines chansons peuvent prendre plus d'une semaine à faire)
Produire 90 minutes chaque jour
Si je produis 90 minutes chaque jour de la semaine, j'obtiendrai 7,5 heures. En tant que nouveau producteur, c'est assez de temps pour faire une chanson.
Ou peut-être que mon objectif est d'apprendre la conception sonore, donc mon système devient : Recréer 5 préréglages de synthé par jour.
Un système est une habitude spécifique visant à vous aider à progresser vers votre objectif de 90 jours.
Cela vous met sur le pilote automatique afin que vous n'ayez même pas à vous demander si le travail que vous faites est important ou non. Vous l'avez planifié à l'avance et vous pouvez faire confiance au processus.
Revenons à mon exemple. Voici l'essentiel :
Mon objectif dans les 90 prochains jours est de terminer 9 chansons. Pour y parvenir, je passerai 90 minutes chaque jour de la semaine à produire de la musique. Cela me permettra de terminer une chanson par semaine (en gros), ce qui me laisse un tampon de 5 semaines au cas où certaines chansons prendraient plus de temps.
L'état d'esprit pro : comment écraser la Résistance et faire de réels progrès
Mon livre préféré sur la créativité est The War of Art de Steven Pressfield. Dans le livre, il parle de la "Résistance" - une force invisible que tous les créatifs rencontrent lorsqu'ils essaient de s'asseoir et de faire un travail créatif. Voici comment il le décrit…
«La résistance vous dira tout pour vous empêcher de faire votre travail. Il parjurera, fabriquera, falsifiera ; séduire, intimider, cajoler. La résistance est protéiforme. Il prendra n'importe quelle forme, si c'est ce qu'il faut pour vous tromper. Il vous raisonnera comme un avocat ou vous bloquera un neuf millimètres au visage comme un braqueur. La résistance n'a pas de conscience. Il promettra n'importe quoi pour obtenir un accord, puis vous doublera dès que vous aurez le dos tourné. Si vous prenez la Résistance au mot, vous méritez tout ce que vous obtenez. La résistance est toujours menteuse et toujours pleine de merde.
Maintenant, cette description peut vous sembler stupide. Si vous débutez dans le travail créatif, cela peut même sembler étrange.
Mais ne vous inquiétez pas, la Résistance viendra.
Cela peut prendre un an, voire trois.
Vous pourriez trouver assis pour faire de la musique facile en ce moment.
Mais ça viendra.
Et quand c'est le cas, il vaut mieux avoir un état d'esprit professionnel. Sinon tu vas t'effondrer.
Mais Sam, je suis un nouveau producteur. Pourquoi dois-je penser comme un professionnel ?
Parce qu'il est utile d'agir comme un professionnel, même si vous ne l'êtes pas encore.
Agir comme un professionnel vous aide à développer vos compétences plus rapidement.
Agir comme un professionnel vous aide à vous concentrer sur ce qui est important et vous protège des coups sans fin des distractions superficielles.
Comment agit un professionnel ?
Un professionnel travaille avec diligence sur son métier, même les jours difficiles.
Un professionnel travaille en silence sur son métier car il sait que la qualité de son travail fait toute la différence sur le long terme.
Un professionnel ne laisse pas son ego prendre le dessus.
Un professionnel sait qu'une attention soutenue et concentrée sur son métier se traduit par un sentiment de profonde satisfaction et d'accomplissement, et en fait la priorité dans son emploi du temps.
C'est l'état d'esprit pro. Adoptez-le, et il vous fera des merveilles.
Vous voulez avoir votre propre copie de ce guide pour le lire plus tard ?
Je vous enverrai une copie PDF gratuite de ce guide que vous pourrez stocker sur vos appareils. Faites-moi savoir où l'envoyer (cela prendra deux clics).
Si vous voulez des stratégies solides et des outils utiles et rapides (applications, services, etc.), vous allez adorer cette section.
Je l'ai inclus dans ce guide principalement à titre de référence, car les trois stratégies que je partage sont des stratégies qui vous seront utiles à n'importe quelle étape de votre parcours en tant que producteur. Idem pour les outils.
Commençons par les stratégies.
Trois stratégies pour les nouveaux producteurs
Travail en profondeur. La quantité plutôt que la qualité. Pratique délibérée.
J'en ai déjà présenté quelques-uns, mais je vais les expliquer plus en détail ici.
1. Travail en profondeur - qu'est-ce que c'est et pourquoi est-ce nécessaire ?
Deep Work est un terme inventé par le professeur d'informatique et auteur Cal Newport.
Il est défini comme…
« la capacité de se concentrer sans distraction sur une tâche exigeante sur le plan cognitif. C'est une compétence qui vous permet de maîtriser rapidement des informations complexes et de produire de meilleurs résultats en moins de temps.
La production de musique électronique est cognitivement exigeante. Cela demande toute l'attention.
Malheureusement, très peu de producteurs accordent à leur métier toute l'attention qu'il mérite.
Ils ont leur DAW ouvert avec leur smartphone à côté d'eux, bourdonnant d'une nouvelle notification toutes les quelques minutes.
Le pire exemple que j'ai vu : quelqu'un avait Ableton ouvert sur un écran avec Facebook ouvert sur l'autre.
Vous ne pouvez pas vous attendre à faire un vrai travail si vous travaillez de cette façon.
Un environnement rempli de distractions va tuer le processus créatif.
Newport expose diverses stratégies et approches du Deep Work dans son livre, que je recommande vivement de lire . Mais pour l'instant, voici comment vous pouvez l'implémenter…
Bloquez du temps de Deep Work dans votre calendrier
Si c'est dans votre calendrier, il est plus probable que cela se produise.
Newport affirme que la plupart des gens ne peuvent pas faire plus de 4 heures de travail en profondeur en une journée. En fait, la plupart des gens doivent s'entraîner pour arriver à un point où ils peuvent réellement faire 4 heures de travail en profondeur (un travail intense et exigeant est plus difficile que vous ne le pensez).
Mais il est difficile de faire un travail en profondeur si vous n'avez que 15 minutes. Il y a une résistance qui doit être surmontée avant de pouvoir vraiment entrer dans le courant des choses et faire des progrès solides.
Pour moi, le sweet spot est de 60 à 90 minutes. Je recommande de commencer par là.
Éliminez autant de distractions que possible
Éteignez votre connexion Internet sauf si vous en avez besoin à des fins d'apprentissage/de production.
Mettez votre téléphone dans une autre pièce en mode avion.
Dites à vos colocataires/femme/chat de ne pas vous déranger pendant toute la durée de votre séance.
Préparez un café.
Faites tout ce qu'il faut pour éviter les distractions lorsque vous tentez un travail en profondeur. La moindre distraction peut interrompre votre séance et vous faire sortir de votre état de concentration (et il faut beaucoup de temps pour revenir dans cet état).
Faire un travail stimulant
Le travail en profondeur, par définition, consiste à travailler sur une tâche exigeante sur le plan cognitif. Tous les travaux de production ne sont pas exigeants sur le plan cognitif (par exemple, organiser un fichier de projet ou une bibliothèque d'échantillons).
Mais la plupart l'est.
Lorsque vous travaillez en profondeur sur la production musicale, assurez-vous de ne pas éviter le difficile. Faites d'abord les choses difficiles. Appliquez-vous. Lutte. Se battre. Fais le.
2. La quantité plutôt que la qualité
Vous avez entendu l'adage "la qualité plutôt que la quantité".
Devinez quoi?
C'est un mauvais conseil pour les nouveaux producteurs.
Concentrez-vous trop sur la création d'une musique de haute qualité en tant que nouveau producteur et vous exercerez une pression inutile sur votre production créative.
Mais ce n'est pas le pire. Vous apprendrez également plus lentement.
Par exemple, disons que vous et moi sommes nouveaux dans la production.
Vous décidez que vous allez passer 6 mois à faire votre première chanson.
Vous allez le rendre aussi grand que vous le pouvez. Après tout, la qualité vaut mieux que la quantité, n'est-ce pas ?
Moi, d'un autre côté, je sais que mes premières chansons ne seront pas si bonnes, peu importe les efforts que j'y mets.
J'ai donc décidé de faire une chanson par semaine.
A la fin des 6 mois, vous avez fait une chanson.
Vous avez composé des idées pour une chanson une fois. Vous avez arrangé une chanson une fois. Et vous avez mixé une chanson… une fois.
J'ai composé 26 idées. Arrangé 26 chansons. Et j'ai fait 26 mixages.
Qui va être meilleur ? Qui aura plus d'expérience ?
Je suis. J'ai résolu plus de problèmes que toi. J'ai rencontré plus de défis. J'ai pris l'habitude de finir. J'ai dû apprendre et utiliser plus de compétences.
Je prêche cela depuis des années parce que cela fonctionne. J'ai vu le fruit de cette approche.
