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Programmation de batterie : 15 patterns de batterie électronique essentiels
La batterie est une bête différente de la plupart des instruments. Ils ne se fient pas vraiment aux accords ou à la mélodie. Au lieu de cela, ils s'appuient uniquement sur le rythme pour susciter l'intérêt et attirer les oreilles.
Mais ce n'est pas parce que la batterie est simple que la programmation de la batterie est facile - créer des motifs de batterie intéressants et complexes est un énorme défi qui demande du temps, des compétences et de la pratique.
Vous devez avoir un sens du groove, un bon goût du son, une idée de la façon dont vous voulez organiser votre morceau et de l'endroit où la batterie s'intégrera pour faire avancer votre morceau.
La batterie est le moteur de chaque chanson. L'épine dorsale rythmique maintient tout ensemble et est finalement ce qui fait danser les gens.
Donc, apprendre la programmation de batterie est super important si vous voulez écrire de la bonne musique.
La batterie est le moteur de chaque chanson.
Dans cet article, nous explorerons tout ce que vous devez savoir sur la programmation de batterie et nous examinerons certains des différents motifs de batterie emblématiques de différents genres de musique électronique.
Commençons.
Guides théoriques, astuces de production, nouveaux plug-ins gratuits, guides d'équipement et bien plus encore, livrés chaque semaine
Suivez le blog LANDR.
La batterie est une bête différente de la plupart des instruments. Ils ne se fient pas vraiment aux accords ou à la mélodie. Au lieu de cela, ils s'appuient uniquement sur le rythme pour susciter l'intérêt et attirer les oreilles.
Mais ce n'est pas parce que la batterie est simple que la programmation de la batterie est facile - créer des motifs de batterie intéressants et complexes est un énorme défi qui demande du temps, des compétences et de la pratique.
Vous devez avoir un sens du groove, un bon goût du son, une idée de la façon dont vous voulez organiser votre morceau et de l'endroit où la batterie s'intégrera pour faire avancer votre morceau.
La batterie est le moteur de chaque chanson. L'épine dorsale rythmique maintient tout ensemble et est finalement ce qui fait danser les gens.
Donc, apprendre la programmation de batterie est super important si vous voulez écrire de la bonne musique.
La batterie est le moteur de chaque chanson.
Dans cet article, nous explorerons tout ce que vous devez savoir sur la programmation de batterie et nous examinerons certains des différents motifs de batterie emblématiques de différents genres de musique électronique.
Commençons.
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Comment programmer une batterie
La programmation de batterie est facile à apprendre mais difficile à maîtriser.
C'est parce que la DAW moderne d'aujourd'hui rend super intuitif l'esquisse d'idées dans un roulement MIDI de batterie .
Les DAW comme Ableton, Logic et FL Studio sont livrés avec des plugins de batterie bien développés qui permettent de voir facilement le motif d'un rythme, d'apporter des modifications aux échantillons, d'arranger et d'éditer.
Mais cliquer sur un rythme n'est que la première étape de la programmation de la batterie dans une DAW ou une boîte à rythmes.
Cliquer sur un rythme n'est que la première étape de la programmation de la batterie dans une DAW ou une boîte à rythmes.
Pour créer un rythme personnalisé, vous devez faire bien plus qu'ajouter un simple clip MIDI, même si un pack MIDI est incroyablement utile comme point de départ.
Voici quelques éléments à prendre en compte au-delà du clic sur les motifs de batterie lors de la programmation de la batterie.
La programmation de batterie est facile à apprendre mais difficile à maîtriser.
C'est parce que la DAW moderne d'aujourd'hui rend super intuitif l'esquisse d'idées dans un roulement MIDI de batterie .
Les DAW comme Ableton, Logic et FL Studio sont livrés avec des plugins de batterie bien développés qui permettent de voir facilement le motif d'un rythme, d'apporter des modifications aux échantillons, d'arranger et d'éditer.
Mais cliquer sur un rythme n'est que la première étape de la programmation de la batterie dans une DAW ou une boîte à rythmes.
Cliquer sur un rythme n'est que la première étape de la programmation de la batterie dans une DAW ou une boîte à rythmes.
Pour créer un rythme personnalisé, vous devez faire bien plus qu'ajouter un simple clip MIDI, même si un pack MIDI est incroyablement utile comme point de départ.
Voici quelques éléments à prendre en compte au-delà du clic sur les motifs de batterie lors de la programmation de la batterie.
Dynamique
Lorsque vous insérez un battement de batterie sur un roulement MIDI, chaque note que vous insérez obtient la même vélocité ou le même niveau dynamique.
Si vous ne modifiez pas les vélocités des notes que vous frappez, vous obtiendrez un son très statique, robotique et ennuyeux.
Il est essentiel d'ajuster le niveau de vélocité de vos notes, en particulier pour toutes les parties syncopées dans les aigus - charlestons, crashs, caisses claires, toms et toute autre percussion auxiliaire.
La meilleure façon d'obtenir les bonnes vélocités est d'écouter une boucle de votre rythme et d'ajuster les vélocités au fur et à mesure ou de jouer les notes avec un contrôleur ou un pad MIDI sensible à la vélocité.
Quoi qu'il en soit, vous devrez prendre votre temps pour vous assurer que les vélocités sont correctes afin que tout se gélifie et sonne vraiment groovy.
Lorsque vous insérez un battement de batterie sur un roulement MIDI, chaque note que vous insérez obtient la même vélocité ou le même niveau dynamique.
Si vous ne modifiez pas les vélocités des notes que vous frappez, vous obtiendrez un son très statique, robotique et ennuyeux.
Il est essentiel d'ajuster le niveau de vélocité de vos notes, en particulier pour toutes les parties syncopées dans les aigus - charlestons, crashs, caisses claires, toms et toute autre percussion auxiliaire.
La meilleure façon d'obtenir les bonnes vélocités est d'écouter une boucle de votre rythme et d'ajuster les vélocités au fur et à mesure ou de jouer les notes avec un contrôleur ou un pad MIDI sensible à la vélocité.
Quoi qu'il en soit, vous devrez prendre votre temps pour vous assurer que les vélocités sont correctes afin que tout se gélifie et sonne vraiment groovy.
Conception sonore et enveloppes ADSR
Dans la plupart des cas, si vous travaillez avec un DAW ou une boîte à rythmes, vous utiliserez des échantillons.
Mais que vous travailliez ou non avec un échantillon ou un synthétiseur de batterie, consacrer du temps à la conception sonore pour rendre vos échantillons ou vos synthés de batterie uniques en vaut la peine.
En fin de compte, les autres parties de votre piste sonnent de manière unique en fonction de votre style d'écriture et de votre son de production. Par conséquent, ajouter un échantillon de batterie ou utiliser un préréglage ne donnera probablement pas quelque chose qui correspond vraiment à votre son.
Assurez-vous de passer en revue vos échantillons et de peaufiner les enveloppes ADSR . Ajoutez des filtres, de la saturation, de la compression, de la réduction de bits, de la distorsion, des gates ou tout ce qu'il faut pour que vos échantillons sonnent comme s'ils s'intégraient à l'ambiance de votre piste.
Parce que la programmation de batterie moderne vous offre tellement de possibilités de personnaliser la chaîne d'effets pour chaque échantillon avec une tonne d'outils de conception sonore, vous pouvez vraiment amener vos sons de batterie vers de nouveaux endroits plus intéressants.
Alors, ne craignez pas la conception sonore de vos échantillons ou de vos synthés de batterie.
Dans la plupart des cas, si vous travaillez avec un DAW ou une boîte à rythmes, vous utiliserez des échantillons.
Mais que vous travailliez ou non avec un échantillon ou un synthétiseur de batterie, consacrer du temps à la conception sonore pour rendre vos échantillons ou vos synthés de batterie uniques en vaut la peine.
En fin de compte, les autres parties de votre piste sonnent de manière unique en fonction de votre style d'écriture et de votre son de production. Par conséquent, ajouter un échantillon de batterie ou utiliser un préréglage ne donnera probablement pas quelque chose qui correspond vraiment à votre son.
Assurez-vous de passer en revue vos échantillons et de peaufiner les enveloppes ADSR . Ajoutez des filtres, de la saturation, de la compression, de la réduction de bits, de la distorsion, des gates ou tout ce qu'il faut pour que vos échantillons sonnent comme s'ils s'intégraient à l'ambiance de votre piste.
Parce que la programmation de batterie moderne vous offre tellement de possibilités de personnaliser la chaîne d'effets pour chaque échantillon avec une tonne d'outils de conception sonore, vous pouvez vraiment amener vos sons de batterie vers de nouveaux endroits plus intéressants.
Alors, ne craignez pas la conception sonore de vos échantillons ou de vos synthés de batterie.
Variantes et arrangement
Ableton et Logic offrent tous deux des vues de clip assez intuitives qui permettent d'essayer facilement différents arrangements pour différentes parties de votre piste.
Pour programmer un bon arrangement de batterie, vous aurez besoin de variations avec des parties de votre kit en sourdine ainsi que de variations rythmiques.
Trier la façon dont les variations sonneront dans votre programmation de batterie peut vous aider à décider ce qui est nécessaire pour les accumulations, les pannes et autres changements dans l'arrangement de votre piste.
Ableton et Logic offrent tous deux des vues de clip assez intuitives qui permettent d'essayer facilement différents arrangements pour différentes parties de votre piste.
Pour programmer un bon arrangement de batterie, vous aurez besoin de variations avec des parties de votre kit en sourdine ainsi que de variations rythmiques.
Trier la façon dont les variations sonneront dans votre programmation de batterie peut vous aider à décider ce qui est nécessaire pour les accumulations, les pannes et autres changements dans l'arrangement de votre piste.
Timing, groove et sensation
Parfois, une partie de batterie mécanique est exactement ce que le médecin a prescrit. De nombreux genres, comme la techno glitchy ou la trance EDM, nécessitent un rythme très robotique et parfaitement synchronisé.
Mais dans de nombreux cas, l'utilisation d'un timing légèrement imparfait crée une sensation humaine agréable et décalée qui ajoute un degré de groove et de funk à une partie de batterie.
Un timing légèrement imparfait crée une sensation humaine agréable et décalée qui ajoute un degré de groove à une partie de batterie.
Créer un timing authentique à consonance humaine avec une programmation de batterie dans un format électronique peut être incroyablement difficile.
La meilleure façon est de jouer manuellement vos rythmes avec un pad MIDI sensible, comme je l'ai fait dans certains cas pour la création de ce pack MIDI de batterie.
Mais, si cela ne fonctionne pas pour vous, envisagez de déplacer légèrement la caisse claire et les claps hors de la grille, ou utilisez un LFO pour faire osciller subtilement le temps d'attaque de vos charlestons et caisses claires.
Ajouter un peu de variation imparfaite à vos rythmes est un excellent moyen d'humaniser votre batterie et d'ajouter un groovy supplémentaire et imperceptible à votre musique.
Parfois, une partie de batterie mécanique est exactement ce que le médecin a prescrit. De nombreux genres, comme la techno glitchy ou la trance EDM, nécessitent un rythme très robotique et parfaitement synchronisé.
Mais dans de nombreux cas, l'utilisation d'un timing légèrement imparfait crée une sensation humaine agréable et décalée qui ajoute un degré de groove et de funk à une partie de batterie.
Un timing légèrement imparfait crée une sensation humaine agréable et décalée qui ajoute un degré de groove à une partie de batterie.
Créer un timing authentique à consonance humaine avec une programmation de batterie dans un format électronique peut être incroyablement difficile.
La meilleure façon est de jouer manuellement vos rythmes avec un pad MIDI sensible, comme je l'ai fait dans certains cas pour la création de ce pack MIDI de batterie.
Mais, si cela ne fonctionne pas pour vous, envisagez de déplacer légèrement la caisse claire et les claps hors de la grille, ou utilisez un LFO pour faire osciller subtilement le temps d'attaque de vos charlestons et caisses claires.
Ajouter un peu de variation imparfaite à vos rythmes est un excellent moyen d'humaniser votre batterie et d'ajouter un groovy supplémentaire et imperceptible à votre musique.
Pack MIDI de 15 patterns de batterie classiques
Très bien, maintenant que nous avons exploré un peu comment vous pouvez créer vos propres motifs de batterie, jetons un coup d'œil à quelques motifs de batterie relativement simples qui sont parfaits pour débuter avec la programmation de batterie.
Ceux-ci sont conçus pour faire avancer votre créativité, ils ne sont certainement pas destinés à être un rythme fini, même si vous êtes invités à utiliser le pack MIDI gratuit qui accompagne cet article comme vous le souhaitez.
Créez votre prochain hit avec une collection de plus d'un million de crochets, boucles, effets, voix, rythmes exclusifs et libres de droits et plus encore. Essayez les échantillons LANDR
J'ai divisé mes réflexions sur les motifs de batterie en différentes sections de genre. Voici les bases d'une poignée de genres électroniques populaires qui vous aideront à démarrer votre programmation de batterie
Très bien, maintenant que nous avons exploré un peu comment vous pouvez créer vos propres motifs de batterie, jetons un coup d'œil à quelques motifs de batterie relativement simples qui sont parfaits pour débuter avec la programmation de batterie.
Ceux-ci sont conçus pour faire avancer votre créativité, ils ne sont certainement pas destinés à être un rythme fini, même si vous êtes invités à utiliser le pack MIDI gratuit qui accompagne cet article comme vous le souhaitez.
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J'ai divisé mes réflexions sur les motifs de batterie en différentes sections de genre. Voici les bases d'une poignée de genres électroniques populaires qui vous aideront à démarrer votre programmation de batterie
Motifs de batterie house
Il y a quelques agrafes dans la batterie house qui unissent la plupart des morceaux house.
Le premier est l'utilisation prédominante du son de la boîte à rythmes TR-909 - cet ensemble de sons de batterie définit ce genre, alors procurez-vous un bon pack d'échantillons de cette machine emblématique.
Rythmiquement, la house music s'inspire beaucoup de la musique disco. Il n'est pas surprenant que le motif de coup de pied à quatre sur le sol du disco soit largement utilisé partout.
Au-delà de cela, les producteurs de house ont tendance à utiliser de simples modèles de charleston et à s'appuyer sur de nombreuses percussions auxiliaires comme les crashs, les manèges, les claves, les toms, les congas, les bongo, les triangles et au-delà.
Voici quelques rythmes house de base pour vous inspirer.
Il y a quelques agrafes dans la batterie house qui unissent la plupart des morceaux house.
Le premier est l'utilisation prédominante du son de la boîte à rythmes TR-909 - cet ensemble de sons de batterie définit ce genre, alors procurez-vous un bon pack d'échantillons de cette machine emblématique.
Rythmiquement, la house music s'inspire beaucoup de la musique disco. Il n'est pas surprenant que le motif de coup de pied à quatre sur le sol du disco soit largement utilisé partout.
Au-delà de cela, les producteurs de house ont tendance à utiliser de simples modèles de charleston et à s'appuyer sur de nombreuses percussions auxiliaires comme les crashs, les manèges, les claves, les toms, les congas, les bongo, les triangles et au-delà.