Alors, concentrez-vous sur la quantité malgré ce que tout le monde dit .
Faire une chanson par semaine.
Vissez-le. Faites une chanson par jour si vous le pouvez.
Vous serez surpris de ce qui se passe.
3. Pratique intentionnelle
À divers moments de votre parcours en tant qu'artiste, vous serez confronté au fait peu réjouissant que vous avez des faiblesses.
Parfois, cela vaut simplement la peine de reconnaître la faiblesse, puis de passer à autre chose. Vous ne pouvez pas être un touche-à-tout, et il vaut mieux laisser de côté certaines faiblesses pendant que vous doublez vos forces (je connais beaucoup de producteurs à succès qui ne sont pas bons en conception sonore, mais ils n'ont pas besoin de l'être de toute façon ).
D'autres fois, il vous sera bénéfique de vous concentrer sur une faiblesse. Surtout si cela vous empêche d'atteindre vos objectifs.
Par exemple, si votre objectif est d'être un producteur de pop et que vous ne pouvez pas écrire de mélodies accrocheuses, c'est quelque chose que vous devez corriger.
Comment corrigez-vous les faiblesses ?
Une approche pour consolider une faiblesse consiste simplement à continuer à faire de la musique.
Écrivez chanson après chanson… mélodie après mélodie. Tu iras mieux petit à petit.
Il s'agit d'une pratique intentionnelle et dirigée vers l'amélioration d'une certaine compétence.
Dans le cas de l'écriture de mélodies, vous concevriez des exercices qui vous aideraient à améliorer votre capacité à écrire des mélodies accrocheuses.
Nous avons vu cela dans la partie 3.
Vous pourriez décider de recréer trois mélodies de chansons pop chaque jour pendant un mois. Et puis introduisez ou passez à un exercice plus compliqué.
Si vous voulez apprendre la conception sonore, vous pouvez recréer 3 sons de synthé par jour pendant un mois.
Faire cela est beaucoup plus efficace que de simplement écrire chanson après chanson. Le calcul est simple…
Approche 1 : Écrire une chanson par semaine = écrire une mélodie par semaine
Après 3 mois : 12 mélodies écrites
Approche 2 : Écrire trois mélodies par jour = 21 mélodies par semaine
Après 3 mois : 252 mélodies écrites
Peu de producteurs pratiquent une pratique aussi ciblée, car en toute honnêteté, ce n'est pas si amusant. Cela devient banal.
Mais ça marche.
Outils pour les nouveaux producteurs
Dans cette section, vous trouverez un tas d'applications, de services et d'autres éléments pour vous aider dans la production de musique électronique.
Encore une fois, comme ce guide est une « ressource vivante », cette section sera mise à jour régulièrement.
Si vous avez des recommandations, écrivez-moi à sam@edmprod.com.
Sons d'épissage et d'épissage
Splice vous permet de collaborer avec d'autres producteurs et musiciens. Il télécharge vos fichiers de projet sur le cloud, qui peuvent ensuite être modifiés par d'autres personnes avec lesquelles vous les partagez.
Mais même si vous ne prévoyez pas de l'utiliser pour la collaboration, c'est un bon moyen d'organiser vos fichiers de projet et de vous assurer qu'ils ne se perdent pas.
Une autre offre principale de Splice est Splice Sounds , un service d'abonnement qui vous permet de télécharger des échantillons et des préréglages que vous pouvez utiliser dans vos productions. Je le recommande fortement. (À partir de 7,99 $/mois)
Si vous souhaitez augmenter la productivité et le temps passé à effectuer un travail approfondi, cette application est faite pour vous.
Vous définissez une heure, disons 60 minutes, puis si vous n'utilisez pas votre téléphone pendant cette période, un arbre virtuel est créé.
Au cours de la journée, vous pouvez construire une belle forêt. Vous obtenez également des pièces chaque fois que vous construisez un arbre, ce qui vous permet d'acheter différents types d'arbres.
Il s'agit d'une application par défaut fournie avec votre smartphone, et elle est gravement sous-utilisée.
Lorsqu'une idée de chanson vous vient à l'esprit pendant que vous êtes en déplacement, enregistrez-la à l'aide de l'application. Peut-être que c'est une mélodie, peut-être que c'est un concept. Quoi qu'il en soit, mettez-le dans votre application et vous pourrez y revenir plus tard. Ne vous fiez pas seulement à votre mémoire.
Traces
Streaks est idéal pour suivre les habitudes et les systèmes quotidiens.
Peut-être que vous voulez écrire de meilleures mélodies, et votre système est d'écrire 3 mélodies par jour.
Vous pouvez utiliser Streaks pour suivre cela. Configurez une notification pour qu'elle vous rappelle de travailler tous les jours.
Oui, c'est notre groupe Facebook. (Je sais. Auto-promo).
C'est un endroit où vous pouvez poser des questions, entrer en contact avec d'autres producteurs nouveaux et expérimentés et apprendre un tas de nouvelles choses.
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COMMENT FAIRE DE LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE – PARTIE 6
Prochaines étapes : où aller à partir de maintenant ?
Vous avez appris quelques stratégies, mentalités et approches clés pour devenir un producteur de musique électronique.
Dans la partie 1, nous avons examiné ce qu'est la production de musique électronique et pourquoi c'est une activité créative formidable.
Dans la partie 2, j'ai partagé les 5 approches d'apprentissage de la production de musique électronique que les gens adoptent, avec des avantages et des inconvénients. N'oubliez pas que la meilleure approche est l'approche intentionnelle et systématique.
Dans la partie 3, nous avons examiné ce dont vous avez besoin pour démarrer - le studio minimum viable - et comment choisir un DAW.
Dans la partie 4, je vous ai expliqué l'état d'esprit de l'artiste. J'ai partagé des astuces et des conseils sur la façon de penser l'approche de l'apprentissage et d'être plus productif et créatif en tant que producteur.
Dans la partie 5, j'ai partagé trois stratégies solides comme le roc pour vous aider à apprendre plus rapidement et à faire de la meilleure musique, ainsi qu'un ensemble d'outils épiques.
Il y a eu une tonne de valeur et d'informations partagées dans ce guide.
Mais et maintenant ?
Vous êtes peut-être à la fin de ce guide et vous avez l'impression d'avoir appris quelque chose, mais vous ne savez toujours pas vraiment où aller ensuite.
Vous ne savez toujours pas comment commencer et terminer une chanson.
Vous n'avez aucune idée de comment tout cela fonctionne et vous voulez juste que quelqu'un vous guide à travers les choses.
Vous voulez un cadre guidé, étape par étape, pour apprendre la production de musique électronique ?
Après avoir entendu plainte après plainte de nouveaux producteurs sur le fait qu'il n'y avait pas de ressources solides et utiles pour apprendre la production de musique électronique, j'ai décidé de créer EDM Foundations .
Plus de 3000 producteurs de musique électronique ont suivi le cours avec d'excellents résultats.
Alors de quoi s'agit-il ?
EDM Foundations vous aide à maîtriser les fondamentaux de la production de musique électronique en créant 4 chansons dans des styles différents.
C'est très pratique et exploitable, donc pendant que vous comprendrez comment certaines choses sont faites et pourquoi elles sont faites, vous passerez la plupart de votre temps dans votre DAW (nous utilisons Ableton Live pour ce cours), en suivant avec ce que je fais d'abord et ensuite pratiquer par vous-même.
À la fin du cours, vous aurez développé trois compétences de base en production :
Génération d'idées : écriture de mélodies, progressions d'accords, programmation de séquences de batterie…
Arrangement et instrumentation : construire une chanson complète, créer des montées en puissance, de la tension et de l'énergie, comment maintenir l'intérêt de l'auditeur…
Mixage : comment donner de la clarté, de l'équilibre et du punch à votre musique. Vous développerez ces compétences par la copie, la répétition et l'expérimentation.
Intéressé? Cliquez ci-dessous pour en savoir plus.
Vous voulez entendre ce que nos étudiants ont à dire? Vous pouvez consulter un tas d'autres critiques ici .
Si vous avez des questions sur le cours, n'hésitez pas à m'envoyer un e-mail à sam@edmprod.com
Trois choses:
Ce cours n'est pas pour les paresseux. Cela vous demandera de faire quelques travaux. Mais vous n'aurez pas à perdre de temps à comprendre un tas de choses par vous-même. Vous apprendrez en suivant ce que je fais (et vous créerez de la musique épique dans le processus).
Parce que ce cours est destiné aux débutants, nous l'avons rendu extrêmement abordable. Pas besoin de déposer 500 $ + pour cela.
De plus, si cela ne vous aide pas, il existe une garantie de remboursement de 30 jours. Ainsi, vous pouvez apprendre sans aucun risque.
Vous voulez avoir votre propre copie de ce guide pour le lire plus tard ?
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Quand je me suis lancé dans la production de musique électronique, je ne savais pas quoi faire.
Je ne savais pas ce que j'étais censé apprendre ou sur quoi je devais concentrer mon temps.
Ce que j'aurais aimé avoir pendant cette période, c'était un plan de base - une feuille de route de ce qu'il faut pour passer d' un débutant complet à un artiste compétent.
Cet article est cette feuille de route. Si vous suivez les grandes lignes et les recommandations de cet article, je crois vraiment que vous pouvez gagner des mois, voire des années, sur le temps nécessaire pour passer de débutant à expert.
Au cours de votre parcours dans votre vie de producteur, vous passerez par 5 étapes :
Certains d'entre vous sont peut-être à l'étape 1 : vous débutez dans la production et vous n'avez aucune idée de ce que vous devriez faire. Vous pourriez être au stade 3 aux prises avec des problèmes créatifs .
Quelle que soit l'étape à laquelle vous vous trouvez, il y a des éléments clés sur lesquels vous devriez vous concentrer et auxquels vous devriez réfléchir.
Si vous êtes débutant, j'ai mis en place une formation vidéo gratuite sur la façon de l'écraser en tant que nouveau producteur . Cela vous aidera à éviter les erreurs courantes que commettent les nouveaux producteurs et vous donnera une feuille de route pour commencer. 👇
Nouveau dans la production musicale ?
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Pour la plupart des gens, cette première étape en est une d'excitation. Vous avez (espérons-le) appris qu'il ne faut pas un demi-million de dollars d'équipement pour faire de la musique électronique , et vous avez hâte de commencer et de créer une piste.
Au milieu de cette excitation, il y a un besoin désespéré de réponses à ce qui devrait être des questions fondamentales. Quel logiciel dois-je utiliser ? Dois-je acheter un équipement spécial ? Que dois-je apprendre en premier ?
De mon point de vue, pendant les premiers mois, il y a trois choses sur lesquelles vous devriez vous concentrer…
Pour produire de la musique électronique sur un ordinateur, vous aurez besoin d'une station de travail audio numérique ou DAW. Une DAW est une application logicielle utilisée pour produire, éditer et enregistrer de la musique.
Si vous en êtes à ce stade, vous connaissez probablement déjà les noms de certains logiciels, en particulier les plus populaires comme Ableton Live , FL Studio , Cubase , Pro Tools et Logic Pro .
Nous recommandons généralement Logic Pro, Ableton Live ou FL Studio, car ils disposent des meilleures ressources disponibles pour l'apprentissage.
La question est, laquelle choisir ?
Il y a quelques choses que vous devez réaliser si vous êtes dans cette position :
Il n'y a pas de meilleure DAW "objectivement". Cela se résume à la préférence. Tous les DAW grand public ont la capacité de produire de la bonne musique.
Vous pouvez toujours changer de DAW plus tard si vous en ressentez le besoin.
Bien que je ne recommande pas d'insister sur la décision, c'est une bonne idée de prendre en compte certains éléments lors du choix d'un DAW, à savoir :
Qu'est-ce que vos amis utilisent? Si vous avez des amis qui font de la musique, c'est une bonne idée de choisir le même DAW qu'eux afin que vous puissiez apprendre d'eux le mieux possible.
Quel est votre budget ? Tous les DAW grand public coûtent de l'argent. Vous allez devoir investir dans un. Cependant, leur prix n'est pas le même. Si vous avez un budget serré (moins de 200 $), vous pouvez envisager Reaper ou les versions moins chères de FL Studio, Ableton Live et Presonus Studio One. Si vous pouvez vous permettre de dépenser quelques centaines de dollars, FL Studio Signature Bundle, Logic Pro X et Ableton Live Standard sont tous de bons choix.
Réductions éducatives : La plupart des DAW offrent des réductions éducatives aux étudiants. Cela inclut Ableton Live, FL Studio, Bitwig, Reaper, etc.
Notre recommandation : Nous vous recommandons de choisir Ableton Live Standard ou FL Studio Signature. Les deux sont des programmes extrêmement puissants et capables et peuvent être récupérés relativement rapidement. Comme ce sont les DAW les plus populaires, la plupart des cours, tutoriels et livres enseignant la production musicale utilisent ces programmes. Si l'argent est serré, vous pouvez commencer avec les versions limitées de ces progiciels et effectuer une mise à niveau à l'avenir. Les deux incluent également des essais gratuits de 30 jours pour tester le logiciel.
Pour plus d'explications sur les raisons pour lesquelles nous recommandons Ableton, consultez cet article sur le meilleur DAW pour les débutants .
Le meilleur conseil que je puisse vous donner est d'en choisir un et de commencer à travailler avec. Cela ne devrait pas vous prendre plus d'une journée pour choisir un DAW.
Il suffit d'en télécharger un et de commencer (vous vous remercierez plus tard).
Ai-je besoin d'un autre équipement ?
La question que beaucoup de gens se posent pendant la phase d'initiation est de savoir s'ils doivent acheter autre chose qu'un DAW.
Il y a deux réponses à cela : la vraie réponse et la réponse commune.
La vraie réponse est que tout ce dont vous avez vraiment besoin est un DAW et une paire d'écouteurs. D'autres pièces d'équipement peuvent aider mais ne sont en aucun cas nécessaires. J'aime appeler cela le " Studio minimum viable " (c'est tout ce dont vous avez vraiment besoin pour commencer).
La réponse commune est que vous avez besoin d'au moins une bonne paire d'écouteurs et peut-être d'un clavier MIDI. Une bonne paire d'écouteurs devrait invariablement être le prochain élément sur votre liste si vous trouvez que faire de la musique électronique est quelque chose que vous voulez continuer à faire.
Après avoir téléchargé une DAW (ou une version d'essai de celle-ci), vous pourriez être tenté de vous lancer tout de suite et de commencer à créer une chanson.
Faire cela entraînera de la confusion, de la frustration, et si vous ne faites pas attention, vous pourriez décider que faire de la musique électronique est tout simplement trop difficile, alors vous abandonnerez.
Votre priorité numéro un après avoir téléchargé un DAW est d' apprendre à l'utiliser. La meilleure façon de le faire est de lire le manuel de votre DAW. Si vous n'êtes pas un grand lecteur, recherchez sur YouTube le didacticiel pour débutants [DAW NAME] ou Comment utiliser [DAW NAME] .
Vous utilisez Ableton Live ? Cliquez sur le bouton ci-dessous pour accéder gratuitement à notre Masterclass Ableton Beginner de 40 minutes
Voici ce à quoi vous avez accès (entièrement gratuit, sans aucune condition)
2. Expérimenter (jouer)
Après vous être familiarisé avec votre DAW, la prochaine chose clé que vous devriez faire est d'expérimenter ou de "jouer".
Le seul objectif ici est de s'amuser. Bien sûr, regardez quelques tutoriels YouTube, apprenez quelques trucs, mais surtout, expérimentez. Apprenez à poser un rythme de batterie de base . Essayez de recréer la mélodie de n'importe quelle chanson qui vous reste en tête.
Voir sa première chanson exportée, ça fait vraiment du bien !
La dernière étape de l'étape d'initiation consiste à composer une chanson , du début à la fin. Ne vous souciez pas de la façon dont vous pensez qu'une chanson devrait être faite, qu'il y ait des règles ou non, faites simplement quelque chose qui dure 2 minutes ou plus et appelez-le fait.
C'est une étape essentielle. Vous devez prendre l'habitude de terminer la musique le plus tôt possible.
Sinon, vous courez le risque de ne pas pouvoir terminer la musique plus tard sur la piste.
Vous pouvez ressentir le besoin de montrer à tout le monde votre création. Vous pensez peut-être qu'il est temps de créer un compte Soundcloud ou de publier votre morceau sur YouTube. Bien qu'il n'y ait aucun mal intrinsèque à faire cela, je ne le recommande pas. C'est une distraction, surtout au stade de l'initiation.
Si vous souhaitez accélérer le processus d'apprentissage et suivre un cadre éprouvé, consultez EDM Foundations . Plus de 3800 producteurs débutants ont suivi le cours avec d'excellents résultats.
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L'étape 2 est l'endroit où le vrai plaisir commence. Vous commencez à comprendre les choses, et chaque morceau que vous faites sonne mieux que le précédent.
Cette étape prend un certain temps, généralement 1 à 2 ans. Pour certaines personnes, cela peut être plus court, surtout s'ils ont la liberté d'y consacrer de nombreuses heures. Pour d'autres, cela peut prendre plus de deux ans.
L'étape 2 s'intitule Apprentissage exponentiel parce que c'est exactement ce qui se passe. Vous acquérez des connaissances, développez des compétences et vous vous améliorez en tant que producteur à une vitesse exponentielle.