Voici quelques rythmes house de base pour vous inspirer.
1. Batterie house des années 90
Voici un motif de batterie house très basique influencé par les années 90. Il s'agit d'une seule mesure 4/4 bouclée et subdivisée en doubles croches.
J'utilise 909 échantillons et j'ai ajouté des rythmes de style afro-cubain aux toms et un style clave au ride pour rendre les choses intéressantes.
Voici un motif de batterie house très basique influencé par les années 90. Il s'agit d'une seule mesure 4/4 bouclée et subdivisée en doubles croches.
J'utilise 909 échantillons et j'ai ajouté des rythmes de style afro-cubain aux toms et un style clave au ride pour rendre les choses intéressantes.
2. Batterie tech house
Dans mon rythme inspiré de la tech house, j'ai opté pour un arrangement plus subtil, avec un charleston fermé sur le contretemps et des charleys syncopés à la triple croche hors grille.
J'ai également ajouté du swing DAW de style MPC en utilisant le pool de grooves d'Ableton, car la tech house (et la plupart des musiques house, en fait) intègre généralement un certain niveau de swing.
Dans mon rythme inspiré de la tech house, j'ai opté pour un arrangement plus subtil, avec un charleston fermé sur le contretemps et des charleys syncopés à la triple croche hors grille.
J'ai également ajouté du swing DAW de style MPC en utilisant le pool de grooves d'Ableton, car la tech house (et la plupart des musiques house, en fait) intègre généralement un certain niveau de swing.
3. Tambours house minimalistes
On peut dire que la house minimale concerne beaucoup plus la conception sonore et les tonalités utilisées que les arrangements rythmiques, mais des rythmes dépouillés qui font de la place pour les synthés plus ambiants et délavés de ce genre sont nécessaires pour garder le mélange clair.
Voici un rythme simple qui réduit le charleston à un seul coup décalé et comporte un petit remplissage à la fin de la boucle.
On peut dire que la house minimale concerne beaucoup plus la conception sonore et les tonalités utilisées que les arrangements rythmiques, mais des rythmes dépouillés qui font de la place pour les synthés plus ambiants et délavés de ce genre sont nécessaires pour garder le mélange clair.
Voici un rythme simple qui réduit le charleston à un seul coup décalé et comporte un petit remplissage à la fin de la boucle.
4. Batterie deep house
En allant dans la direction opposée, j'ai un motif de batterie inspiré de la deep house plus long et plus étoffé. Il utilise des remplissages plus complexes sur la caisse claire et des chapeaux groovy.
Encore une fois, ce sont les échantillons, la conception sonore et les choix de mixage que vous ferez qui feront vraiment le succès de ce groove, mais ce rythme est un excellent point de départ pour créer un morceau deep house convaincant.
En allant dans la direction opposée, j'ai un motif de batterie inspiré de la deep house plus long et plus étoffé. Il utilise des remplissages plus complexes sur la caisse claire et des chapeaux groovy.
Encore une fois, ce sont les échantillons, la conception sonore et les choix de mixage que vous ferez qui feront vraiment le succès de ce groove, mais ce rythme est un excellent point de départ pour créer un morceau deep house convaincant.
Motifs de batterie techno
Il est facile de dire que les batteries techno sont essentiellement des batteries house mais plus rapides - et à bien des égards, c'est vrai.
Mais les motifs de batterie techno s'éloignent de la house dans le bas du spectre. Ils utilisent généralement des coups de pied beaucoup plus intenses et percutants et laissent généralement le haut de gamme aux synthés et aux hauts-de-forme clairsemés.
Encore une fois, la conception sonore et le choix des échantillons sont la clé du succès de la production techno. Sans parler des arrangements de bon goût qui font de la place pour les accumulations et les pannes.
Voici quelques méthodes de base pour commencer avec la programmation de batterie techno.
Il est facile de dire que les batteries techno sont essentiellement des batteries house mais plus rapides - et à bien des égards, c'est vrai.
Mais les motifs de batterie techno s'éloignent de la house dans le bas du spectre. Ils utilisent généralement des coups de pied beaucoup plus intenses et percutants et laissent généralement le haut de gamme aux synthés et aux hauts-de-forme clairsemés.
Encore une fois, la conception sonore et le choix des échantillons sont la clé du succès de la production techno. Sans parler des arrangements de bon goût qui font de la place pour les accumulations et les pannes.
Voici quelques méthodes de base pour commencer avec la programmation de batterie techno.
5. Coups de pied grondants
Dans ce motif de batterie techno assez simple, j'ai décrit le motif de coup de pied grondant entendu dans la techno d'entrepôt percutante.
En ce qui concerne le MIDI, la clé principale est d'obtenir la bonne quantité de swing et les signaux de vélocité.
Dans ce motif de batterie techno assez simple, j'ai décrit le motif de coup de pied grondant entendu dans la techno d'entrepôt percutante.
En ce qui concerne le MIDI, la clé principale est d'obtenir la bonne quantité de swing et les signaux de vélocité.
6. Toms glitchs
Dans ce motif de batterie techno légèrement plus intégré, j'ai un coup de pied de grondement supplémentaire plus un remplissage de tom et d'applaudissements.
C'est un autre exemple de la façon dont vous pouvez rapidement créer un arrangement techno et commencer à ajouter des éléments simples qui font immédiatement ressortir divers rythmes.
Dans ce motif de batterie techno légèrement plus intégré, j'ai un coup de pied de grondement supplémentaire plus un remplissage de tom et d'applaudissements.
C'est un autre exemple de la façon dont vous pouvez rapidement créer un arrangement techno et commencer à ajouter des éléments simples qui font immédiatement ressortir divers rythmes.
Motifs de batterie Trap
Les caractéristiques de la batterie trap sont ses motifs de charleston ultra-rapides, ses ostinatos 808 en plein essor et l'utilisation prédominante d'échantillons inspirés de la TR-808.
Voici deux motifs de batterie de base inspirés du piège.
Les caractéristiques de la batterie trap sont ses motifs de charleston ultra-rapides, ses ostinatos 808 en plein essor et l'utilisation prédominante d'échantillons inspirés de la TR-808.
Voici deux motifs de batterie de base inspirés du piège.
7. 32èmes rapides
Si vous aimez ces chapeaux de piège rapides, jetez un coup d'œil à celui-ci - j'ai ici des rouleaux de doubles croches et de croches avec lesquels vous pouvez jouer.
Si vous aimez ces chapeaux de piège rapides, jetez un coup d'œil à celui-ci - j'ai ici des rouleaux de doubles croches et de croches avec lesquels vous pouvez jouer.
8. Chapeaux ouverts avec triplés
Voici un motif de batterie trap qui incorpore des triolets de croches groovy juxtaposés à des roulements de doubles croches à trois temps et des chapeaux ouverts.
Mélanger et assortir ces deux motifs est certainement un bon endroit pour commencer à trouver l'inspiration pour vos propres beats trap !
Créez votre prochain hit avec une collection de plus d'un million de crochets, boucles, effets, voix, rythmes exclusifs et libres de droits et plus encore. Essayez les échantillons LANDR
Voici un motif de batterie trap qui incorpore des triolets de croches groovy juxtaposés à des roulements de doubles croches à trois temps et des chapeaux ouverts.
Mélanger et assortir ces deux motifs est certainement un bon endroit pour commencer à trouver l'inspiration pour vos propres beats trap !
Créez votre prochain hit avec une collection de plus d'un million de crochets, boucles, effets, voix, rythmes exclusifs et libres de droits et plus encore. Essayez les échantillons LANDR
Motifs de batterie hip-hop
La programmation de batterie hip-hop est un peu plus lâche et plus funky, principalement en raison des racines du genre dans l'échantillonnage manuel de vrais batteurs de soul et de funk, puis dans la programmation de rythmes de batterie de base.
C'est pourquoi j'ai joué manuellement dans le hip-hop ces motifs de batterie hip-hop via mon kit de batterie MIDI et j'ai essayé de garder autant de sensation humaine avec une quantification minimale.
La programmation de batterie hip-hop est un peu plus lâche et plus funky, principalement en raison des racines du genre dans l'échantillonnage manuel de vrais batteurs de soul et de funk, puis dans la programmation de rythmes de batterie de base.
C'est pourquoi j'ai joué manuellement dans le hip-hop ces motifs de batterie hip-hop via mon kit de batterie MIDI et j'ai essayé de garder autant de sensation humaine avec une quantification minimale.
9. La caisse claire ivre
Pour celui-ci, je me suis inspiré du producteur légendaire, J Dilla. Il est célèbre pour avoir utilisé une caisse claire traînante et tardive qui est fortement derrière le rythme de la chanson.
Écoutez comment la caisse claire arrive bien avant les 2 et 4 temps.
Pour celui-ci, je me suis inspiré du producteur légendaire, J Dilla. Il est célèbre pour avoir utilisé une caisse claire traînante et tardive qui est fortement derrière le rythme de la chanson.
Écoutez comment la caisse claire arrive bien avant les 2 et 4 temps.
10. Funky boum-bap
Voici un groove boom bap assez classique qui s'inspire du type de batterie que vous pourriez entendre sur un des premiers morceaux de Nas ou de Biggie Smalls.
Voici un groove boom bap assez classique qui s'inspire du type de batterie que vous pourriez entendre sur un des premiers morceaux de Nas ou de Biggie Smalls.
11. Chapeaux funk 16e note
J'ai un autre groove ici qui utilise un motif de 16e note sur les charleston et un coup de pied et une caisse claire funky boom-bap pour le rendre vraiment hip-hop.
J'ai un autre groove ici qui utilise un motif de 16e note sur les charleston et un coup de pied et une caisse claire funky boom-bap pour le rendre vraiment hip-hop.
Motifs de batterie DNB
La musique de batterie et de basse ou DNB est très axée sur la batterie - elle comporte généralement des échantillons de pause de batterie incroyablement occupés et accélérés soutenus par des nappes de synthé espacées et des arpégiateurs à carillon.
La plupart de la musique de batterie et de basse est composée d'échantillons de disques de soul et de funk de la vieille école.
Mais aujourd'hui, vous pouvez certainement obtenir le même effet en utilisant le MIDI, plus tout le contrôle sur la conception sonore et le choix des échantillons que l'échantillonnage vous donne.
La musique de batterie et de basse ou DNB est très axée sur la batterie - elle comporte généralement des échantillons de pause de batterie incroyablement occupés et accélérés soutenus par des nappes de synthé espacées et des arpégiateurs à carillon.
La plupart de la musique de batterie et de basse est composée d'échantillons de disques de soul et de funk de la vieille école.
Mais aujourd'hui, vous pouvez certainement obtenir le même effet en utilisant le MIDI, plus tout le contrôle sur la conception sonore et le choix des échantillons que l'échantillonnage vous donne.
12. La pause Amen
Peut-être le break le plus légendaire de tous les breaks de batterie - le break amen est largement utilisé dans la musique DNB.
Les producteurs adorent le hacher et le plier en de nombreuses variantes. Voici à quoi cela ressemble sur un roulement MIDI.
Peut-être le break le plus légendaire de tous les breaks de batterie - le break amen est largement utilisé dans la musique DNB.
Les producteurs adorent le hacher et le plier en de nombreuses variantes. Voici à quoi cela ressemble sur un roulement MIDI.
13. Accélérez la pause
Si vous voulez faire de la musique DNB, vous devez être très bon pour découper des échantillons de break de batterie.
Les producteurs les accélèrent souvent à des vitesses presque inhumaines, créant une caisse claire aiguë et grinçant des charlestons et des cymbales.
En plus de travailler avec le MIDI, votre meilleur pari pourrait être de prendre des pauses de batterie libres de droits et de commencer à découper vos propres pauses.
Si vous voulez faire de la musique DNB, vous devez être très bon pour découper des échantillons de break de batterie.
Les producteurs les accélèrent souvent à des vitesses presque inhumaines, créant une caisse claire aiguë et grinçant des charlestons et des cymbales.
En plus de travailler avec le MIDI, votre meilleur pari pourrait être de prendre des pauses de batterie libres de droits et de commencer à découper vos propres pauses.
Autres motifs de batterie EDM
Il y a tellement de genres de musique électronique et chacun vient avec ses propres considérations.
Et bien que de nombreux genres soient très similaires, ce sont les différences subtiles qui rendent chaque variation spéciale.
Jetons un coup d'œil à certains sous-genres plus obscurs mais en demande avec des considérations de batterie uniques.
Il y a tellement de genres de musique électronique et chacun vient avec ses propres considérations.
Et bien que de nombreux genres soient très similaires, ce sont les différences subtiles qui rendent chaque variation spéciale.
Jetons un coup d'œil à certains sous-genres plus obscurs mais en demande avec des considérations de batterie uniques.
14. Motif de batterie transe
Les motifs de batterie Trance s'inspirent beaucoup de la batterie house, mais ils ont tendance à comporter des motifs de charleston roulants et des coups syncopés de tom ou de conga.
Voici un point de départ et une inspiration pour ce à quoi pourrait ressembler un motif de batterie trance.
Les motifs de batterie Trance s'inspirent beaucoup de la batterie house, mais ils ont tendance à comporter des motifs de charleston roulants et des coups syncopés de tom ou de conga.
Voici un point de départ et une inspiration pour ce à quoi pourrait ressembler un motif de batterie trance.
15. Modèle de batterie Eurodance
Les tambours Eurodance sont également très inspirés de la maison, mais ils présentent généralement un peu plus de variation sur le chapeau haut de forme et utiliseront des tambours auxiliaires comme des coups de jante et des tambourins au lieu de congas et de toms.
Ils sont très enclins à utiliser un motif de charleston roulant avec un chapeau ouvert étouffé sur les deux et quatre.
Les tambours Eurodance sont également très inspirés de la maison, mais ils présentent généralement un peu plus de variation sur le chapeau haut de forme et utiliseront des tambours auxiliaires comme des coups de jante et des tambourins au lieu de congas et de toms.
Ils sont très enclins à utiliser un motif de charleston roulant avec un chapeau ouvert étouffé sur les deux et quatre.
16. Motif de batterie Synthwave
La musique Synthwave s'inspire de la musique punk. Il suffit d'écouter Joy Division ou The Ramones et vous comprendrez ce que je veux dire.
La plupart des rythmes d'onde de synthé sont des grooves rock dépouillés avec de simples tom-tom réglés sur des échantillons Linndrum ou TR-909.
Voici un exemple à essayer.
La musique Synthwave s'inspire de la musique punk. Il suffit d'écouter Joy Division ou The Ramones et vous comprendrez ce que je veux dire.
La plupart des rythmes d'onde de synthé sont des grooves rock dépouillés avec de simples tom-tom réglés sur des échantillons Linndrum ou TR-909.
Voici un exemple à essayer.
17. Motif de batterie Dubstep
La batterie Dubstep est difficile à décrire, mais en bref, elle utilise des influences du hip-hop et de la trap pour créer un groove lourd.
Voici un exemple de quelque chose que je considère comme s'inscrivant dans le canon du dubstep.
Créez votre prochain hit avec une collection de plus d'un million de crochets, boucles, effets, voix, rythmes exclusifs et libres de droits et plus encore. Essayez les échantillons LANDR
La batterie Dubstep est difficile à décrire, mais en bref, elle utilise des influences du hip-hop et de la trap pour créer un groove lourd.
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Rythmez votre prochain morceau
Maintenant que vous connaissez certaines des bases nécessaires à une bonne programmation de batterie et que vous avez quelques modèles pour commencer, téléchargez le MIDI et commencez à créer vos propres rythmes.
Soyez créatif et amusez-vous à créer vos propres idées de batterie pour vos morceaux !
Alex Lavoie travaille comme scénariste chez LANDR le jour et écrit des airs post-punk indépendants dans son groupe UTILS tout en travaillant au noir en tant que batteur pour le groupe folk-rock The Painters .
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Motifs de batterie. Programmation de batterie. La partie amusante de la production de musique électronique .
Mais je suis sûr que vous serez d'accord avec moi quand je dis que la programmation de batterie n'est pas toujours la partie la plus facile du processus.
En fait, c'est bien souvent le plus frustrant. Vous avez du mal à choisir les bons échantillons et vos motifs ne sonnent tout simplement pas aussi bien que ceux des chansons que vous écoutez tous les jours.
Heureusement, cela devient plus facile, surtout si vous consacrez du temps et des efforts à apprendre la programmation de batterie. C'est exactement ce que je vais vous apprendre dans cet article.
Dans ce guide complet (~6 000 mots), vous apprendrez :
- Qu'est-ce que la programmation de batterie et pourquoi est-ce important ?
- Matériel source : où trouver de bons échantillons et bien les utiliser
- Simplicité, complexité, variation et intérêt
- Swing et groove
Ensuite, il y a une section intitulée Genre Studies . C'est là que nous analyserons une piste dans chaque genre majeur (Trance, House , Drum and Bass , Future Bass et Dubstep), en étudiant le style de batterie et en expliquant comment ces motifs de batterie sont programmés.
Assez de cela, allons-y.
Mise à jour : J'ai rassemblé un pack de deux feuilles de triche auxquelles vous pouvez facilement vous référer lors de la production. Ceux-ci couvrent les conseils de cet article.
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Qu'est-ce que la programmation de batterie ?
La programmation de la batterie consiste essentiellement à composer avec la batterie. Vous ne jouez pas en direct, vous tracez des sons dans une séquence particulière.
Cela diffère de la synthèse de batterie en ce que vous ne créez pas réellement les sons que vous utilisez (bien que l'on puisse dire que la synthèse de batterie fait partie de la programmation de batterie).
En conséquence, vous créez des motifs de batterie , que vous pouvez mettre en boucle, créer des variations et arranger.
L'importance d'une bonne programmation de batterie
Il y a un élément musical qui est fondamental dans la musique de danse…
Rainure.
Sans un groove solide, la musique dance n'est pas de la musique 'dance', c'est juste une autre forme de musique expérimentale bizarre.
Le groove devrait être la base de tous vos morceaux, en supposant que votre objectif est de faire danser les gens (par danse, j'entends tout, du tapotement du pied à la rotation avec tous les membres qui s'agitent partout).
Les gens s'accrochent à ça parce qu'ils pensent que le groove signifie baisser le tempo à 125 BPM et faire un morceau funky tech house. Ce n'est pas ce que je veux dire ici.
Groove peut prendre de nombreuses formes différentes ; une piste de batterie et de basse à 175 BPM peut avoir du groove, tout comme un banger tech-trance à 140 BPM peut le faire.
Groove ne signifie pas swing, cela signifie simplement que le morceau a un rythme solide auquel les gens peuvent s'identifier.
Comment Groove est formé
Tous les instruments et motifs d'une chanson doivent contribuer au groove, mais il y en a deux en particulier qui en jettent les bases : la batterie et la basse .
Bien que les deux fonctionnent ensemble, il existe une différence significative entre la batterie et la basse en termes de contribution au groove.
Si vous mettez votre ligne de basse en solo, elle n'aura pas beaucoup de groove. Il doit fonctionner en relation avec quelque chose, c'est-à-dire la batterie. Cependant, si vous isolez votre section de batterie, vous aurez un groove.
Ainsi, nous pouvons affirmer que le groove se forme d'abord et avant tout avec des motifs de batterie. Dans ce cas, ne pensez-vous pas que nous devrions faire un effort considérable pour les programmer ?
Les avantages d'apprendre à programmer la batterie
À la base, la programmation de batterie est facile. Il n'est pas difficile de créer un motif de base de batterie kick-hat-snare.
Cependant, lorsque vous approfondissez la programmation de la batterie, vous constatez qu'il y a beaucoup à apprendre. Cela peut être une certaine technique, l'utilisation de polyrythmies, la programmation de motifs de charleston complexes, essayer de rendre votre batterie plus humaine, etc.
Apprendre à programmer des motifs de batterie, comme toute autre chose dans le domaine de la production musicale, est un processus qui dure toute la vie.
Mais il y a des avantages clés à être un bon programmeur de batterie :
- Vous avez un bon sens du rythme
- Vos morceaux ont généralement un bon groove
- Vous êtes doué pour choisir des échantillons et les manipuler
- Vous comprenez l'équilibre entre simple et complexe
Pourquoi? Parce que les compétences acquises grâce à la programmation de batterie s'appliquent également à d'autres facettes de la production musicale.
Bon vs Satisfaisant
Si vous ne l'avez pas remarqué, le titre de cette section s'intitule L'importance d' une bonne programmation de batterie.
Une bonne programmation de batterie se démarque. Il y a des morceaux magnifiquement composés qui ne sont pas à la hauteur de la batterie, et cela se remarque. Cela ne veut pas dire que la piste n'est pas géniale, mais c'est juste un peu décevant.
Ce qui soulève la question la plus importante, comment devient-on bon en programmation de batterie ?
Écoute, écoute et écoute
Vous ne pouvez pas dessiner une maison si vous ne savez pas à quoi ressemble une maison, tout comme vous ne pouvez pas programmer de bons motifs de batterie si vous ne savez pas à quoi ressemble une bonne batterie.
Neuf fois sur dix, lorsque les producteurs viennent me voir avec un problème, je réponds par « Tu dois écouter de la musique ».
Le problème pourrait être qu'ils ne peuvent pas trouver d'idée pour leur drop. Pas de soucis, allez écouter quelques gouttes.
Le problème pourrait être que leur intro semble trop ennuyeuse. OK, allez écouter quelques intros.
L'écoute est essentielle . Vous devez écouter des morceaux qui ont une bonne batterie. Non seulement vous devez les écouter, mais vous devez les analyser. Prenez des notes, demandez-vous pourquoi ils ont utilisé des sons particuliers, réfléchissez à la force du groove et aux sons qui y contribuent le plus.
En d'autres termes, c'est une écoute active . Traitez-le comme du temps de production et passez 30 à 60 minutes à écouter les pistes, en particulier les motifs de batterie de ces pistes.
Si vous avez besoin d'un point de départ, voici des morceaux que je considère comme ayant une batterie fantastique :
Loger
Transe
Drum and Bass/Breaks/Dubstep
Future Basse
Matériel source avant la compétence
Une bonne batterie commence par de bons échantillons. Comme le dit le vieil adage, vous ne pouvez pas polir une merde.
Plus votre matériel source est bon, moins vous avez de travail à faire. Il n'y a rien de mal à superposer 7 claps ensemble, mais parfois un clap suffit.
Il en va de même avec les coups de pied. La superposition de coups de pied est un processus complexe en soi, et il est souvent préférable de trouver un seul échantillon de coup de pied de qualité.
Évidemment, utiliser de bons échantillons signifie toujours que vous devez séquencer vos motifs de batterie. Les échantillons ne font pas le travail pour vous.
Ce qu'ils font, c'est augmenter les chances que votre batterie sonne bien dès le départ, et contrairement aux échantillons de mauvaise qualité, ils n'ont pas besoin d'autant de traitement pour s'adapter au reste de votre batterie.
Je ne vais pas vous dire comment choisir les bons échantillons pour votre section de batterie, car cela devrait être un processus intuitif. Il n'y a pas de méthode ou de technique pour choisir de bons échantillons, il s'agit d'utiliser votre oreille.
Une chose qui aide, bien sûr, est de développer votre oreille pour écouter des échantillons qui conviendront bien. La meilleure façon de le faire, autre que de s'entraîner, est d'écouter à nouveau d'autres musiques.
Où trouver de bons échantillons
Malheureusement, il existe de nombreux packs d'échantillons de mauvaise qualité, gratuits et payants. Un pack d'échantillons de bonne qualité devrait durer de nombreuses années et permettre la production de nombreux morceaux, mais ils sont difficiles à trouver.
Heureusement, j'ai gaspillé beaucoup d'argent sur ces choses, donc j'ai une bonne idée de ce qui est bon et mauvais. J'ai répertorié ci-dessous quelques bons packs d'échantillons pour chaque genre majeur:
EDM maison/moderne
Transe
Dubstep/Batterie et basse
Future basse/piège
Si vous envisagez d'acheter un pack d'échantillons particulier, je vous recommande fortement de télécharger un pack d'essai gratuit ou un pack de démonstration s'il est disponible. C'est un bon moyen de tester la qualité des échantillons et de décider si vous pensez que le pack est de qualité.
Un autre conseil que j'aurais aimé qu'on me dise est de garder votre collection d'échantillons au minimum . Vous n'avez vraiment besoin que de quelques bons packs et c'est tout. Plus vous avez d'échantillons, plus vous perdrez de temps à chercher le bon son. Économisez de l'argent et soyez créatif avec ce que vous avez.
L'un des sites Web les plus populaires pour télécharger des échantillons de batterie est Splice Sounds (sponsorisé). C'est un service d'abonnement mensuel qui vous permet de choisir parmi plus d'un million de sons dans tous les genres.
Il comprend des packs d'artistes pour des artistes tels que KSHMR, Deadmau5, KRNE, etc. , et vous pouvez être sélectif avec les sons exacts que vous souhaitez.
Échantillons gratuits?
Je n'ai lié que quelques packs d'échantillons premium ci-dessus. Je recommande fortement d'acheter au moins un pack d'échantillons, car la qualité est généralement bien meilleure que les packs d'échantillons gratuits, mais cela ne signifie pas que de bons packs d'échantillons gratuits n'existent pas.
Il existe un certain nombre d'endroits où vous pouvez trouver des échantillons gratuits, y compris notre liste de packs d'échantillons gratuits :
Vos échantillons ne sont pas aussi mauvais que vous le pensez
Lorsque vous avez trop de packs d'échantillons, vous avez tendance à rechercher l' échantillon parfait . En fait, cela peut arriver quel que soit le nombre de packs d'échantillons dont vous disposez.
Parfois, vous chercherez un son particulier, disons un clap, et vous en trouverez un qui s'adapte parfaitement sans aucun réglage. Cela arrive de temps en temps, et c'est super.
La plupart du temps, cela n'arrive pas; vous rencontrerez des échantillons qui sonnent comme s'ils pouvaient s'adapter, des échantillons qui sont corrects , des échantillons qui ont des défauts mineurs, etc.
Ce sont les échantillons que vous devriez utiliser. Ne perdez pas votre temps à rechercher l'échantillon parfait, c'est une utilisation inefficace de votre temps. Recherchez l'échantillon qui fonctionne bien, puis traitez-le pour qu'il devienne l'échantillon parfait.
Par exemple, vous recherchez une caisse claire charnue qui a un joli bruit autour de 200 Hz et un haut de gamme net. Vous en croisez un qui a un joli thwack, mais pas assez haut de gamme. Utilise le. Ce n'est pas l'échantillon parfait, ce n'est pas exactement ce que vous recherchez, mais il fera l'affaire.
Après cela, vous pouvez soit augmenter le haut de gamme avec un égaliseur ou ajouter de la distorsion, soit le superposer avec un autre piège contenant le caractère haut de gamme que vous souhaitez.
Au lieu d'écouter l'échantillon tel qu'il est, écoutez ce qu'il pourrait être. Faites cela et vous constaterez que les échantillons que vous possédez sont bien plus utilisables que vous ne le pensez.
MIDI contre audio
Je ne veux pas m'attarder sur cette section, car en fin de compte, cela n'a pas d'importance.
Essentiellement, il existe deux façons principales de programmer des motifs de batterie : dessiner des notes MIDI ou faire glisser directement des échantillons audio.
Les deux ont leurs avantages et leurs inconvénients, que je vais aborder brièvement.
MIDI
Le MIDI est idéal si vous travaillez avec de la musique de type 4 sur le sol plus rigide, comme la trance, la house et la techno.
Avantages:
- Remplacement facile des échantillons de batterie
- Programmation de vitesse pour ajouter une sensation humaine
- Utilisation intuitive
- Avoir tous les tambours au même endroit
Les inconvénients:
- Difficile de mélanger et de traiter des sons de batterie individuels
- Moins visuel à des fins de mixage
- Visuellement séparé de l'arrangement - vous devez ouvrir le piano roll ou le séquenceur pas à pas dans votre DAW pour voir ce que vous avez fait
- Difficile d'effectuer un traitement audio non en temps réel sur des échantillons
- Boucles difficiles à utiliser
l'audio
Vous travaillez avec plus de genres acoustiques, ou peut-être aimez-vous ajouter du swing manuel ? L'audio pourrait être meilleur pour vous.
Avantages:
- La visualisation des échantillons est facile
- Modification rapide des échantillons
- Créez facilement différentes variations d'échantillons
- Flux de travail rapide - glisser-déposer
- Décalage manuel du temps pour les coups individuels plus facile (peut aussi être fait en MIDI, juste difficile de voir exactement ce qui se passe)
Les inconvénients:
- Difficile de remplacer les échantillons une fois qu'ils sont en place
- L'édition de hits individuels est plus fastidieuse
- Se salit avec beaucoup de couches
- Moins pratique et expressif, plus technique et précis
Jouez avec les deux façons de travailler. Peut-être aimeriez-vous travailler en MIDI, mais préférez-vous utiliser des pistes individuelles plutôt qu'un flux de travail de style rack de batterie . Ou peut-être êtes-vous comme moi et utilisez-vous les deux pour différentes applications et sons.
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Simplicité et complexité
La programmation de batterie semble simple, mais ne l'est pas.
Pour obtenir une section de batterie cohérente, vous devrez peut-être passer un temps fou à ajuster la vélocité de vos charlestons ou la queue de chute de la réverbération sur votre clap. Ce sont les subtilités mineures qui reflètent vos goûts et ajoutent de la complexité à une partie apparemment simple de votre chanson.
La simplicité va loin
De nombreux producteurs, cependant, estiment qu'ils doivent se concentrer sur la complexité plus que tout. Ils pensent que leur batterie doit avoir au moins 15 canaux différents, et que plus ils ajoutent de percussions, mieux c'est.