Voici une illustration (je sais que la ligne n'est pas une courbe exponentielle, mais vous voyez l'idée):
C'est une période passionnante dans votre parcours en tant que producteur. Vos yeux s'ouvrent sur la liberté illimitée qu'offre la production de musique électronique. Vous écoutez des morceaux que vous avez faits quelques semaines plus tôt et remarquez à quel point vous vous êtes amélioré depuis.
Au cours de cette étape, au moins dans les premiers mois, vous vous améliorerez de semaine en semaine si vous y consacrez du temps et des efforts.
Mais pour exceller lors de cette étape, vous devrez suivre ces 4 disciplines clés :
Discipline clé 1 : Apprentissage des fondamentaux
À l'étape 1, vous avez probablement regardé quelques tutoriels et lu quelques articles. Vous connaissez peut-être une chose ou deux sur la théorie musicale et vous avez peut-être une idée de ce que fait un égaliseur.
Cependant, il est maintenant temps de se pencher et d'acquérir une compréhension de base de quelques concepts fondamentaux, à savoir :
Je les ai classés par ordre d'importance en commençant par le haut. Il est important de noter que ces concepts sont profonds et larges et que vous pouvez passer votre vie à apprendre le mixage et l'audio seuls.
Les trucs brillants, comme l'égaliseur dynamique complexe ou les multiples envois de réverbération ou la compression parallèle sont toutes des distractions au début.
À moins que vous n'ayez une bonne raison d'aller au-delà de ce qui est essentiel ou basique , je vous recommande fortement de garder les choses simples et pertinentes. Apprendre la théorie complexe de la musique jazz n'est probablement pas nécessaire pour le moment si vous voulez juste faire quelques morceaux techno.
Théorie de la musique
Le solfège est absolument fondamental malgré les nombreux producteurs à succès qui ne le connaissent pas du tout.
La production de musique électronique diffère de la composition et de la production de musique traditionnelle à bien des égards, mais c'est toujours une musique qui a des accords et des mélodies et, par conséquent, repose sur les mêmes concepts musicaux fondamentaux. Ne pas apprendre le solfège plus tôt est l'une de mes plus grosses erreurs.
Notre cours, Songwriting For Producers , est la ressource la plus complète pour apprendre la théorie et l'écriture de chansons en tant que producteur de musique électronique.
Nous avons également mis en place un guide complet gratuit pour apprendre la théorie musicale (et devinez quoi ? Ce n'est pas ennuyeux à lire non plus).
Une fois que vous aurez développé une compréhension de base de la théorie musicale, vous devrez apprendre la structure et l'arrangement. L'apprentissage de la structure et de l'arrangement vous apprendra à prendre une idée musicale courte et à la développer pour créer une chanson complète.
Heureusement, la musique électronique suit une structure prévisible et standard, il n'est donc pas difficile d'acquérir les bases.
Bien que chacun des sous-genres diffère légèrement, chacun d'eux a une structure générale que vous pouvez adopter.
La meilleure façon d'apprendre la structure et l'arrangement est de faire glisser des chansons dans votre DAW et de les étudier. Séparez-les. Volez la structure de base d'une piste existante et utilisez-la pour vous-même.
De plus, nous vous recommandons d'investir dans EDM Foundations pour apprendre les bases de la structure et commencer à l'appliquer rapidement.
Si vous êtes plus avancé, Songwriting For Producers propose 12 ventilations spécifiques au genre où vous apprendrez comment les chansons populaires sont structurées (et pourquoi elles fonctionnent).
Mélange
Personne ne veut écouter une chanson bien composée et bien arrangée qui sonne comme si elle sortait d'une boîte de conserve, c'est pourquoi il est important de saisir les principes fondamentaux du mixage .
Si vous parcourez toutes ces ressources, ou même quelques-unes d'entre elles, vous aurez un niveau de connaissances suffisant pour les appliquer concrètement à votre travail. N'oubliez pas qu'aucun apprentissage théorique ne peut remplacer la pratique réelle, alors méfiez-vous de l'équilibre entre eux.
Discipline clé 2 : Finir vite et finir souvent
"Comme Ira Glass l'a si bien dit, la meilleure façon d'affiner votre métier est de créer un énorme volume de travail. Pas pour créer la pièce la plus parfaite possible, mais pour créer de nombreuses pièces. – Herbert Lui, Pourquoi la quantité devrait être votre priorité
Un piège dans lequel de nombreux producteurs tombent à l'étape 2 est le piège de la perfection ou du chef- d'œuvre . Ils pensent qu'ils doivent créer un travail incroyable, qu'ils doivent se concentrer sur la création de chefs-d'œuvre.
Avoir une attitude perfectionniste au stade 2 n'est pas seulement une inhibition à l'apprentissage et à la progression, cela détruit également votre estime de soi. Pourquoi? Car même si vous deviez établir la norme parfaite pour votre travail et l'atteindre (ce qui est peu probable), vous progressez à une vitesse si rapide que vous serez déçu de votre « chef-d'œuvre » quelques semaines plus tard.
Ce sur quoi vous devriez plutôt vous concentrer, c'est la finition . Ne vous contentez pas de terminer, mais terminez les pistes aussi souvent que vous le pouvez.
En 2020, de nombreux artistes de la communauté d' artistes EDMProd se sont engagés à terminer un morceau par semaine, et cela a bien fonctionné pour eux.
Quand j'étais à l'étape 2, je terminais les morceaux en une journée. Ils ne sonnaient pas très bien, mais j'ai appris quelque chose de nouveau à chaque projet.
Vous devez vous concentrer sur la quantité pendant cette étape, car si vous le faites, la qualité augmentera inévitablement et vous apprendrez beaucoup plus rapidement que vous ne le feriez autrement.
Discipline clé 3 : Diversité et expérimentation plus poussée
Au cours de l'étape 2, il peut être tentant de vous classer dans un genre ou un style de musique. Ce n'est pas nécessairement une mauvaise chose, mais je vous recommande d'expérimenter autant de genres différents que possible.
Je me suis ensuite aventuré dans la batterie et la basse et j'ai encore développé mes compétences en programmation de batterie.
Pendant un temps, j'ai fait de la techno et de la house , ce qui m'a beaucoup appris sur le groove. Aujourd'hui, je fais surtout de la trance et de la house progressive, mais les compétences que j'ai acquises en expérimentant d'autres genres sont toujours utiles.
Donc, si vous avez envie de faire du genre X, faites-le. Il n'y a aucune raison pour que vous ne le fassiez pas.
Discipline clé 4 : Recueillir des commentaires et établir des relations
À ce stade, de nombreux producteurs commencent à réfléchir à la façon dont ils devraient se faire connaître et se commercialiser, comment gagner plus d'abonnés Soundcloud, etc.
Ce n'est rien de plus qu'une distraction, et si vous êtes actuellement bloqué à l'étape 2, essayer de vous faire un nom est un effort futile.
Bien que vous ne devriez pas spammer les forums et la section des commentaires sur les vidéos YouTube disant à tout le monde que vous êtes le prochain Martin Garrix, il y a certaines choses qui valent la peine d'être faites en dehors de votre DAW qui vous prépareront pour le succès futur et vous permettront également d'apprendre et progresser plus vite.
La première chose que vous devriez faire - après avoir terminé quelques morceaux - est de recueillir les commentaires des gens. Il est important d'avoir une deuxième paire d'oreilles sur votre musique afin que vous puissiez savoir quels sont vos points faibles et s'il y a des problèmes persistants avec votre musique (votre grave peut être constamment trop fort, par exemple).
Demander des commentaires est beaucoup plus facile une fois que vous êtes déjà amis et que vous avez une relation.
La deuxième chose que vous devriez faire est d' établir des relations avec d'autres producteurs et des gens de l'industrie. Vous devriez le faire, que vous souhaitiez ou non faire carrière dans la musique, principalement parce que les opportunités qui découlent de la simple connaissance des gens sont inestimables.
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L'étape 3 est la partie la plus difficile du parcours d'un producteur de musique électronique.
La production commence à devenir difficile et semble plus chronophage. Vous vous asseyez pour travailler sur quelque chose et finissez par tergiverser, en faisant autre chose de plus facile.
Si vous avez de la chance, comme dans, vous faites partie des 1%, alors vous ne passerez peut-être pas par l'étape 3.
La triste réalité est que la plupart des gens abandonnent lorsqu'ils atteignent le stade 3.
Heureusement, l'étape 3 ne dure pas éternellement et il existe des moyens de progresser plus rapidement.
1. Faire face à la surcharge
La première chose que vous devez faire si vous vous retrouvez dans « le plongeon » est d'apprendre à gérer le sentiment d'être submergé.