Le problème de la surcomplexité ou de la surproduction est important. C'est un tel sujet que je préfère l'aborder dans un article dédié.
La chose importante à noter ici est que la solution simple est souvent la meilleure. Cela signifie que si vous créez une piste house progressive de type Deadmau5 et que vous n'êtes pas sûr de devoir ajouter un son de percussion supplémentaire, vous devriez faire l'erreur de ne pas le faire.
L'autre raison d'éviter la complexité est que votre batterie, bien qu'essentielle, ne constitue qu'une seule partie de la piste. Vous devez laisser de la place pour vos basses, synthés, effets et autres éléments audio dispersés dans l'endroit.
Si vous travaillez sur votre batterie au début du processus de production (et je vous recommande de le faire), vous devriez réfléchir à l'avance à ce que vous allez ajouter par la suite et faire de la place en conséquence.
En plus de tout cela, plus votre batterie est simple, plus elle a d'impact. Le dubstep percutant qui était populaire il y a quelques années avait des motifs de batterie incroyablement simples, tout comme beaucoup de trance antérieures. Ce qui ressortait, c'est que chaque coup de batterie traversait le mix.
Lorsque vos sections de batterie sont trop complexes, les principales caractéristiques (kick, snares, claps, toms) de votre section de batterie deviennent souvent masquées.
Ajouter de l'intérêt et de la variation
Personne ne veut écouter exactement la même boucle de batterie à 1 mesure pendant 16 mesures. C'est ennuyant.
Oui, vous devriez avoir une boucle de batterie de base : dans la plupart des musiques de danse, ce sera votre coup de pied, vos applaudissements, votre chapeau et peut-être des toms ou d'autres percussions - les sons qui jouent à chaque mesure.
Mais vous souhaitez également ajouter du matériel pour rendre la boucle de batterie plus intéressante.
Je recommande de suivre l'approche 2/4/8, qui ressemble à ceci :
- Toutes les 2 mesures, faites jouer un coup de batterie particulier
- Toutes les 4 mesures, jouez un nouveau coup de batterie plus gros ou plus fort que celui de 2 mesures
- Toutes les 8 mesures, faites jouer un autre coup de batterie qui est plus grand que le coup de 2 mesures et de 4 mesures
En pratique, cela pourrait ressembler à :
- 2 mesures : clap renversé avant le dernier clap sur le 4 ème temps de la 2 ème mesure.
- 4 mesures : tom profond sur les 16 dernières mesures de la 4e mesure
- 8 mesures : gated snare sur le dernier temps de la 8 ème mesure
Faire cela transforme ce qui serait une boucle ennuyeuse de 8 mesures en une boucle beaucoup plus intéressante. C'est aussi un bon moyen d'incorporer de la micro-tension dans votre piste.
Vous n'avez pas besoin d'ajouter des échantillons supplémentaires pour ce faire. Ce que vous pouvez faire, c'est simplement varier la séquence à certains moments pour susciter l'intérêt.
Par exemple, au lieu d'avoir un clap inversé avant le dernier clap toutes les 2 mesures, vous avez le dernier clap frappé deux fois (un coup sur le temps, puis un autre juste après sur le contretemps).
Au lieu d'avoir un tom grave sur le dernier 16e de la 4e mesure, vous ajoutez un coup de pied supplémentaire. Et au lieu d'avoir une caisse claire fermée sur le dernier temps de la 8e mesure, vous supprimez tout sauf un clap.
Vous ne savez pas par où commencer pour ajouter de l'intérêt et de la variation à une boucle de batterie ? Analysez les boucles de batterie de vos chansons préférées. Apprenez comment ils changent et se développent, et appliquez les techniques à vos propres productions.
Utilisation du swing et du groove
Au-delà de la sélection des bons échantillons, de la disposition d'une section de batterie et de l'ajout de variations, il y a une autre chose que vous pouvez faire pour améliorer le son de votre batterie.
Balançoire.
Swing ajoute une sensation "humaine" au rythme de votre boucle de batterie. Il est défini par de subtiles variations de synchronisation et de vélocité qui améliorent le groove et le rythme d'une boucle.
Vous trouverez ci-dessous un exemple de groove appliqué à un groupe de batterie de base. Dans la première mesure, les tambours sont très statiques et rigides. Dans la deuxième mesure, il y a de subtiles variations dans le timing et la vélocité de la caisse claire et du haut-parleur.
Vous pouvez appliquer manuellement le swing aux motifs de batterie, ou vous pouvez configurer votre DAW pour qu'il le fasse pour vous. Presque tous les DAW offrent la possibilité d'ajouter du swing aux clips audio et MIDI.
En règle générale, il se trouve sous la section de quantification de la DAW que vous utilisez, mais certaines DAW seront différentes. Par exemple, Ableton Live dispose d'un pool de grooves dédié, comme indiqué ci-dessous.
Ajouter du groove ou du swing à vos motifs de batterie peut les faire passer de simples et ennuyeux à funky et excitants, ou cela peut complètement les gâcher.
J'aime utiliser un swing subtil sur presque tous les morceaux que je fais. C'est imperceptible, comme dans, si quelqu'un l'écoutait, il aurait du mal à entendre la balançoire faire son travail, mais dès qu'elle est éteinte, vous remarquez son absence.
Je vous encourage à expérimenter le swing. Il n'y a aucun moyen de vraiment vous "enseigner" comment l'utiliser, car c'est tellement subjectif.
Vous pourriez produire de la tech house funky où l'utilisation d'un swing lourd aura du sens, ou vous pourriez faire une transe édifiante à 138 BPM, auquel cas un swing lourd ne fonctionnera pas aussi bien.
Ajouter du swing à des sons individuels
C'est généralement une bonne idée d'ajouter du swing à toutes vos batteries, mais vous pouvez également l'appliquer à des instruments individuels.
Par exemple, vous ajoutez un shaker qui joue toutes les doubles-croches à votre boucle de batterie, mais vous trouvez que c'est un peu trop direct et ennuyeux. En même temps, vous ne voulez pas vraiment ajouter du swing à tout le reste, alors vous ajoutez du swing uniquement au shaker.
Cela ne fonctionne pas toujours et dépend en grande partie de la force du swing que vous ajoutez ainsi que des autres sons de batterie que vous utilisez, il est donc sage d'expérimenter.
Étude de genre : Transe
La transe n'est pas un genre qui repose sur la batterie autant que d'autres (comme la house ou la drum and bass). Cela étant dit, il y a encore beaucoup de choses intéressantes sur les motifs de batterie en transe sur lesquelles nous allons jeter un œil.
Nous examinerons la batterie dans deux principaux volets de la musique trance : édifiante et moderne.
Par édifiant, je veux dire des morceaux d'artistes comme Ian Standerwick, ReOrder, Photographer, etc.
Par moderne, j'entends des morceaux d'artistes comme Beat Service, Mark Sixma et Shogun.
Transe édifiante
La transe édifiante est fortement axée sur la mélodie et la progression. Plus récemment, cependant, les tambours en transe édifiante sont devenus un peu plus importants, en particulier le coup de pied.
Décomposer
La transe édifiante est assez simple en termes de programmation. Voici le pattern pour Boulevard de Jamie Walker : Et ça ressemble à ça :
Points clés
Il y a quelques choses que vous remarquez lorsque vous écoutez la batterie dans une transe édifiante. Le premier est la puissance du coup de pied. Les pistes de transe édifiantes utilisent généralement un coup de pied très lourd qui a beaucoup de puissance, parfois cela peut même sembler accablant, mais cela fonctionne dans le contexte de la piste.
La deuxième chose à remarquer est l'importance du contretemps. Souvent, il y aura un charleston ouvert sur le contre-temps pour aider à faire avancer la piste, ce qui fonctionne à l'unisson avec la chaîne latérale de pompage qui caractéristiques de transe les plus édifiantes.
Une autre chose à souligner est les applaudissements utilisés dans la transe édifiante. Les claps sont souvent très simples par rapport à d'autres genres, et ont tendance à avoir une longue queue qui tire parti de l'effet de "pompage". Ceci peut être réalisé en ajoutant une réverbération avec un long pré-délai à un clap de base.
Dans l'ensemble, la transe édifiante est assez basique en termes de batterie. S'il y a de la complexité, vous la trouverez dans le haut de gamme avec les charleys et les cymbales ride.
Il y a rarement des percussions bas de gamme en raison de la disposition de la ligne de basse, et aussi très peu de percussions dans les médiums en raison de la ligne de basse occupant également cette zone du spectre de fréquences.
Transe Moderne
Le son trance moderne qui est devenu plus populaire au cours des deux dernières années est beaucoup plus difficile à définir. D'un côté, vous avez la trance influencée par l'électro de style amélioré, et de l'autre, vous avez un son plus doux qui est toujours considéré comme moderne.
Je vais m'en tenir au son produit par des artistes comme Beat Service et Shogun.
Décomposer
Parce que ce style de musique est si diversifié, il est extrêmement difficile de donner ce qui serait un exemple moyen de la séquence de batterie. Certaines pistes de transe modernes sont très simples, suivant un schéma similaire à celui de l'élévation. D'autres sont beaucoup plus complexes. J'ai utilisé le remix Beat Service de Waiting For The Night d'Armin van Buuren comme exemple.
Voici à quoi cela ressemble :
Il y a aussi un peu de swing ajouté à ce modèle.
Points clés
Par rapport à la transe édifiante, les tambours de transe modernes ont tendance à être plus cassés. De courts sons de percussion interrompent le flux et rendent le motif plus complexe et intéressant.
La transe influencée par l'électro a tendance à comporter plus de toms et de percussions.
Transcend by ZERO en est un bon exemple : étant donné que la transe moderne/progressive est généralement beaucoup plus lente que l'élévation, vous pouvez programmer la batterie d'une certaine manière (de manière complexe) et elle ne sonnera pas aussi mal qu'à une vitesse plus rapide. tempo.
Par exemple, si la chanson ci-dessus jouait à 138 BPM, la batterie ne fonctionnerait pas aussi bien.
Étude de genre : House
La maison est très diversifiée. J'ai utilisé le terme house pour englober un large éventail de sous-genres allant de la deep house à la grande salle moderne, de la musique de type festival. Nous examinerons les sous-genres suivants :
- Electro House
- Maison profonde / future
- Maison de la technologie
- House tropicale/mélodique/froide
- Grande chambre
- Piège
- Future Basse
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Electro House
Avant de nous pencher sur les motifs de batterie dans le genre electro house, je veux clarifier ce que j'entends par electro house. Je ne prétends pas être un expert des genres et quoi, donc vous pouvez être en désaccord avec la façon dont je catégorise les choses, mais ce n'est pas ce qui compte ici. Ce qui compte, c'est d'apprendre à programmer la batterie.
Quand je parle d'électro house, je parle d'artistes comme Wolfgang Gartner, Feed Me, Mord Fustang, etc. Vous pourriez l'appeler complextro. La raison pour laquelle je fais cela est à cause du nombre de styles de musique différents que l'électro house englobe.
Si je suis les standards de Beatport, qui ne sont pas les meilleurs à mon avis, alors je devrais mettre Melbourne Bounce, Big Room et bien d'autres styles sous le même parapluie, ce qui est beaucoup trop difficile à faire.
Cela étant dit, s'il y a suffisamment de demande, je mettrai à jour cet article pour inclure des genres comme Melbourne Bounce. Faites-moi savoir dans les commentaires si vous souhaitez que cela se produise.
Décomposer
J'utilise le remix de Fussy Boy's Gold de Mord Fustang comme exemple. Pour moi, c'est l'exemple parfait de la batterie électro house classique. Simple, sale et efficace.
Voici à quoi cela ressemble :
Points clés
Une chose à noter à propos de la batterie électro house, ce sont les motifs incroyablement simples. La piste ci-dessus n'est littéralement qu'un motif de coup de pied, de chapeau et de caisse claire (bien qu'il y ait un charleston en couches avec le coup de pied).
Pourquoi sont-ils si simples ? Je dirais que c'est pour contraster avec l'arrangement complexe des basses et des synthés, mais ce n'est que moi.
Une autre chose à souligner est le son des tambours. Cela correspond au mixage plutôt qu'à la programmation, mais en général, les batteries électro house sont très sales et ressemblent à du "rock".
Un bon moyen d'y parvenir est d'utiliser une distorsion parallèle ou simplement de sélectionner des échantillons qui ont une caractéristique approximative.
Maison profonde/du futur
Passons maintenant au genre chaud du moment, la deep house.
J'ai aussi inclus la future house, juste parce que je ne veux pas qu'un élitiste vienne me dire que ce que j'appelle deep house n'est pas deep house.
Je parle du style de batterie utilisé par des artistes tels que Tchami, Gorgon City, Disclosure et Oliver Heldens. Appelez ça comme vous voulez, je vais m'en tenir à deep/future car le style de batterie des deux est très similaire.
Décomposer
La chanson que je modélise est Dreams de Tough Love .
Voici comment ça sonne :
Points clés
L'élément clé à noter avec la deep/future house est l'utilisation du swing. Ce n'est pas toujours utilisé, mais la plupart du temps, c'est le cas, et c'est un swing lourd.
De plus, cela n'affecte généralement que les doubles croches, de sorte que le charleston décalé ouvert n'est pas affecté. Ce sont les charleys fermés et les caisses claires qui contribuent au swing.
Il est également intéressant de voir à quel point les motifs de batterie sont lâches dans la plupart des chansons house profondes / futures. C'est très différent de la transe, par exemple, où la batterie est étroitement quantifiée et propre. Ce style de musique particulier permet également des samples un peu plus sales que d'habitude, à l'instar de l'électro house.
Et enfin, la batterie est assez simple en termes d'échantillons et de couches. De nombreux morceaux de deep house utilisent un clap 707 standard, par exemple. La ligne de basse est au centre de l'attention et la batterie est là pour la soutenir. Pas l'inverse.
Maison de la technologie
La tech house ressemble beaucoup à la deep house, mais il y a des différences évidentes quand on écoute attentivement. La batterie a tendance à prendre le pas sur la ligne de basse, par exemple.
Décomposer
Il existe des morceaux de tech house avec des motifs de batterie complexes que je pourrais utiliser comme exemple. Cependant, en raison de la taille de cet article, et qu'il n'est pas spécifique à la tech house, je vais utiliser une piste avec un motif de batterie tech house relativement simple mais classique; Café par Guille Placencia .
Voici comment ça sonne :
Points clés
La tech house peut être très diversifiée, de sorte que la batterie d'une piste peut sonner très différemment d'une autre. Cependant, il y a quelques plats à emporter.
La première est qu'il y a un gros accent sur le contretemps. Dans l'exemple ci-dessus, il y a une forte cymbale ride couplée à un charleston ouvert qui fait avancer la chanson.
Deuxièmement, la tech house a tendance à avoir beaucoup plus de percussions que, disons, la deep house. Vous entendrez souvent des percussions tribales, des toms, des roulements de caisse claire, etc.