Se sentir dépassé est à peu près garanti si vous êtes bloqué à l'étape 3. Vous pourriez vous sentir dépassé par le fait que vous ne produisez plus autant qu'avant, ou simplement par la quantité de travail nécessaire pour créer une piste décente. .
Peu importe ce qui vous submerge, vous devez inverser ce sentiment et le maîtriser. Il existe une technique de productivité séculaire qui vous aidera à le faire. C'est ce qu'on appelle diviser de grands projets en petites tâches.
Par exemple, si vous êtes submergé par la quantité de travail nécessaire à la création d'un morceau décent, décomposez-le en petites parties. Tout d'abord, concentrez-vous uniquement sur la mélodie. Une fois cela fait, vous pouvez passer à la chose suivante. C'est ainsi que vous gérez la submersion.
2. Déterminez votre objectif et votre motivation
L'une des principales raisons pour lesquelles les gens abandonnent à ce stade est qu'ils ne retrouvent pas la passion qu'ils avaient autrefois pour faire de la musique.
La passion nous fait avancer. On ne peut le nier. Mais parfois, il peut être difficile de le sentir ou de le remarquer.
Pour cette raison, il est important que vous compreniez deux choses : votre prochain objectif et votre motivation générale ou votre raison de faire de la musique.
Votre objectif pourrait être que vous vouliez sortir un EP. C'est la prochaine « grande chose » sur votre liste, et c'est vers cela que vous travaillez activement. Mais un objectif seul ne suffit pas, vous avez besoin d'une raison ou de raisons globales pour faire de la musique.
Ma raison de faire de la musique est double : premièrement, je fais de la musique parce que j'aime ça, et deuxièmement, je fais de la musique parce que cela m'aide à apprendre aux autres à en faire. Pendant les moments où je me sens frustré par la musique et que je n'ai pas l'impression de « l'aimer », je reviens à la deuxième couche et je me rappelle qu'il y a plus d'une raison pour laquelle je fais de la musique.
Une fois que vous avez une raison primordiale, il devient beaucoup plus facile de traverser des périodes sèches où vous manquez d'inspiration et de créativité.
La troisième chose que vous devez apprendre à ce stade est de savoir comment surmonter les problèmes créatifs. Vous les rencontrerez – tout le monde le fait.
Il y a trop de matériel sur le thème de la créativité et du blocage créatif à inclure dans cet article, alors voici quelques liens vers des livres et des articles à ce sujet :
De plus, si vous voulez me crier quelques cafés, mon livre pourrait aussi vous être utile.
4. Soyez cohérent et patient
"Le plus dur est de s'en tenir aux choses quand on a dépassé le premier intérêt, et pas encore le second qui s'accompagne d'une sorte de maîtrise." – Janet Erskine Stuart
Malgré tous les efforts pour surmonter le blocage créatif et le sentiment accablant de ne pas en faire assez ou de ne pas faire de votre mieux, l'étape 3 va inévitablement durer un certain temps.
C'est une partie naturelle du parcours d'un artiste, une partie qui ne peut pas vraiment être évitée. Vous devez apprendre à vivre avec pendant un certain temps avant de sortir de l'autre côté et d'entrer dans l'étape 4.
Il n'y a pas de tour de magie ou d'astuce qui rendra l'étape 3 confortable. C'est inconfortable de par sa nature même - une lutte constante. Cela signifie que vous devez être cohérent et patient.
La cohérence est importante car, sans elle, vous ne passerez jamais à l'étape 3. La cohérence signifie la construction d'habitudes, et les habitudes vous aident à aller de l'avant lorsque l'inspiration est introuvable.
Lors de l'étape 3, il est bon de se mettre dans un rythme régulier, de mettre en place un planning.
Un de mes anciens horaires pour la production musicale.
Par exemple, vous pourriez décider de vous engager à produire 30 minutes par jour quoi qu'il arrive. Commencez petit et vous pourrez ensuite passer à des sessions plus longues (comme 90 minutes).
La patience est également importante. Vous devez comprendre que même si l'étape 3 ne dure pas éternellement, elle n'est pas courte . Même si vous ne pouvez pas voir la lumière au bout du tunnel, vous devez croire fermement qu'elle est là et attendre. (Cependant, n'attendez pas sans travailler. Vous ne passerez pas à l'étape 3 sans faire d'efforts).
Tout cela fait partie du développement de l'état d'esprit d'un artiste , un état d'esprit qui vous permet de rester motivé et concentré sur l'atteinte de vos objectifs de production.
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Il est difficile de déterminer exactement où se termine l'étape 3 et où commence l'étape 4, principalement parce qu'il y a beaucoup de chevauchement.
Mais tu sauras quand tu seras sorti du dur. L'étape 4 est la dernière étape avant la maîtrise, ce qui signifie que même si vous devez encore apprendre et progresser activement, votre travail commence à se maintenir en termes de qualité.
Maintenant, l'étape 4 prend généralement des années. Il est important de comprendre que je parle du temps qu'il faut pour passer d'être compétent à un maître du métier. La plupart des gens reconnaissent qu'il faut environ 10 ans pour devenir un maître dans n'importe quel domaine, la définition d'un maître étant "de classe mondiale".
Ainsi, même si j'ai noté que l'étape 4 prend 2 à 5 ans pour progresser, cela ne signifie pas qu'il faut 2 à 5 ans pour devenir un bon ou même un grand producteur. Vous pouvez facilement construire une carrière à l'étape 4.
Discipline clé 1 : Apprentissage avancé et refonte
À ce stade, vous devriez avoir une compréhension approfondie des concepts fondamentaux et une vue d'ensemble de la façon dont les différents concepts et disciplines interagissent les uns avec les autres.
Mais il est temps d'aller encore plus loin. À ce stade, vous commencez à développer vos forces et à évoquer vos faiblesses. Apprendre la théorie complexe de la musique jazz maintenant est beaucoup plus approprié qu'au stade 2.
L'apprentissage avancé consiste à approfondir les sujets. Il est utile de commencer par vos points forts, car, en fin de compte, la production musicale est un domaine trop diversifié pour devenir un maître en tout .
Si vous aimez la conception sonore, vous pouvez vous plonger dans le côté physique, en apprenant pourquoi certaines formes d'onde sonnent comme elles le font. Si vous aimez mixer, vous pourriez décider de faire un stage dans un studio ou de lire des manuels sur l'audio. Vous avez eu l'idée.
Refaire
Il arrive un moment où vous avez appris la plupart de ce qui est nécessaire dans les livres et les vidéos, et vous devez aller au- delà des conseils « généraux » et rassembler des idées et des astuces plus nuancées.
La meilleure façon de le faire est d'apprendre d'autres artistes qui sont au niveau ou au-dessus de votre niveau de compétence. Étant donné que chacun est unique et a des pensées uniques, il s'ensuit que sa musique sera unique d'une manière ou d'une autre.
Comment apprenez-vous des autres artistes ? Vous étudiez leur musique. Mieux encore, vous le refaites. Refaire oblige à écouter attentivement. Cela vous oblige à essayer de nouvelles idées et à résoudre des problèmes. Cela vous oblige à réfléchir à ce que vous entendez et à la façon dont c'est fait.
Key discipline 2: Collaboration
Une autre chose sur laquelle il est avantageux de se concentrer au cours de cette étape est la collaboration. Cela pourrait être de travailler avec un autre producteur, chanteur ou musicien. Il existe de nombreuses raisons pour lesquelles la collaboration est utile :
Vous ramassez des trucs et astuces d'autres artistes et producteurs
Vous apprenez à bien travailler avec les autres et à communiquer des idées
Vous apprenez à faire des compromis
Vous établissez des relations avec des personnes partageant les mêmes idées
Vous construisez votre marque en tirant parti des audiences/fanbases des autres
Il n'y a vraiment aucune excuse pour ne pas collaborer. Si vous vivez dans une région où personne ne fait de musique, vous pouvez soit collaborer avec quelqu'un sur Internet, soit déménager.
Si vous ne connaissez personne sur Internet qui fait de la musique, arrêtez d'être paresseux et rejoignez la communauté d'artistes EDMProd , posez une question demandant si quelqu'un veut collaborer avec vous et mettez-vous au travail.
Discipline clé 3 : Cheminements de carrière
J'ai étiqueté cela comme facultatif parce que je sais que tout le monde ne veut pas faire carrière dans la production musicale. Vous pourriez aimer votre travail de jour et vouloir juste faire de la musique à côté .
Mais je suis prêt à parier que la plupart d'entre vous qui lisez ceci aimeraient faire carrière dans la musique si vous le pouviez. Malgré ce que les gens disent, il existe en fait de nombreux cheminements de carrière différents pour le producteur de musique qualifié. Vous pourriez:
Créer des packs d'échantillons et d'autres produits
Évidemment, il y a beaucoup plus d'emplois que ceux-là, mais cela devrait vous donner une idée. La tête d'affiche chez Ultra n'est pas le seul cheminement de carrière.
L'autre chose qu'il faut noter est que la plupart des gens qui atteignent la maîtrise le font parce qu'ils travaillent à plein temps sur leur métier. Si nous utilisons la règle des 10 000 heures comme point de départ (et je me fiche que ce soit scientifique ou non, c'est une bonne règle empirique), alors sur 10 ans, vous devrez consacrer 3 heures par jour.
Mettre 3 heures par jour tout en occupant un emploi 9-5 n'est pas facile. Vous pouvez atteindre l'étape 5 en produisant de la musique « à côté », mais ce n'est certainement pas facile.
Vous souhaitez voir des offres d'emploi dans l'industrie de la musique ? Rendez -vous sur musiccareers.co .
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La dernière étape est celle à laquelle très peu de gens arrivent.
La maîtrise, telle qu'elle est communément définie, c'est quand vous avez pratiqué votre métier pendant si longtemps qu'il devient presque un acte complètement inconscient. Vous produisez de la musique sans effort.
Dans mon esprit, certains «maîtres» de la production de musique électronique seraient des gens comme BT, Above & Beyond, Mat Zo, Koan Sound, etc.
Veuillez noter que je ne suis pas à ce stade, donc tout ce que je recommande ici est purement d'un point d'observation et ce que je pense devrait être fait pendant cette étape.
1. Expérimentation approfondie
Lorsque vous maîtrisez votre métier et que tout ce que vous faites est de qualité, il est temps d'innover.
L'expérimentation profonde consiste à jeter les idées préconçues et "la façon standard de faire les choses" par la fenêtre. En tant que maître, vous commencez à remettre en question les hypothèses sous-jacentes que vous avez sur les processus de production.
« Est-ce vraiment la meilleure façon de faire les choses ? Et si je faisais comme ça ?
Le maître peut se permettre d'expérimenter de cette manière et de s'en tirer parce qu'il comprend si bien les règles et qu'il sait ce qui se passera probablement s'il les enfreint.
L'intersection des différentes facettes des caractéristiques de la production musicale est si claire pour le maître, c'est pourquoi les expériences qu'il propose ont beaucoup plus de chances de réussir par rapport au producteur compétent ou au producteur de niveau 2.
Souvent, cela conduira à des percées. Peut-être s'agit-il d'une nouvelle technique de mélange ou d'une nouvelle méthode de composition. C'est peut-être une nouvelle forme de structure de chanson. La musique est en constante évolution et les maîtres sont ceux qui la font le plus avancer.
2. Se diversifier
Ayant atteint le point de maîtrise, vous pourriez commencer à chercher de nouveaux défis dans des domaines liés à la production musicale.
Beaucoup de gens plongent profondément dans la synthèse et la conception sonore une fois qu'ils sont devenus des producteurs accomplis.
Par exemple, vous pourriez décider d'étudier rigoureusement l'acoustique ou la musique classique, qui auront toutes deux une incidence sur vos capacités de producteur.
Vous vous diversifiez dans différents domaines non seulement parce qu'ils vous aident en tant que producteur, mais par pur intérêt.
3. Devenir un leader
Enfin, en tant que maître, vous deviendrez probablement un leader à moins que vous ne soyez un reclus. Peut-être êtes-vous le pionnier de quelque chose, peut-être que vous développez un nouveau genre qui devient populaire. Qui sait?
Je veux dire, c'est essentiellement ce que Skrillex a fait, n'est-ce pas ? C'est ainsi qu'il est capable de donner des conseils confiants comme ci-dessous :
Ce qui est certain, c'est que l'étape 5, l'étape de maîtrise, ne se termine pas. Il n'y a pas d'étape 6, il y a simplement la maîtrise et c'est tout.
Même le maître doit continuer à apprendre.
Et maintenant?
Il y a de fortes chances que vous lisiez ceci comme quelqu'un qui est complètement nouveau dans la production musicale ou qui a besoin de conseils.
Si oui, je sais exactement ce que tu ressens. Même après avoir lu cet article, vous vous sentez probablement encore dépassé, confus et perdu.
Heureusement, cela peut changer.
Une option consiste à proposer un plan systématique sur la façon dont vous allez apprendre la production . Vous pouvez utiliser cet article comme guide, développer votre propre stratégie, trouver les bonnes ressources (j'en ai lié un tas de bonnes) et lire des livres solides.
C'est une bonne option. J'aurais aimé l'avoir pris quand j'ai commencé (j'ai perdu des années à patauger, à regarder des tutoriels YouTube aléatoires et à ne rien apprendre vraiment).
L'autre option consiste à suivre un cadre qui a permis à des milliers d'autres producteurs de passer d'un producteur débutant confus à un producteur intermédiaire confiant.
Un cadre qui vous pousse à passer à l'action et vous donne les outils dont vous avez besoin pour créer votre première chanson, puis votre deuxième, puis votre troisième, et ainsi de suite.
Un cadre qui ne se contente pas de vous apprendre un tas de théorie, mais vous montre en fait comment faire de la musique à un niveau pratique et amusant.
Pour en savoir plus sur ce cadre, consultez ma vidéo de formation gratuite en cliquant sur le bouton ci-dessous.
Nouveau dans la production musicale ?
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Bienvenue dans la feuille de route de la production EDM. Notre plan mensuel pour la première année d'un nouveau producteur EDM, décrivant les meilleures ressources à votre disposition.
Dans cet article, nous allons vous montrer exactement ce que vous devez faire au cours de votre première année de production EDM pour vous améliorer autant et aussi rapidement que possible, en partant de zéro.
Voici le gros problème.
(C'est un problème de luxe, vraiment. Mais un problème, néanmoins.) Il existe BEAUCOUP de matériel pédagogique pour devenir un producteur EDM.
Vous voyez, la plupart des gens atteignent un niveau de production EDM décent après environ 3 ans. Nous y sommes allés nous-mêmes. C'est une route longue et inefficace d'informations contradictoires dans un océan vaste et déroutant d'astuces de production en ligne.
Gageons qu'avec la bonne structure, ce que les autres mettent trois ans à maîtriser, vous pouvez l'atteindre en une seule !
Que vous n'ayez jamais produit de piste auparavant ou que vous en soyez aux premières étapes de votre parcours, ce guide vous aidera à accélérer votre apprentissage et à vous guider tout au long de la maîtrise en une seule année.
Ce guide n'est pas pour les faibles, et ce n'est pas pour les paresseux. C'est pour les motivés et les inspirés, pour les individus qui veulent vraiment réussir. Prêt? Allons-y.
La toute première étape de votre parcours de production EDM est en fait un pas en arrière : vous devez déterminer où vous en êtes et ce que vous devrez surmonter au cours des douze prochains mois.
Notre objectif est de vous permettre de franchir ces 4 premières étapes le plus rapidement et le plus efficacement possible.
L'équipement
À ce stade, vous savez probablement que vous avez besoin de quelques éléments pour commencer : une DAW (Digital Audio Workstation - le logiciel dans lequel nous créons de la musique), un synthétiseur, des écouteurs et un clavier midi.
Il existe une tonne d'options, et en tant que producteur débutant, il est difficile de prendre une décision éclairée ici. Ne vous inquiétez pas, nous les avons créés pour vous.
Logiciel d'écriture musicale
Comme mentionné ci-dessus, nous créons notre musique dans des programmes appelés stations de travail audio numériques ou DAW. Une simple recherche sur Google pour divers DAW renverra des noms comme Ableton, Logic Pro, FL Studio et Cubase, pour n'en nommer que quelques-uns.
Mais lequel choisissez-vous ?
La réponse courte : CELA N'A PAS D'IMPORTANCE. Honnêtement, de la bonne musique peut être créée dans n'importe lequel des principaux DAW.
Cependant, nous avons constaté que la majorité des didacticiels et des cours sont enseignés dans Ableton Live ou Logic Pro X. Pour ceux qui s'intéressent au premier, le site d'Ableton propose de superbes vidéos d'introduction . Si Logic Pro est plus votre swing, nous vous recommandons de lire ce guide de démarrage rapide détaillé de Logic Pro par nos amis de Musician On A Mission.
Synthétiseur
Encore une fois, il existe des tonnes d'excellentes options. Google renverra des noms comme Serum, Massive, Sylenth et Spire, et honnêtement, il existe de nombreux tutoriels pour chacun d'entre eux.
Le synthé le plus populaire actuellement sur le marché (et celui que nous recommandons) est Serum de Xfer Records . C'est toujours le plus courant pour les tutoriels et les cours, et il est disponible dans le programme Rent-to-Own de Splice.
Remarque : Si vous recherchez un guide plus détaillé pour choisir votre DAW et votre synthé, consultez le logiciel de production musicale (gratuit) d'EDM Prod - Le guide définitif . C'est un article phénoménal qui couvre la grande variété de logiciels de production musicale et de plugins disponibles.