Une autre chose que je n'ai pas encore abordée est que la tech house, ainsi que d'autres genres, y compris la deep house, utilise souvent un double coup de pied avant le début d'une phrase (toutes les 8 à 16 mesures environ).
Cela signifie qu'au lieu que le coup de pied joue… X – – – X – – – X – – – X – – – sur la dernière mesure, il joue… X – – – X – – – X – – – X – X – Ceci ajoute souvent un peu d'énergie et est un moyen efficace d'apporter un nouvel élément.
Recommandé : Comment faire de la musique house
Maison Tropicale/Mélodique
Un de mes genres préférés en ce moment, et pour cause. Ce type de musique est toujours agréable à écouter. C'est très créatif, et la batterie est toujours incroyable.
Décomposer
Je vais utiliser Firestone, le morceau populaire de Kygo, comme exemple :
Comment ça sonne:
Points clés
Contrairement à d'autres genres, il n'y a pas vraiment de motif de batterie commun dans le genre. Cela étant dit, il y a quelques éléments clés à noter, en particulier avec la piste de Kygo.
La chose qui ressort le plus, du moins pour moi, est la quantité de réverbération sur la batterie. À l'exception du coup de pied, chaque coup a une tonne de réverbération dessus. On pourrait dire que cela fait partie du style de Kygo seul, mais beaucoup d'artistes de ce genre font la même chose.
L'utilisation d'échantillons se démarque également. Beaucoup de chansons house mélodiques comporteront le clap sur le deuxième temps, mais pas sur le quatrième. Ou ils utiliseront un son différent pour le quatrième temps. Dans le cas de Firestone, Kygo a un schéma très intéressant, avec un snap sur le second suivi d'un sidestick/snare sur le troisième.
Grande chambre
Ah, grande pièce. Le genre le plus controversé de notre époque.
De quoi je parle ?
Je veux dire la musique du festival. Le gros hardstyle comme le kick, les mélodies supersaw et le drop simpliste. Ce n'est peut-être pas considéré comme de la musique house, mais cela vaut la peine d'être couvert, surtout compte tenu de sa popularité.
Décomposer
Parce que la batterie suit un modèle et un style communs, j'ai créé mon propre modèle au lieu d'en refaire un.
Comment ça sonne:
Points clés
La première pensée est, pourquoi ce motif de batterie est-il si simple ?
C'est simple parce que ça marche. La musique de festival n'est pas faite pour être écoutée chez soi et prodiguer sa complexité artistique.
Son but est de faire sauter les gens, de devenir fous et de s'amuser. Le festivalier moyen ne se soucie pas beaucoup de savoir si un producteur met quelques hits supplémentaires ici et là.
En règle générale, une grande pièce comportera un coup de pied subby et déformé. C'est évidemment un élément clé. Souvent, il est superposé avec un clap, qui a souvent beaucoup de réverbération ajoutée et est enchaîné au coup de pied. De plus, il n'est pas rare d'entendre une cymbale ride en plus de cela également.
De temps en temps, vous entendrez un tom jouer le même motif, ou un motif similaire à celui ci-dessus. Cela peut faire avancer la piste et ajouter de l'énergie supplémentaire après la lecture des 8 ou 16 mesures initiales du drop.
Quand il s'agit de choisir des échantillons et de programmer des batteries de grande salle, vous devez penser GRAND et rester simple.
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Passez des boucles ennuyeuses aux percussions professionnelles avec ces 10 conseils créatifs. Laissez-vous inspirer par des tactiques et des techniques pratiques prêtes à l'emploi (applicables dans n'importe quel DAW) 👇
Étude de genre : batterie et basse
Très bien, nous avons examiné les trucs à quatre sur le sol, il est donc temps de se diversifier et de regarder deux autres genres populaires, à commencer par la drum 'n' bass.
Pour être franc, je ne suis pas un producteur de drum 'n' bass et je ne l'ai jamais été. Mes connaissances sont quelque peu limitées, alors gardez cela à l'esprit lorsque vous parcourez cette section.
Si vous cherchez des conseils de pros, je vous recommande fortement de lire le post invité de Trevor Waldorf : Drum Tips From 6 Talented Drum & Bass Producers.
Décomposer
J'utilise Elevate This Sound de Calyx & Teebee comme exemple. Veuillez noter que je modélise la partie médiane de la piste qui ne contient pas toutes les percussions.
Comment ça sonne:
Points clés
La batterie et la basse sont rapides. Je dirais que c'est le genre de batterie le plus difficile à programmer, non seulement en raison de la vitesse, mais de l'importance de la batterie elle-même. Après tout, cela s'appelle Drum and bass.
L'un des éléments clés qui se démarque dans la batterie et la basse est la caisse claire. Il est absolument essentiel que vous obteniez la bonne caisse claire. Dans la house et la transe, le snare ou clap est un son supplémentaire. En drum 'n' bass et en dubstep, c'est un son fondamental (comme un kick le serait dans la house music).
Une autre chose qui se démarque est l'utilisation de charlestons. Il y a souvent plusieurs couches différentes de charleston en même temps. L'exemple ci-dessus est relativement simple en ce qui concerne la Drum 'n' bass.
Vous pouvez aller plus loin en superposant des pauses de batterie échantillonnées , en ajoutant cette touche organique.
Recommandé : Comment faire de la batterie et de la basse
Étude de genre : Dubstep
Comme la transe, il y a une sorte de désaccord sur ce qu'est le « vrai » dubstep. Vous avez le son original poussé par des artistes comme Benga et Coki, et le son plus moderne dont Zomboy et d'autres sont les partisans.
Décomposer
Je vais utiliser le terrain d'entente comme exemple. Un morceau que je considère avoir des éléments modernes tout en restant proche du son original. Ce morceau est Flying to Mars de Foreign Beggars feat. Donae'O .
Voici comment ça sonne :
Points clés
Les percussions en dubstep sont des éléments de soutien pour la ligne de basse, et sont donc assez simples et directes. Une chose à noter est la sensation décontractée de la batterie, en particulier dans cette piste particulière. Le rythme shuffle du charleston crée un groove très lâche qui fonctionne intelligemment avec la ligne de basse.
L'autre chose à remarquer dans ce morceau est la subtilité des percussions. Je ne l'ai pas remarqué au début, mais après avoir écouté plus attentivement, cela devient clair.
Étude de genre : Piège
Le trap est un genre très diversifié. Il existe plusieurs styles différents sur plusieurs BPM, chacun portant son propre groove et sa propre sensation. Il existe des pistes de trap classiques à 140/150 BPM, ainsi que des pistes à plus haute énergie autour de 80-90 BPM.
La batterie de presque toutes les chansons trap est définie par la grosse caisse, la caisse claire et le charleston. Les charlestons sont extrêmement importants pour la sensation des chansons trap, représentant les variations du rythme et du swing d'une piste.
Les sons de percussion utilisés dans les chansons trap modernes sont assez variés. Ils incluent souvent des sons obscurs et inhabituels qui ajoutent du caractère à une chanson.
Écoutez vos artistes préférés pour savoir quels types de sons de percussion ils utilisent et s'ils utilisent ou non les mêmes sons dans plusieurs chansons (il y a de fortes chances qu'ils le fassent).
Décomposer
Dans cette section, je décomposerai M. Carmack – Pay For What (Alexander Lewis Trombone Flip) . Ce motif de batterie est assez courant, j'ai donc pensé qu'il serait bon de le décomposer, ce qui vous donnerait un point de départ solide pour écrire un rythme trap.
Voici comment ça sonne :
Points clés
Cette chanson présente un motif classique à la mi-temps, avec la caisse claire sur le 3e temps de chaque mesure. Le motif de coup de pied est modérément actif pour une chanson trap, avec un double coup de pied percutant au début de la boucle. Le charleston est très actif, basculant régulièrement entre les 1/8e, 1/16e et 1/32e notes.
Comme vous pouvez l'entendre dans l'exemple audio, cela aide à faire avancer la boucle de batterie, la rendant dynamique et intéressante. Comme mentionné ci-dessus, vous ne voulez pas rendre vos motifs de batterie trop distrayants, mais il est beaucoup plus facile de construire une section mélodique lorsque votre section de batterie est solide.
De plus, le charleston dans cette boucle est joué à différentes vitesses. C'est une technique courante dans la batterie trap / hip hop. Dans cette piste, lorsque le charleston est amené pour la première fois, la vélocité est lentement augmentée. Cela crée une "houle de charleston" qui entraîne l'auditeur dans le troisième temps de la première mesure.
Étude de genre : Future Bass
Semblable à Trap, Future Bass couvre plusieurs styles et tempos différents. Les échantillons de batterie et les motifs de batterie de Future Bass sont similaires à ceux de Trap. De plus, les morceaux de Future Bass auront souvent des échantillons de batterie au son plus "acoustique".
Décomposer
Pour cet exemple, j'ai décomposé Can't Hide (feat. Ashe) de Whethan. Il s'agit d'un motif de batterie Future Bass classique, similaire à ceux des chansons d'artistes tels que Flume et Louis the Child.
Voici comment ça sonne :
Points clés
Le motif de batterie pour cette chanson est assez simple. Le rythme kick/snare est simple et statique. La seule variation dans cette boucle se fait via les claps, qui ont un motif légèrement différent dans la deuxième mesure de la boucle.
Le dernier élément est le ride, qui se joue sur chaque noire. Bien que cela n'ajoute pas grand-chose à la boucle, cela aide à garder le rythme et à remplir l'espace de la piste.
Bien que le motif de batterie de "Can't Hide" soit assez basique, il fonctionne pour la piste. Le refrain de cette chanson est occupé; à part la batterie, il y a une trompette, des plumes, 808 et des voix. Garder le battement de batterie simple laisse de la place à tous les autres instruments.
Lors de la programmation de vos propres boucles de batterie, assurez-vous de garder à l'esprit le reste de la chanson : la complexité n'est pas toujours meilleure. Prenez des décisions qui aident la piste dans son ensemble.
Recommandé : Comment créer une future basse
Trucs et astuces
- Utilisez largement ADSR pour adapter les échantillons au reste de votre batterie.
- Si vous devez ajouter beaucoup d'effets à votre échantillon pour l'adapter, c'est probablement un mauvais échantillon.
- Utilisez délibérément de mauvais échantillons pour invoquer des solutions créatives et uniques.
- Utilisez le swing sur des éléments individuels pour ajouter de la complexité.
- La simplicité va loin. Demandez-vous toujours si vous devez ajouter un autre son.
- Lors de la sélection d'échantillons, utilisez la fonction de recherche dans le navigateur d'échantillons de votre DAW. C'est beaucoup plus rapide et facile que d'ouvrir des dossiers de packs d'échantillons.
- Ajoutez de l'intérêt et de la variation. Avoir un son qui joue toutes les 1, 2, 4 et 8 mesures.
- Pour améliorer vos compétences en programmation de batterie, recréez des motifs à partir de pistes existantes dans votre genre.
- Gardez toujours de la place pour d'autres éléments (basse, synthés, voix, etc.).
Conclusion
Nous avons couvert beaucoup de matériel.
Nous avons examiné l'importance d'une bonne programmation de batterie, pourquoi vous devez écouter pour apprendre, et nous avons également travaillé sur une gamme de genres différents, en analysant la batterie dans une chanson de chacun
Bases de la structure rythmique
Salut Daniel! Veuillez nous dire quelque chose sur la structure du rythme. Je débute tout juste dans la production musicale et j'apprends à créer des rythmes, en particulier dans la musique psytrance. Utilisez-vous certaines techniques pour bien régler la batterie ? Ou conduit? Pouvez-vous donner quelques conseils?
Sébastien Howard
Sebastian, le meilleur conseil que je puisse donner est d'écouter beaucoup de musique et d'écouter attentivement comment les autres artistes font ce travail. Ne vous en tenez pas à un seul genre que vous aimez, en fait, vous pouvez aussi apprendre beaucoup des autres genres. Soit dit en passant, il n'y a pas de grande différence entre la structure rythmique de la Psytrance et d'autres genres, comme la House, par exemple, vous verrez pourquoi dans les exemples ci-dessous.
Pour répondre directement à votre question, oui, j'utilise certaines méthodes (ou concepts) pour construire une structure rythmique des morceaux. Les voici:
- Combler les lacunes
- Notez les différents modèles
- Laisse respirer
Passons en revue chacun d'eux.
Combler les lacunes
Dans la musique de danse électronique, tous les genres descendants issus de House utilisent un motif rythmique à quatre sur le sol, soit quatre grosses caisses par mesure. Commençons donc par les coups de pied.
Bon, nous avons la base du rythme. Pour construire le reste, j'utilise une méthode que j'appelle « fill the gaps ». Les écarts les plus grands et les plus évidents se situent entre chaque grosse caisse, les contretemps . Typiquement décalé est un endroit pour les hauts chapeaux ouverts. Je vais mettre des shakers à la place, ils occupent à peu près les mêmes fréquences hautes et un son plus fin, j'aime bien.
Habituellement, je ne fais pas cela, mais pour cet exemple particulier, je vais utiliser une boîte à rythmes dans Ableton plutôt que des Simplers séparés, afin que vous puissiez voir toutes les notes MIDI dans un seul clip :
Encore beaucoup de place. Maintenant, je vais mettre des charlestons fermés sur chaque double croche, puis j'ajouterai le contretemps classique - les 2e et 4e temps qui sont généralement joués par une caisse claire. Voici à quoi ça ressemble et sonne jusqu'à présent:
Nous allons bien, mais cette boucle n'a pas d'indicateurs de temps, il est facile de se perdre si vous la jouez en boucle. Ajoutons une cymbale crash à la mendicité comme horodatage. Dans la musique live, une cymbale crash est utilisée pour indiquer le début d'une nouvelle section, d'un refrain et d'un couplet, tandis que dans la musique électronique, elle est souvent placée toutes les 16 mesures.
De plus, je vais étendre cette boucle jusqu'à quatre mesures, donc nous aurons plus d'espace pour jouer. Et pour apporter une diversité supplémentaire, j'ajouterai un tom grave à la fin de la première mesure, puis une caisse claire supplémentaire à la fin de la deuxième mesure.
Maintenant, je veux vraiment mettre quelque chose dans la première moitié de chaque mesure, probablement un tom de milieu de gamme. Et nous devons mettre l'accent sur le backbeat puisque j'ai utilisé un clap assez court au lieu d'une caisse claire, donc je pense que je vais mettre une couche supplémentaire de claps en plus de cela.
Cela sonne déjà comme un groove solide. Mais pour les moments culminants, on peut aller encore plus loin et ajouter des cymbales ride pour accentuer le contretemps :
Enfin, plaçons ce groove dans le contexte d'un arrangement rapide, afin que nous puissions avoir des impressions d'un scénario d'utilisation du monde réel :
Notez les différents modèles
Est-ce que seule la batterie définit le motif rythmique du morceau ? La réponse est non. En fait, pratiquement tous les sons peuvent ajouter un groove à votre morceau. Le rythme peut être composé de stabs, de leads, de voix ou d'effets, et tous ces éléments peuvent apporter une belle diversité à votre morceau.
Vous trouverez ci-dessous un exemple de rythme entraîné par un motif mélodique. Regardez attentivement comment plus tard une autre couche mélodique apparaît, et cela change la perception du motif rythmique du morceau :
Encore un exemple similaire. Dans ce cas, le groove est totalement fait de mélodie et de synergie de ligne de basse. Et encore, plus tard, une autre couche mélodique entre en jeu, qui comble les lacunes.
Le morceau suivant, j'aimerais montrer un groove assez typique fait de basse et de batterie, mais ce qui est cool ici, c'est un accent sur le backbeat sous la forme d'une voix sur le dessus de la caisse claire. Encore une fois, vous pouvez trouver un tel modèle de Techno à Psytrance :
En parlant de voix, dans Genesis , j'ai utilisé l'effet gate sur un échantillon vocal pour donner un rythme de conduite supplémentaire après la panne, gardez à l'esprit cette astuce :
Sur ces pistes, le groove est entraîné par un son décalé, qui se répète moitié moins de fois - uniquement entre les 1er et 2e temps et les 3e et 4e temps :
Dans la musique Psytrance uptempo, le rythme est souvent basé sur le « dialogue » de coups, de pistes et d'effets :
Laisse respirer
Avoir un espace vide dans la piste n'est pas moins important qu'autre chose. Le premier principe que j'ai expliqué ci-dessus ne signifie pas que vous devez combler toutes les lacunes possibles, laissez-le respirer.
Celle-ci est probablement la partie la plus difficile car l'équilibre est très mince : si le morceau est trop vide, il sera monotone et ennuyeux, s'il est trop dense — sursaturé et plat.
Un bon morceau doit « respirer ». L'espace vide et rempli sur une piste est comme respirer et expirer, comme le yin et le yang, comme Tom et Jerry sont si différents mais nécessaires l'un pour l'autre.
Voici quelques exemples de la façon dont les éléments du morceau "respirent", formant un joli groove ensemble :
J'espère que cela aide.
Comment Créer Le Motif De Batterie Hip Hop Parfait À Chaque Fois
PAR DUSTI MIRAGLIA
Le bon motif de batterie hip hop peut faire ou défaire une piste.
Les motifs de batterie hip-hop sont à la base du genre, entraînant le rythme et donnant le ton pour le reste du morceau.
Lorsque vous produisez des rythmes hip-hop, vous devez créer des motifs de batterie qui attirent l'attention des auditeurs et les maintiennent accrochés.
Pour ce faire, vous devrez comprendre les éléments clés qui composent un rythme légendaire et professionnel.
Dans cet article, nous allons approfondir chacun de ces éléments et explorer des techniques pour vous aider à faire passer vos motifs de batterie au niveau supérieur.
Alors, plongeons et commençons à construire le motif de batterie hip hop ultime.
Table des matières [ afficher ]
Le Meilleur Motif De Grosse Caisse
Lorsque vous créez des motifs de batterie pour la musique hip hop, il est essentiel de trouver le bon équilibre entre les éléments de motif de grosse caisse et de grosse caisse.
Le motif de basse fournit la base basse fréquence de votre rythme, soutenant les coups de pied et ajoutant du poids au son global.
Pour atteindre cet équilibre, vous pouvez commencer par placer une note de basse sur le premier temps de chaque mesure, même si c'est la même hauteur à chaque fois.
Une fois aligné avec les coups de pied, vous pouvez alors jouer les deux éléments l'un contre l'autre sans sacrifier le poids de l'un ou l'autre élément.
Comme l'annulation de phase favorise le grave, vous devez vous assurer que le kick et la basse ne s'annulent pas, ce qui le rend extrêmement contre-productif.
Superposer le bas de gamme sans précaution entraînera souvent une perte de bas de gamme, avec moins que ce que vous auriez si vous n'en aviez qu'un.
Choisir La Bonne Grosse Caisse
Il est crucial de sélectionner le son de grosse caisse parfait pour votre motif de batterie hip hop, car il donne le ton à l'ensemble de votre morceau.
Les coups de pied que vous choisissez doivent compléter le genre et l'ambiance de votre musique.
Par exemple, si vous produisez une piste lourde et agressive, vous pouvez opter pour un coup de pied percutant et déformé, tandis qu'une piste plus décontractée peut nécessiter un son de coup de pied plus doux et plus rond.
Lors de la programmation de votre motif de batterie hip hop, essayez de basculer entre plusieurs grosses caisses au sein d'un même motif pour ajouter de la variété et de la profondeur à votre rythme.
En alternant entre différents sons de kick, vous pouvez créer des contrastes dynamiques et accentuer des sections ou des accents spécifiques, ce qui donne un motif de batterie plus captivant et engageant.
Expérimentez avec différentes textures et tonalités de coup de pied et utilisez-les de manière stratégique pour donner à votre rythme un caractère et un groove uniques.
Plusieurs Grosses Caisses
Lorsque vous sélectionnez plusieurs grosses caisses pour votre motif de batterie hip hop, il est important de choisir des grosses caisses qui se complètent.
Recherchez des coups de pied avec des qualités tonales distinctes qui peuvent fonctionner ensemble harmonieusement pour créer un son cohérent.
Par exemple, vous pouvez associer un coup de pied profond et sous-lourd à un coup de pied percutant de milieu de gamme pour couvrir un spectre de fréquences plus large.
De plus, considérez comment les transitoires et les caractéristiques de maintien de chaque coup de pied se mélangeront pour assurer un motif de batterie équilibré et bien défini qui maintiendra la clarté et l'impact.
Le Motif De Caisse Claire Traditionnel
La caisse claire est un autre élément essentiel d'un grand motif de batterie hip hop, agissant comme l'épine dorsale du rythme et définissant son groove.
Dans la plupart des motifs hip hop, la caisse claire frappe sur les deuxième et quatrième temps de la mesure, créant un sentiment de structure et de stabilité.
Cependant, vous pouvez également expérimenter en plaçant des coups de caisse claire hors du rythme ou en utilisant la syncope pour créer un motif de caisse claire plus complexe et engageant.
Briser Les Règles Des Modèles Créatifs
Expérimentez avec la programmation de caisses claires en utilisant différentes valeurs de division temporelle pour créer des motifs de batterie hip hop plus complexes et engageants .
Par exemple, vous pouvez placer la caisse claire principale sur le 1/4 de temps standard pour établir une base solide, tout en introduisant une caisse claire rebondie programmée en tiers (comme 1/3 ou 1/6) pour ajouter une touche rythmique unique à votre rythme. .
Cette approche peut créer des effets polyrythmiques intéressants et améliorer le groove global, faisant ressortir votre motif de batterie et gardant l'intérêt de l'auditeur.
Création D'un Motif De Charleston Captivant
Les charlestons sont l'épice qui ajoute de la saveur et du caractère à vos motifs de batterie hip hop.
Ils aident à établir la structure rythmique de votre rythme, fournissant une pulsation régulière qui fait avancer tout.
Les charlestons ajoutent également une sensation d'énergie haute fréquence à votre motif de batterie, aidant à créer un contraste avec le punch bas de gamme de la grosse caisse et de la basse .
Pour créer des roulements de charleston captivants dans vos motifs de batterie hip hop, expérimentez différentes valeurs de division temporelle.
Obtenir Des Roulements De Charleston Dynamiques Et Engageants
- Commencez par programmer un motif de charleston de base, tel que des croches ou des doubles croches, pour établir un rythme cohérent.
- Identifiez les moments de votre motif de batterie où vous souhaitez insérer des roulements de charleston. Il peut s'agir de transitions entre différentes sections ou d'accents qui suivent une caisse claire ou un coup de pied.
- Dans le piano roll, sélectionnez les notes de charleston où vous voulez que le roulement se produise. Modifiez les valeurs de division temporelle des notes sélectionnées pour créer le roulement. Par exemple, passez des doubles croches aux triples croches ou soixante-quatrièmes pour un effet de roulement rapide.
- Variez les valeurs de division temporelle au sein d'un même roulement pour créer des motifs rythmiques intéressants. Par exemple, commencez un roulement avec des triples notes et passez progressivement aux soixante-quatrièmes notes, ou vice versa.
- Pour ajouter plus de profondeur et de réalisme à vos roulements de charleston, ajustez les vélocités des notes individuelles. Des vitesses plus faibles au début et à la fin du roulement, tout en augmentant la vitesse au milieu, peuvent créer un effet crescendo et decrescendo naturel.
- N'ayez pas peur d'expérimenter des valeurs de division temporelle non conventionnelles, telles que des triolets ou des quintuplés, pour créer des roulements de charleston uniques et accrocheurs qui se démarquent.
Sélection Des Bons Échantillons De Charleston
Lorsque vous choisissez des échantillons de charleston pour votre motif de batterie hip hop, il est important de considérer comment ils s'adapteront à l'ambiance générale de votre morceau.
Un charleston clair et net pourrait être parfait pour une piste énergique et optimiste, tandis qu'un charleston plus sombre et plus silencieux pourrait mieux fonctionner pour un rythme atmosphérique de mauvaise humeur.
Expérimentez avec différents sons de charleston pour trouver la correspondance parfaite pour votre morceau.
Superposition D'échantillons De Charleston
Tout comme avec les caisses claires, la superposition d'échantillons de charleston peut vous aider à créer un son unique et intéressant sans les problèmes d'annulation de phase qui surviennent lors de la superposition de coups de pied.
En combinant différents sons de charleston, vous pouvez accentuer des plages de fréquences spécifiques et créer un motif texturé plus dynamique.
Essayez de superposer un charleston lourd et clair haut de gamme avec un charleston plus sombre et plus silencieux qui réside principalement dans le spectre inférieur (occupant les médiums) pour créer un son corsé qui ajoute de la profondeur à votre batterie hip-hop . motif .
Réglage Des Vélocités Et De La Hauteur Du Charleston
Ajuster les vélocités de vos coups de charleston peut ajouter une touche de réalisme et de dynamique à votre motif de batterie hip hop.
Drum Monkey (ci-dessus) vous permet de régler facilement la vélocité, ainsi que tous les autres paramètres vitaux, comme le Timing et le Swing, afin de créer la quintessence des motifs de batterie bruts.
En faisant varier la vélocité des coups de charleston individuels, vous pouvez créer une sensation plus organique et humaine à votre motif.
Lorsque vous apprenez à créer un rythme , expérimentez différents niveaux de vélocité pour trouver l'équilibre parfait qui ajoute de l'intérêt et de l'intrigue.
N'oubliez pas de manipuler la hauteur de vos tonneaux ou ceux qui se succèdent, comme une montée rapide en tangage pour le triplet de roulis qui est programmé avant le retournement.
Dans ces cas, il est généralement préférable de ne pas randomiser mais plutôt de tracer une rampe (haut/bas) comme indiqué ci-dessous.
Pour aller plus loin, donnez une randomisation évolutive en automatisant également ces valeurs.
Parfois, à l'intérieur du rouleau de piano, vous voudrez ajouter ou omettre certains motifs.
Cependant, une fois que vous supprimez une note, elle disparaît pour toujours.
Au lieu de cela, trouvez la fonction Ghost Notes à l'intérieur de votre DAW afin de la sauvegarder pour plus tard (si vous le souhaitez).
Humanisation De La Batterie Dans Piano Roll : Ajouter De La Vie Et Des Sensations À Vos Motifs De Batterie
L'une des clés pour créer une musique captivante et des motifs de batterie hip hop captivants est d'insuffler un sens de la vie et du réalisme à vos rythmes.
Les techniques d'humanisation de la batterie , telles que le réglage du volume et de la hauteur de chaque frappe, ainsi que le fait d'éviter une quantification excessive, peuvent aider à obtenir un son plus naturel et dynamique.
Réglages Du Volume
Pour ajouter de la vie à votre motif de batterie, modifiez le volume (ou la vélocité) de chaque coup dans le piano roll.
La variation du volume des hits individuels peut créer un son plus dynamique et expressif qui ressemble étroitement à une performance en direct.
Modulation De Hauteur
Modifier légèrement la hauteur de vos échantillons de batterie peut ajouter une touche de profondeur et de caractère à votre motif de batterie hip hop.
Expérimentez avec de petits ajustements de hauteur pour créer un son plus organique et authentique.
Variantes De Synchronisation
Éviter une quantification excessive est crucial dans le hip hop, en particulier pour l'humanisation de la batterie.
Au lieu d'aligner parfaitement chaque coup de batterie sur la grille, autorisez de légères variations de synchronisation pour imiter les fluctuations naturelles d'un batteur en direct.
Les Avantages De La Quantification Contrôlée
Fonction Swing de Drum Monkey
Alors que la quantification peut aider à resserrer votre motif de batterie, la sur-quantification peut supprimer le groove naturel et la sensation de votre rythme.
Trouver un équilibre entre quantification et humanisation garantit que votre motif de batterie conserve son caractère et son groove uniques.
La quantification contrôlée permet plus de liberté créative et d'expression.
Il vous permet d'expérimenter différents modèles et nuances rythmiques qui pourraient ne pas être réalisables avec une quantification stricte.
En évitant une quantification excessive, vous pouvez créer un motif de kit de batterie plus distinctif et mémorable qui se démarque de la foule et résonne avec votre public.
Élargir Votre Palette Sonore
En plus des sons de batterie traditionnels comme les grosses caisses, les caisses claires et les charlestons, pensez à incorporer des sons de percussion non conventionnels dans vos motifs de batterie.
Cela peut inclure :
- Sons trouvés
- Enregistrements de terrain
- Des instruments non conventionnels comme des tambours en acier ou des tablas
En élargissant votre palette sonore, vous pouvez créer un motif de batterie unique et mémorable qui se démarque de la concurrence.
Lorsque vous utilisez des sons de percussion non conventionnels dans votre motif de batterie hip-hop, il est essentiel de mélanger ces sons de manière transparente avec les éléments plus traditionnels de votre rythme.
Cela peut impliquer d'ajuster la hauteur, le volume ou le panoramique de vos sons non conventionnels, ou de les superposer avec des sons de batterie plus familiers pour créer un motif cohérent et unifié.
Bien sûr, un échantillon de bruitage en frappant sur une poubelle en étain ne sera généralement pas idéal pour remplacer la caisse claire.
Cependant, si vous superposez les deux, vous aurez un tout nouveau rythme entre vos mains.
Méthodes De Motif De Batterie Hip-Hop Non Conventionnelles
Maintenant que nous avons couvert les bases, explorons quelques techniques non conventionnelles et modernes pour créer des motifs de batterie hip-hop de feu.
Polyrythmes
Incorporez des polyrythmies à vos motifs de batterie pour créer des rythmes complexes et superposés qui se démarquent de la foule .
Les polyrythmies impliquent plusieurs rythmes joués simultanément, avec différentes signatures temporelles ou subdivisions, ce qui donne un son riche et texturé.
Flammes Pièges
Pour ajouter de l'épaisseur et de la profondeur à vos frappes de caisse claire, essayez de programmer des flams de caisse claire dans votre piano roll.