Haut-parleurs ou écouteurs ?
De toute évidence, nous devons pouvoir écouter ce que nous fabriquons, et les haut-parleurs d'ordinateur portable ou de simples écouteurs ne suffiront pas. Une surveillance de haute qualité est indispensable, mais il existe des centaines d'options et quelques décisions à prendre :
Votre premier est de savoir si vous souhaitez obtenir des écouteurs ou des haut-parleurs.
L'instinct de la plupart des gens leur dit d'avoir des haut-parleurs. Ils ont l'air plus cool et nous savons que les studios professionnels les utilisent. Par conséquent, ils doivent être meilleurs… non ?
Ne soyez pas dupe.
Les haut-parleurs sont excellents, mais ils ne sont aussi bons que l'environnement dans lequel vous les écoutez. À moins que votre pièce ne soit traitée acoustiquement, vous rencontrerez un certain nombre de problèmes d'équilibre et de fréquence avec vos haut-parleurs - en gros, vos haut-parleurs mentiront à vous.
Les écouteurs, en revanche, offrent un environnement d'écoute contrôlé. Ils ne changeront pas en fonction de l'endroit où vous vous trouvez et ils sont portables. Si vous ne produisez de la musique que lorsque vous pouvez vous asseoir devant des haut-parleurs, vous vous limiterez considérablement.
Pour faciliter la décision, les écouteurs ont tendance à être considérablement moins chers que les haut-parleurs pour une qualité comparable.
Les écouteurs étant le meilleur choix, la question suivante est - lesquels ?
Nous recommandons l' Audio Technica M50X . À 150 $, ils sont parmi les moins chers des écouteurs professionnels, mais ils offrent toujours une qualité phénoménale. Une option de niveau supérieur qui est également idéale pour le mixage et le mastering est le Sennheiser HD600 .
Midi Keyboard
Vous n'avez absolument pas besoin d' un clavier Midi pour faire de la bonne musique. Cela aide juste, énormément.
Nous vous recommandons d'aller dans un magasin de musique local (par exemple Guitar Center) pour jouer avec certains d'entre eux. Chaque clavier a une sensation légèrement différente avec différentes options ajoutées, et celui-ci est vraiment un choix basé sur les préférences.
Vous ne savez même pas quelle serait votre préférence ? Ne vous en faites pas.
Si vous voulez juste le clavier pour les touches (par exemple, pour jouer des mélodies et créer des accords), consultez le M-Audio Keystation 49 . C'est l'une des options les moins chères à 100 $, mais cela fonctionne très bien.
Si l'idée d'utiliser des faders, des boutons et un pad de batterie vous intéresse, nous vous recommandons le Novation Launchkey 49 . Il coûte 200 $, s'intègre aux principaux DAW et fournit tout ce dont vous aurez besoin d'un clavier midi.
Résumé de l'équipement
DAW : Ableton Live 10
Synthétiseur : Sérum Xfer Records
Casque : Audio Technica M50X
Clavier Midi : M-Audio Keystation 49 OU Novation Launchkey 49
Production de musique électronique 101
Super, vous avez tout ce dont vous avez besoin pour commencer à faire de la musique. Maintenant, vous avez juste besoin d'apprendre quoi faire avec tout cela.
Il y a dix ans, cette étape aurait été un cauchemar – surtout pour le débutant. Heureusement, Sam Matla sur EDMProd.com vous a couvert pour votre premier mois.
Sam fait un excellent travail ici en se concentrant sur la situation dans son ensemble et en vous aidant à développer le bon état d'esprit pour votre voyage.
Une fois que vous avez fait cela et que vous êtes prêt à vous engager à travailler dur pour l'année prochaine, la meilleure chose que vous puissiez faire est simplement de commencer à faire de la musique.
Avec une telle courbe d'apprentissage, vous voulez éliminer autant de bruit que possible et n'apprendre exactement que ce dont vous avez besoin. Si vous avez trouvé l'article ci-dessus utile, nous vous recommandons vivement de vous inscrire au cours Sam's EDM Foundations .
Le cours vous emmène à travers 4 chansons en 4 semaines, et c'est indéniablement le meilleur outil d'apprentissage pour les premiers stades. Des centaines de débutants ont suivi le cours et n'ont que de belles choses à dire.
Si vous êtes sérieux au sujet de ce voyage, EDM Foundations est votre chance de le prouver.
Deuxième mois : Orientation de la production EDM
Tout d'abord, félicitations pour avoir réussi votre premier mois de production EDM.
Vous avez travaillé dur pour apprendre les bases de la production EDM, et vous avez sans aucun doute réalisé que, que vous ayez survolé le matériel ou que vous ayez parfois lutté, il reste encore une tonne à apprendre et pas de temps à perdre.
Au fur et à mesure que vous progressez au cours du mois prochain, concentrez-vous sur le maintien de votre énergie et de votre élan, et mettez-vous dans l'état d'esprit d'apprendre autant que possible.
Semaines 1 et 2
Juste avertissement : ce mois-ci implique un peu de lecture décente pour les deux premières semaines.
Commencez par vous familiariser avec le jargon de l'industrie. La meilleure façon de commencer est de lire The Ultimate EDM Production Glossary (gratuitement avec l'aimable autorisation de EDMTips.com).
Ensuite, commencez à plonger dans des sujets spécifiques de la production EDM. Renseignez-vous sur la compression, la saturation, la distorsion, la réverbération, le retard et l'égalisation.
Une fois que vous les aurez lus, vous tirerez le meilleur parti de l'analyse de la musique existante et de l'apprentissage de ce qui fait de la bonne musique, eh bien, de la bonne.
Le producteur et instructeur Connor O'Brien à EDMProd a écrit des pannes de pistes phénoménales (et gratuites !) couvrant une poignée de genres.
Si vous en voulez encore plus, lisez les articles gratuits sur le blog EDMTips .
Essayez de terminer toute cette lecture (et plus, si vous le pouvez) dans les deux premières semaines du deuxième mois.
Nous vous garantissons que vous aurez une bien meilleure compréhension de ce qui fait fonctionner la musique et que vous serez mieux préparé pour continuer vos productions.
Semaines 3 et 4
Au cours de votre troisième semaine, rendez-vous sur Hyperbitsmusic.com et consultez The LaidBack Luke Remix Start to Finish Course . Hyperbits est un producteur professionnel actif, et il a développé une excellente présentation complète de l'un de ses remixes.
Vous vous retrouverez à appliquer une grande partie des informations que vous venez de lire et, plus important encore, vous pourrez tout contextualiser pour une utilisation future.
Si vous avez suivi et consulté ce guide, vous vous dirigez maintenant vers votre troisième mois avec au moins 5 chansons complètes déjà à votre actif.
Respirez, tapotez-vous dans le dos.
C'est un travail difficile, surtout au rythme où nous allons. J'espère que vous pouvez déjà ressentir les résultats et que vous êtes impatient de continuer.
Si vous vous sentez fatigué, revenez à l' article sur les 5 étapes et rappelez-vous la situation dans son ensemble et pourquoi vous vous êtes lancé là-dedans en premier lieu.
Mois 3 : Maîtriser votre DAW
Maintenant que vous avez une certaine expérience de travail dans le DAW et que vous comprenez les principes fondamentaux, il est temps de commencer à plonger plus avant dans les différents aspects de la production musicale.
La meilleure chose que vous puissiez faire à ce stade est d'apprendre votre DAW, et de bien l'apprendre.
Tous les producteurs à qui nous avons parlé ont dit qu'ils auraient souhaité passer plus de temps tôt à apprendre leur DAW.
Pourquoi? Parce que le DAW est l'instrument principal du producteur. Les musiciens n'attendent pas 5 ans pour apprendre chaque note de leur instrument, alors vous non plus.
Lire
Préparez-vous mentalement pour celui-ci : c'est probablement l'étape la moins excitante de la production EDM à ce jour.
Alors pour démarrer votre troisième mois, achetez et lisez Ableton Live 10 Power ! dans les deux premières semaines. Le livre vous apprend tout ce que vous devez savoir sur les appareils d'Ableton, et il fait un excellent travail en fournissant des exemples concrets.
Une fois que vous avez fait cela, consultez la Bible Ableton Workflow écrite par Connor O'Brien. Il regorge de conseils uniques pour rendre votre musique plus intéressante.
*Remarque : ne vous inquiétez pas pour l'instant de terminer le défi de créativité de 30 jours inclus. Nous y reviendrons plus tard dans la feuille de route de production EDM.
Continuez à faire de la musique
Pendant que vous parcourez les lectures du troisième mois, terminez votre piste suivante. Toutes ces informations sont excellentes, mais vous devez toujours vous entraîner pour devenir bon, comme pour tout dans la vie.
À ce stade, vous pourriez avoir besoin de plus d'échantillons ou de préréglages de sérum. Si tel est le cas, nous vous recommandons de consulter Splice . Il dispose d'un large échantillon de production EDM et d'une sélection de préréglages, d'une fonctionnalité de collaboration de projet et d'une interface utilisateur à toute épreuve.
Quatrième mois : solfège et mixage
Le prochain objectif de votre voyage devrait être la théorie musicale et le mixage de base.
Autant la musique est une expression créative, autant elle comporte indéniablement des aspects techniques, tant du côté de la composition (théorie) que du côté de la présentation (mixage).
Semaines 1 et 2
La composition et le mixage sont étroitement liés, mais comme la composition vient en premier dans le voyage, nous vous recommandons de commencer votre quatrième mois en suivant le cours EDMTips Music Theory for EDM Producers .
Ne laissez pas le titre « Théorie musicale » vous décourager ou vous effrayer. Ce cours est une excellente introduction, et il vous apprendra comment construire au mieux des mélodies, des accords, des lignes de basse, des progressions de batterie et des arrangements.
Pendant que vous suivez ce cours, lisez notre série gratuite Comment mixer de la musique pour une introduction et une vue d'ensemble de la façon dont vous devriez aborder le mixage de vos pistes.
Semaines 3 et 4
Ensuite, prenez le temps de lire et d'intérioriser les informations contenues dans Mixing Secrets for the Small Studio . C'est parfois une lecture dense, mais tout est adapté au producteur de chambre à coucher et de petite tanière et il est rempli d'excellents exemples.
Tout comme le mois dernier, vous voulez être sûr de terminer une autre piste complète, en faisant de votre mieux pour mettre en œuvre les techniques spécifiques que vous venez d'apprendre.
À ce stade du parcours de production EDM, l'une des frustrations les plus courantes est que la musique prend si longtemps à se terminer.
Beaucoup de producteurs ont tendance à perdre leur motivation maintenant, car ils travaillent incroyablement dur depuis un certain temps, mais leurs productions prennent une éternité à se terminer et manquent toujours de qualité.
Notre plus grand conseil est de ne pas se décourager - presque tout le monde passe par cette étape à un moment donné, et ceux qui réussissent sont ceux qui passent régulièrement.
Travaillez rapidement
La meilleure chose que vous puissiez faire à ce stade est d'apprendre à travailler plus rapidement.
Une fois que vous les avez parcourus, nous vous recommandons de commencer Workflow Foundations , le deuxième cours d'EDMProd. Le cours se concentre sur l'expansion et le développement d'idées, fournissant des tonnes d'astuces pour rendre le processus de création musicale plus rapide et plus facile pour vous.
Prenez votre temps avec cela – utilisez les cinquième et sixième mois entiers pour parcourir le contenu – et pratiquez-le en cours de route.
Entraînez vos oreilles
À ce stade, nous vous recommandons également de commencer à entraîner vos oreilles. En tant que producteurs, nous ne pouvons faire que quelque chose sonne aussi bien que nous pouvons l'entendre.
Nous recommandons fortement SoundGym pour cela (inscrivez-vous, puis utilisez cette réduction de 20 % avec laquelle ils nous ont mis en relation). SoundGym a un entraînement auditif ludique, vous pouvez donc passer 30 minutes par jour à jouer à des jeux qui entraînent votre oreille sur l'égalisation, le volume, la distorsion, la réverbération, le retard, la compression, etc.
La plateforme fournit des résultats extraordinaires, et vous aurez beaucoup de plaisir à faire les exercices !
N'arrêtez pas de faire de la musique
Enfin, au fur et à mesure que vous progressez dans vos cinquième et sixième mois, n'oubliez pas d'écrire deux autres pistes complètes - et faites de votre mieux pour les mélanger.
BONUS : Si vous recherchez un peu plus de conseils sur la piste à ce stade et que vous avez aimé le cours Hyperbits du deuxième mois, son co-instructeur Syence vient de publier un nouveau Start to Finish qui vaut vraiment le détour .
Mois sept, huit et neuf : Optimisation
Maintenant que vous y êtes intensément depuis six mois, vous devriez commencer à sentir que vous avez une idée de ce que vous faites.
Vous avez couvert toutes les bases et devriez avoir une bonne idée de ce qu'il faut pour faire une bonne piste.
Ainsi, au cours des trois prochains mois, nous vous proposons d'approfondir trois sujets spécifiques : la créativité, la conception sonore et le mixage.
Mois 7 : Créativité
Vers votre septième mois, la production EDM peut commencer à vous sembler un peu difficile et l'inspiration a tendance à s'estomper pour beaucoup de gens. Cela aide à prendre du recul, à renouer avec la raison pour laquelle vous avez commencé ce voyage et à relancer votre créativité.
Ramenez le défi de créativité de 30 jours de la Bible Ableton Workflow que nous avons mis de côté au cours du troisième mois et travaillez sur ces exercices tous les jours.
Au huitième mois, nous vous recommandons de prendre le temps d'apprendre les bases de la conception sonore. Remarque : vous n'avez pas besoin d'être un concepteur sonore expert pour être un excellent producteur. Cependant, vous devez absolument comprendre au moins quand et comment modifier les préréglages pour les adapter à vos pistes. De plus, concevoir vos propres sons est un excellent moyen de stimuler la créativité.
Pour résoudre ce problème, inversez l'ingénierie de vos préréglages préférés (c'est-à-dire, utilisez le préréglage comme exemple pour recréer le son vous-même et faites attention à la façon dont chaque morceau affecte le son).
Pour une approche plus ciblée, direction Syntorial et entraînez-vous quotidiennement pendant un mois.
Mois 9 : Mixage
À l'avenir, vous voudrez revoir le mixage au mois 9, en approfondissant cette fois.
Vous devriez remarquer que même si votre musique s'améliore de plus en plus, les productions EDM professionnelles seront toujours mieux polies. Ils ont une meilleure sensation d'espace et les sons sont beaucoup plus clairs.
Les conseils que vous avez tirés de notre série de mixage et des Secrets de mixage pour le petit studio sont d'excellents débutants, mais si vous voulez vraiment exceller, vous devez plonger plus loin.
Étant donné que chez Heroic Academy, nous croyons particulièrement à l'importance d'un mixage, nous avons créé pour vous une Masterclass Smart Mixing qui couvre vraiment tout ce que vous devez savoir pour obtenir un mixage professionnel.
N'oubliez pas de continuer votre entraînement auditif sur SoundGym tous les jours et de créer une piste finie chaque mois .
Dix, onze et douze mois : préparez-vous pour le niveau suivant
Vous aurez probablement développé votre propre ensemble de forces et de faiblesses. Vous serez familiarisé avec la majorité de ce que vous trouverez sur Internet.
Quoi ensuite?
Mois 10
Développez vos propres mécanismes de rétroaction et poursuivez une formation plus personnalisée.
Participez à des forums en ligne et à des groupes Facebook, en fournissant des commentaires aux autres et en sollicitant vos propres commentaires. Commencez à construire un réseau de personnes partageant les mêmes idées autour de vous.
Si vous avez trouvé les ressources EDMProd utiles, cela vaut la peine de consulter leur programme de coaching pour une approche individuelle.
Si vous avez du mal à trouver des contacts et que vous n'êtes pas intéressé par le coaching individuel, une excellente façon de vous tester est d'essayer de recréer quelques-unes de vos chansons préférées au cours de votre dixième mois. Essayez de faire autant de loisirs que possible par vous-même, mais n'hésitez pas à consulter des didacticiels et des exemples en cours de route.
Mois 11 et 12
À la fin de votre première année, les choses les plus importantes que vous puissiez faire sont de terminer autant de musique que possible et de poursuivre des niveaux plus élevés de rétroaction et d'éducation.
La meilleure ressource vers laquelle nous pouvons vous diriger serait la Masterclass Hyperbits . Il s'agit d'un programme de huit semaines qui affiche constamment des résultats étonnants (les étudiants ont continué à se produire à EDC, Tomorrowland, Electric Zoo, Spring Awakening et Snowglobe, entre autres).
À la fin de la masterclass, prenez du recul et réfléchissez à l'année écoulée.
Vous avez appris une tonne et votre musique a énormément grandi.
Avancer
Ce n'est vraiment que le début de votre voyage musical plus large. Mais si vous avez suivi cette feuille de route d'un bout à l'autre, vous serez prêt pour cela.
Nous espérons que vous avez apprécié la lecture et nous vous encourageons à poster toutes les questions que vous pourriez avoir dans les commentaires. Enfin, assurez-vous de saisir notre feuille de triche sur les termes audio ci-dessous si vous ne l'avez pas déjà fait !
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Sam Matla
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