Les Flams impliquent une succession rapide de deux coups de caisse claire, l'un légèrement décalé par rapport à l'autre.
Cela crée un son de caisse claire plus plein et plus puissant qui peut ajouter du caractère à votre motif de batterie.
Rouleaux De Charleston
Expérimentez avec la programmation de roulements de charleston en utilisant une gamme de différentes valeurs de division temporelle.
Cela inclut les huitièmes, les seizièmes et 1/32, pour créer des motifs de charleston complexes et rapides qui ajoutent de l'énergie et de l'excitation à vos rythmes.
Hi-Hats Ouverts
Essayez de placer des charlestons ouverts sur les contre-temps ou à la fin d'une mesure pour créer un sentiment d'anticipation et d'excitation.
Triplés
Introduisez des triolets dans votre programmation de charleston pour créer des motifs rythmiques uniques qui rompent avec la grille droite standard des croches ou des doubles croches.
Les triolets offrent une sensation de roulement syncopé qui peut améliorer le groove général de votre rythme.
Accorder Vos Échantillons De Batterie : Améliorer Vos Motifs De Batterie
Un échantillon de batterie bien accordé peut avoir un impact significatif sur votre motif de batterie hip hop global.
En accordant vos échantillons de batterie, vous pouvez obtenir un son plus cohérent et harmoniquement agréable qui complète les autres éléments de votre rythme.
L'importance De L'accord De Batterie
- Harmonic Cohesion 一Accorder vos échantillons de batterie pour correspondre à la clé de votre rythme garantit que tous les éléments fonctionnent ensemble harmonieusement, ce qui donne un son plus professionnel et poli.
- Amélioration de la clarté du mix 一Une batterie correctement réglée peut aider à créer un mix plus propre et plus équilibré, car chaque son de batterie occupe son propre espace de fréquences sans entrer en conflit avec d'autres éléments.
- Groove amélioré 一Un motif de batterie bien réglé peut améliorer le groove général et la sensation de votre rythme, le rendant plus engageant et agréable pour l'auditeur.
Techniques D'accordage Pour Divers Échantillons De Batterie
Chaque élément unique nécessite son propre processus, il est donc crucial de connaître le processus unique pour chacun lors de la création du motif de batterie hip hop parfait.
Grosse Caisse
Concentrez-vous sur le réglage de la fréquence fondamentale de la grosse caisse pour qu'elle corresponde à la note fondamentale ou à la tonalité de votre rythme.
Utilisez un analyseur de spectre ou un plug-in de tuner pour identifier la fréquence fondamentale et ajuster la hauteur en conséquence.
Collets
Pour les caisses claires, il est essentiel d'accorder la fréquence dominante ou le "corps" du son de caisse claire pour compléter la tonalité de votre rythme.
Vous pouvez également régler les harmoniques ou les harmoniques de la caisse claire pour améliorer encore le son global.
Toms Et Percussions
Lorsque vous accordez des toms et d'autres éléments de percussion, tenez compte du rôle qu'ils jouent dans votre motif de batterie.
Accordez-les à des notes spécifiques dans la tonalité de votre rythme pour créer un effet mélodique et harmoniquement agréable.
Hi-Hats Et Cymbales
Bien que les charlestons et les cymbales ne nécessitent généralement pas de réglage précis, il peut être avantageux d'ajuster légèrement leur hauteur pour créer un son plus cohérent.
Expérimentez en les réglant vers le haut ou vers le bas pour trouver le point idéal qui complète votre rythme.
CONSEIL DE PRO : n'oubliez pas d'enregistrer plusieurs versions de votre modèle.
Si vous n'êtes pas sûr de vos choix d'accordage, enregistrez plusieurs versions de votre motif de batterie avec différents réglages d'accordage.
Cela vous permet de comparer et de choisir la meilleure option pour votre rythme.
Dernières Pensées
En conclusion, maîtriser le motif de batterie hip hop ultime implique de comprendre les rôles de chaque élément de batterie, d'expérimenter des techniques non conventionnelles et de sélectionner les bons échantillons de batterie.
En concevant soigneusement vos modèles de grosse caisse, de caisse claire, de charleston et de percussion, et en étant ouvert à l'expérimentation, vous n'avez pas besoin de leçons.
Pour des grooves de batterie parfaits, téléchargez GRATUITEMENT les kits de batterie MIDI Unison Essential .
Il comprend 5 kits de batterie MIDI incroyablement époustouflants.
Vous pouvez en apprendre beaucoup sur le processus de motif de batterie hip hop et expérimenter de manière infinie avec l'aide de ce pack gratuit.
Qu'il s'agisse de votre troisième temps ou de votre 300e temps, vous serez en mesure de créer un motif de batterie hip hop captivant et mémorable qui distingue votre piste de toutes les autres.
Jusqu'à la prochaine fois…
Le guide ultime de la programmation de batterie
"La vie est une question de rythme. Nous vibrons, nos cœurs pompent le sang, nous sommes une machine à rythme, c'est ce que nous sommes."
— Mickey Hart
Les producteurs de musique s'appuient sur la programmation de batterie pour séquencer les motifs rythmiques. La programmation de la batterie a été rendue nécessaire par la popularité croissante des boîtes à rythmes, remplaçant les batteurs humains par des appareils électroniques au rythme presque parfait.
Le cerveau humain est conçu pour embrasser les rythmes, donc être doué pour la programmation de batterie peut faire ou défaire une piste même à un niveau subconscient. Des études ont montré que les premiers humains étaient poussés à imiter les rythmes pour parvenir à la cohésion et instaurer la confiance au sein de leur groupe. En termes simples, les humains sont depuis longtemps câblés pour aimer un bon rythme.
Ce qui sépare la programmation de batterie de base d'une programmation de batterie exceptionnelle réside dans les détails. Un modèle de maison générique sur une machine 808 semblera rigide et stérile. Mais affecter la syncope, les enveloppes et le timing de la même boucle peut donner vie au motif avec de l'élan, du swing et une tonne de danse.
Base de la programmation de batterie
Il y a beaucoup à gagner en regardant la batterie au niveau le plus élémentaire. La batterie est l'épine dorsale rythmique de toute composition, et un producteur ne peut pas entrer dans les subtilités d'une programmation de batterie complexe tant qu'une base de base n'est pas établie. Dans cet esprit, examinons comment chaque partie d'un kit de batterie conventionnel fonctionne ensemble pour créer un groove standard.
Kick : La grosse caisse sert d'ancre rythmique pour la plupart des genres de musique house. En tant que tel, la grosse caisse sera le plus rigide et "sur la grille" de tous les éléments percussifs et constitue pourtant l'aspect déterminant des caractéristiques sonores, du style, du mixage et du genre d'une piste.
Backbeat : généralement exécuté à partir d'un échantillon d'applaudissements ou de caisse claire, le backbeat est le premier indice de syncope dans le motif de batterie et aide à définir l'énergie et l'élan du groove. Nous discuterons en détail plus tard de la façon de manipuler cette énergie pour créer des motifs de batterie à consonance humaine dans votre DAW.
Cymbales : Ces percussions remplissent le registre supérieur du spectre harmonique et apportent de l'élan avec des chapeaux décalés et de l'énergie à travers des cymbales ride et des crashs. Les shakers et les tambourins peuvent également entrer dans cette catégorie et ajouter de la texture et du swing à un groove conventionnel.
Percussions secondaires : le reste des percussions apporte de la texture, des couches, de la syncope et d'autres complexités au motif de batterie. Vous bénéficiez de la plus grande liberté créative en termes de placement dans votre programmation de batterie et de sélection d'échantillons. Mais soyez prudent avec ce dernier, car des échantillons mal sélectionnés sembleront déplacés, manqueront de puissance et seront incohérents avec le reste du groupe de batterie.
Vous ne pouvez pas être plus générique que cette boucle maison classique
Une note sur l'utilisation des boucles en tant que débutant : il y a souvent une stigmatisation lors de l'utilisation de boucles dans une production que j'ai trouvée absurde. L'utilisation de boucles échantillonnées peut être un excellent moyen d'introduire rapidement de la complexité et peut aider à humaniser la programmation de batterie non développée.
Les boucles échantillonnées sont un excellent moyen pour les producteurs débutants et intermédiaires de commencer à travailler avec le MIDI et l'audio côte à côte, et peuvent aider à démarrer le processus créatif en vous guidant dans les prochaines étapes du processus de production.
Pour faire court, vous entravez votre flux de travail si vous refusez d'utiliser des boucles tout au long des premières étapes de la production.
Une boucle d'échantillon ajoute une touche de vie à la programmation de batterie ennuyeuse
Comment améliorer votre programmation de batterie
Une fois que vous avez compris les bases de la programmation de batterie, vous pouvez commencer à développer ces bases en ajoutant des grooves supplémentaires, des détails et une syncope subtile qui peuvent vraiment amener votre percussion au niveau supérieur.
Jusqu'à présent, notre base rythmique a été construite sur des modèles de batterie conventionnels. Il est maintenant temps de réfléchir à des approches non conventionnelles qui peuvent vraiment faire ressortir ce motif de batterie.
Syncope : Comme indiqué précédemment, le contretemps n'est qu'une forme de syncope, mais d'autres formes ouvriront bien d'autres possibilités créatives. Voici les quatre formes de syncope les plus courantes :
- Backbeat : la syncope Backbeat accentue les deux et quatre temps au lieu des temps forts conventionnels d'une mesure (généralement la grosse caisse). Savoir manipuler la syncope de backbeat peut ajouter de l'énergie, de la paresse désirable et tout ce qui se trouve entre les deux à votre programmation de batterie.
- Offbeat : Cette syncope commence à introduire des éléments percussifs en dehors de la pulsation conventionnelle des temps forts. La syncope décalée se produit le plus souvent dans la musique house lorsque les charlestons sont introduits et que l'élan commence à s'accélérer.
- Suspension : Cela maintient une percussion plus douce sur l'accentuation la plus forte. Ces motifs peuvent créer une séquence de chevauchement et un effet de cascade dans le motif de percussion en jouant avec les attentes rythmiques.
- Missed Beat : Cela met l'accent sur des endroits inattendus, créant souvent des motifs décalés qui laissent l'auditeur anticiper les hits qui ne viennent jamais ou arrivent plus tôt que prévu. Ceci est courant dans les genres trap et future bass, où la grosse caisse est placée à des endroits inattendus pour créer de la tension et de l'anticipation.
La syncope apporte un intérêt supplémentaire à cette boucle ennuyeuse
Enveloppes de batterie : une programmation de batterie et un développement de groove réussis concernent autant l'espace entre les frappes que les frappes elles-mêmes. Tout comme la plupart des instruments s'adaptent rarement à un mixage sans une touche d'égalisation et de compression, très peu d'échantillons de batterie seront absolument parfaits pour le groove sans un peu de peaufinage.
Des percussions plus longues peuvent faire glisser un groove vers le bas, le faisant apparaître plus détaché et plus paresseux que prévu, mais c'est là que la magie des échantillonneurs entre en jeu. Jouer avec les enveloppes ADSR des coups individuels peut resserrer un groove et créer un espace précieux dans le tambour arrangement. Les avantages de cette approche sont doubles, car plus de marge est créée lorsque moins d'échantillons se chevauchent. Cela conduit non seulement à un groove plus serré, mais aussi à un son plus fort et plus confiant.
Écoutez comment le réglage de l'ADSR des échantillons resserre le groove
Commencer à regarder l'humanisation : Deux vérités sont essentielles à garder à l'esprit lors de l'humanisation des percussions générées par ordinateur. 1) Même les batteurs les plus compétents au monde ne peuvent pas jouer avec un timing parfait en tant qu'ordinateur. 2) Il n'y a jamais deux coups EXACTEMENT identiques.
Les modèles de groove de stock intégrés à toutes les DAW populaires peuvent aider à introduire des ajustements minutieux de synchronisation et de vélocité dans votre piste et sont parfaits pour les débutants, mais ne vous mèneront que jusqu'à présent. L'astuce consiste à ajuster manuellement les éléments de choix de votre programmation de batterie pour jouer juste avant ou légèrement après la grille quantifiée. Le premier introduira un entraînement dans la rainure, tandis que le second ralentira la rainure d'une manière souhaitable. Cela imite ce que les batteurs appellent "jouer dans la poche". Habituellement, la différence de seulement 2 à 10 millisecondes fera l'affaire dans les deux cas.
Le réglage du placement et de la vélocité des notes ajoute de l'humanisation au groove
Utilisations intermédiaires des boucles de batterie : L'ajout de boucles de batterie en stock dans votre projet est un excellent moyen de créer une ambiance, mais ne sera jamais unique ni parfait dès la sortie de la boîte.
Comme tout le reste de la production, la façon dont vous utilisez ces outils peut faire la différence entre une programmation de batterie au son professionnel et les percussions statiques et obsolètes d'un producteur amateur. Soyez méticuleux et scrupuleux lorsque vous découpez, arrangez et mutilez ces boucles pour les adapter à votre projet, et rappelez-vous que ce n'est pas parce qu'un hit est dans la boucle qu'il mérite d'être dans votre morceau.
Conseil de pro : si une seule boucle de percussion fournit la majeure partie du groove de votre programmation de batterie, essayez d'extraire le groove du clip audio. Les modèles de groove de base des DAW fonctionnent très bien, mais certaines boucles audio ont un caractère de swing tout à fait unique et peuvent donner d'excellents résultats.
La boucle est épissée avec la déformation du clip vert affectée avec goût
Crochets dans les percussions : Qui a dit que les mélodiques devaient avoir tout le plaisir lors de l'établissement du crochet central ? Avoir quelques éléments de percussion agissant comme un crochet rythmique peut ajouter une couche supplémentaire d'intérêt à votre groove. Il existe de nombreuses façons d'y parvenir, mais les trois méthodes que j'utilise le plus souvent sont :
- Percussions pitchées : Certains tambours ont une tonalité qui leur permet d'être façonnés en une progression mélodique. S'assurer qu'ils sont accordés à la tonalité de votre piste leur permettra de jouer des riffs simples qui peuvent compléter les mélodies du synthétiseur principal.
- Appel et réponse : les motifs rythmiques peuvent se parler, une séquence posant un motif de type question et un autre groupe de batterie faisant écho à cette phrase.
- Mirror Rhythms : L'introduction d'une autre couche de percussion qui correspond au motif rythmique et au timing de votre synthétiseur principal ou de l'arpégiateur de support peut être un moyen utile d'élever le niveau d'énergie de votre piste.
Ces approches sont pratiques dans des genres comme la house et la techno, où ceux qui sont sur la piste de danse accordent plus d'attention au rythme du morceau qu'aux mélodies élégantes qui se déroulent dessus.
Les toms pitchés posent une question dans la première mesure, à laquelle on répond dans la seconde
Programmation de batterie pour les experts
Au moment où les producteurs atteignent un niveau professionnel, leurs oreilles sont attentives aux moindres détails dont même les amateurs sont inconscients. Mais c'est dans ces petits choix de modulation d'échantillons, ces signatures temporelles uniques et ces arrangements qu'un groove de batterie programmé prend vie.
La modulation d'échantillon aide un échantillon de batterie qui peut sembler incroyable en soi à conserver cet intérêt sur de nombreuses répétitions. L'attribution de LFO à des paramètres tels que le point de départ, le volume, le panoramique ou la quantité de désaccord d'un échantillon gardera chaque coup individuel de l'échantillon légèrement différent de ceux qui l'ont précédé. Cela reproduit l'idée qu'aucun batteur ne frappe son instrument exactement de la même manière deux fois.
Une façon de faire passer cette approche au niveau supérieur consiste à utiliser l'échantillonnage circulaire , qui consiste à jouer un motif de percussion tout en parcourant des échantillons proches. Choisissez une quantité impaire d'échantillons en fonction de la signature rythmique de votre piste (5, 7 ou 9 échantillons lors de la composition en 4/4/temps standard) et faites en sorte que votre motif unique déclenche différents échantillons tout au long de la séquence.
Une note déclenche un échantillonnage circulaire grâce à l'utilisation intelligente de l'effet aléatoire d'Ableton
La musique de danse est aussi, par nature, prévisible et répétitive. Mais les producteurs professionnels connaissent suffisamment bien les règles pour commencer à jouer avec les cycles de boucle conventionnels à quatre ou huit mesures qui sont si couramment écrits en 4/4 temps en mettant en œuvre des polymètres .
Les polymètres se produisent lorsque deux rythmes différents sont joués l'un sur l'autre. Une signature temporelle 4/4 prévisible peut être recouverte par une boucle de trois mesures pour des effets merveilleux, ce qui fait que chaque boucle se répète à des moments apparemment incohérents. Peut-être qu'un motif de coup de pied à huit mesures joue sous un motif à douze mesures de sons trouvés.
Ces styles de rythmes en cascade maintiennent l'anticipation de l'auditeur enfermée dans votre groove bien plus longtemps qu'une boucle statique conventionnelle ne le pourrait jamais.
La boucle audio bleue est longue de six battements, cyclant rarement en même temps que la rainure principale
La variation des signatures temporelles n'est qu'un moyen de garder les boucles que vous utilisez intéressantes, mais il existe d'autres façons d'examiner les arrangements qui peuvent aider à étendre l'intérêt d'une boucle de batterie de programmation. Les producteurs professionnels recherchent toujours des moyens d'étendre la longueur de leurs boucles au-delà des modèles conventionnels à quatre ou huit barres.
Cherchez des endroits où appliquer des coups de batterie accidentels qui ne se produisent que sporadiquement. Les remplissages de batterie à la fin de toutes les 16 mesures sont les plus évidents, mais des échantillons plus petits et plus délicats fonctionnent tout aussi efficacement pour garder votre programmation de batterie dynamique et excitante. Peut-être qu'une percussion tonale joue dans la 5e mesure de votre boucle de huit mesures, ou que quelques coups de pied sont supprimés de la 9e mesure d'un motif de 16 mesures.
Supprimer quelques coups de pied, ajouter une percussion accessoire et ajouter un remplissage maintient l'intérêt sur 16 mesures
Des astuces d'arrangement subtiles jouent avec les attentes de l'auditeur. Lorsqu'ils sont bien faits, ils aident à créer des grooves de batterie contagieux qui sont aussi excitants qu'humanisés.
Conseil de pro : dans la mesure du possible, évitez les transitions rigides à des moments prévisibles. Tout se résume à brouiller les frontières entre les sections pour créer des moments surprenants et percutants.
Travailler avec des échantillons de batterie
Même une fois que votre programmation de batterie atteint un niveau professionnel, elle tombera à plat si les sons que vous utilisez ne sont pas à la hauteur. Tenez compte des conseils suivants lors de la collecte, de l'arrangement et de la mise en forme de vos tambours.
Sélection d'échantillons : ce n'est pas parce qu'un échantillon de batterie sonne INCROYABLE par lui-même qu'il sonnera bien en conjonction avec vos autres échantillons, et un bon mixage final ne peut pas faire grand-chose. Les échantillons de batterie DOIVENT sonner comme s'ils appartenaient ensemble, sinon la discontinuité peut déconcerter les auditeurs. Il peut être tentant de se contenter de ce qui fonctionne à l'époque, mais passer du temps supplémentaire à choisir l'échantillon parfait exact rapportera des dividendes à la fin.
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Percussions contrastées : tenez compte du contraste dans votre sélection de sons. Sélectionnez des échantillons plus doux qui prennent en charge le groove et des échantillons avec des transitoires plus robustes qui sortent véritablement des haut-parleurs. Souvent, ces derniers échantillons peuvent être extraits de packs d'échantillons en dehors de votre genre - donc si vous êtes un producteur de techno, n'hésitez pas à utiliser un charleston percutant simplement parce qu'il provient d'un pack de dubstep !
Accordage de la batterie : Bien que la batterie soit techniquement considérée comme un instrument inharmonique, beaucoup ont une hauteur fondamentale. La plupart des échantillonneurs permettent des ajustements faciles de la hauteur de l'échantillon, alors faites attention aux percussions dissonantes qui pourraient perturber votre groove. Inversement, ajuster le réglage est un excellent moyen de mettre en œuvre la technique d'appel/réponse décrite précédemment.
Écoutez la même boucle une fois l'accordage ajusté et les échantillons de clap et de chapeau remplacés
Conseil de pro : rappelez-vous que le réglage de la hauteur affectera probablement la longueur de l'échantillon, sauf si les paramètres de déformation sont activés. Cela signifie que les percussions plus graves ralentissent le groove à la fois en termes de contenu fréquentiel et de synchronisation du groove.
Arrangement : La marque d'un producteur amateur est de montrer sa main trop tôt à travers son arrangement. Un bon arrangement attend le tout dernier moment avant d'introduire un nouvel élément. N'oubliez pas que les synthés massifs et les filtres ouverts ne sont pas le seul moyen d'obtenir un gain émotionnel lors de votre dernière goutte. Sauvegarder une dernière couche de rythme ou un hit énergique jusqu'à la toute dernière section peut suffire à faire d'un bon groove un phénoménal.
Dernières pensées:
Trop de producteurs ne consacrent pas le temps et l'attention nécessaires à l'aboutissement des centaines de petites variations et décisions nécessaires pour programmer des motifs de batterie uniques. N'ayez pas peur d'aller dans le terrier du lapin de petits ajustements apparemment sans conséquence ; ce sont eux qui font toute la différence.
Alors que le côté technique de la programmation de batterie peut être appris et étudié, d'autres parties prennent simplement du temps. Vous ne pouvez pas lire sur la sensation qu'un bon groove vous procure lorsqu'il est bien composé, et il est impossible de savoir comment les échantillons sonnent ensemble uniquement en écoutant vos artistes préférés.
Il faut du temps et des démarches pour que vos oreilles soient à l'écoute de ces différences subtiles. La Masterclass Hyperbits est parfaite pour ceux qui veulent conquérir la production musicale. je ne mentirai pas; la production musicale est FREAKING HARD, c'est pourquoi nous n'épargnons aucune dépense alors que nous plongeons tête première dans chaque détail de la création d'une musique de qualité professionnelle.
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Sam Matla
- 15 février 2023
Parfois, j'ai l'impression que les producteurs se concentrent trop sur les aspects mineurs de la production de musique électronique…
…et pas assez sur les concepts musicaux fondamentaux qui ont aidé les musiciens pendant des siècles.
J'étais l'un de ces producteurs de chambres à coucher. La plupart d'entre nous le sommes quand nous commençons.
Nous voulons apprendre à créer des sons de basse complexes ou des accumulations massives. Nous voulons faire quelque chose de cool qui impressionnera nos pairs.
Il n'y a rien de mal en soi à apprendre à fabriquer une basse Tchami ou à fabriquer une accumulation de picotements dans la colonne vertébrale, mais ce ne sont pas des principes fondamentaux .
Quels sont les fondamentaux ?
Un fondamental serait la théorie musicale, un autre serait la synthèse de base (qui est plus nécessaire que vous ne le pensez, même si vous n'utilisez pas de préréglages).
Mais cet article ne traite pas des fondamentaux dans leur ensemble – cela nécessiterait la rédaction d'un livre. Cet article porte sur deux concepts musicaux clés qui sont intrinsèquement liés : la tension et l'énergie.
Malheureusement, il n'y a pas beaucoup d'informations - du moins sur Internet - sur ces deux principes fondamentaux, en particulier pour le producteur moderne. Alors même que je faisais des recherches pour compléter cet article, je me suis retrouvé à gratter le baril en essayant de trouver quelque chose qui n'était pas trop simpliste ou une thèse de doctorat.
Le manque d'informations entourant la tension et l'énergie est l'une des raisons pour lesquelles j'ai décidé d'écrire cet article - pour fournir une compréhension holistique des deux concepts, y compris, mais sans s'y limiter : ce qu'ils sont, comment ils interagissent les uns avec les autres et comment pensez-y par rapport à la production musicale.
Naturellement, exposer un tel sujet nécessite une bonne quantité de… enfin… de mots . Cet article n'est pas quelque chose que vous pouvez lire rapidement en étant assis sur les toilettes, donc si c'est ce que vous faites en ce moment, mettez-le en signet et réservez du temps pour le lire plus tard.
Voici un aperçu de ce que couvre le message :
- Une explication de haut niveau et de bas niveau de la tension
- Visualisation de la tension comme tirer/pousser
- Qu'est-ce qui cause les tensions
- Comment ajouter de la tension à votre morceau pendant la composition et l'arrangement
- Une explication de l'énergie
- Types d'énergie
- La valeur d'une carte énergétique
- Dynamique énergétique : comment créer un agencement engageant
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C'est pour qui ?
Même si j'aimerais que ce poste soit destiné aux producteurs de tous niveaux, il est tout simplement impossible de s'adapter à tout le monde.
Vous n'avez certainement pas besoin de connaissances préalables pour lire cet article, mais certaines sections nécessitent une compréhension de base de la théorie musicale, de l'arrangement et de la structure, ou des deux.
Remarque : Si vous pensez pouvoir approfondir votre théorie musicale avant de lire ceci, procurez-vous un exemplaire gratuit de la théorie musicale de Reginald Young : la version TL; DR .
Il convient de noter que cet article va au-delà des bases. Vous n'avez pas besoin d'adopter une approche aussi méthodique de la tension et de l'énergie pour faire de la bonne musique, ni de comprendre, sur le papier, ce qui constitue l'énergie. Cependant, on peut affirmer qu'une compréhension théorique profonde de la tension et de l'énergie conduit à une meilleure utilisation de celle-ci dans la pratique.
Cela dit, compte tenu de la portée et de la taille de cet article, il contiendra forcément de la valeur pour tout le monde, même si vous êtes un débutant complet.
Pourquoi apprendre la tension et l'énergie ?
Je sais ce que tu penses.
Pourquoi diable devrais-je passer mon temps à lire sur la tension et l'énergie ? C'est sûrement quelque chose qui vient naturellement. Cela vaut-il même la peine d'être étudié ?
Ce que beaucoup de gens ne réalisent pas, c'est que la tension et l'énergie sont, à certains égards, les deux concepts musicaux les plus fondamentaux.
Prenez, par exemple, une progression d'accords standard I - IV - V - I. L'accord dominant (V) induit une forte sensation de tension qui demande à être résolue. Cette résolution se produit lorsque l' accord I joue à nouveau. La tension existe dans quelque chose d'aussi granulaire qu'une simple progression d'accords (elle existe également dans la mélodie, ce qui, selon vous, est encore plus granulaire, mais nous y reviendrons plus tard dans l'article).
Tout revient à la tension et au relâchement, à l'énergie globale, à la réponse émotionnelle que l'artiste veut provoquer.
Pour les producteurs de musique de danse électronique, les concepts de tension et d'énergie devraient recevoir plus d'attention que d'habitude. La musique de danse repose tellement sur la tension et l'énergie que ce serait un péché de ne pas y penser dans le processus de production. S'il y a un manque de tension, les auditeurs ne se sentiront pas excités ; s'il y a un manque d'énergie, ils ne danseront pas.
Alors, pourquoi en savoir plus sur la tension et l'énergie ? La réponse est simple - cela vous aidera à mieux comprendre la musique et, à son tour, vous aidera à faire de la meilleure musique.
Qu'est-ce que la Tension ?
Si vous recherchez sur Google la définition de la tension, vous verrez qu'elle est carrément définie comme l'acte d'étirement ou de tension.
Bien que cette définition ne fasse pas référence à la musique, elle a du sens. En tant que producteur, votre objectif est d'étirer ou de forcer l'auditeur.
Allez un peu plus loin et recherchez le terme tension dans la musique , et selon Wikipedia vous trouverez que…
La tension est le besoin perçu de relaxation ou de libération créé par les attentes d'un auditeur.
L'ajout de tension dans une chanson donnée crée de l'excitation, de l'anticipation et le besoin perçu de libération.
En termes dramatiques, c'est l'acte d' étirer l'auditeur au point où il a envie de ce qui va se passer ensuite - la sortie. Une tension bien conçue taquine soigneusement l'auditeur, s'emparant de ses émotions et les manipulant à sa guise.
Un sous-produit de cela, bien sûr, est que la tension bien pensée fait que les gens écoutent votre chanson. La musique pop en est un bon exemple : la combinaison parfaite de tension, d'énergie et de libération qui maintient l'auditeur pleinement engagé pendant toute la durée de la chanson. Tout le monde veut entendre une résolution après avoir été soumis à des tensions, et ils continueront à écouter jusqu'à ce qu'ils le fassent.
Une vue de haut niveau : la macro-tension
J'aime diviser la tension en deux catégories : macro et micro . Une autre façon de voir la tension est d'un point de vue à vol d'oiseau ou de haut niveau et d'un point de vue détaillé et de bas niveau .
La macro-tension est un terme qui n'est pas officiellement défini dans le monde de la musique, du moins pour autant que je sache. J'ai simplement proposé les perspectives micro et macro pour différencier ce que je considère comme deux couches de tension différentes, et aussi parce que j'aime appliquer les préfixes micro et macro à tout ce qui est possible (c'est juste une habitude).
Mais qu'est-ce que la macro-tension ?
À certains égards, c'est ce à quoi la plupart des gens pensent immédiatement lorsqu'ils sont confrontés au mot tension.
La macro-tension est, comme on pouvait s'y attendre, une tension à grande échelle. Ce sont les grandes accumulations, la transition entre une partie de votre arrangement à une autre, le fondu prolongé vers une panne à faible énergie.
En règle générale, la macro-tension sera utilisée pour passer à un drop, un refrain, une panne, un pont ou une sortie. Il comprend souvent :
- Contremarches (bruit blanc, contremarches inclinées, etc.)
- Roulements/constructions de caisse claire
- Filtrage automatisé et autres effets
- Tension mélodique et harmonique
- Changement de volume
- Suppression et/ou ajout de nouveaux instruments et sons
Il est difficile de définir cette vision de haut niveau de la tension, en partie parce qu'elle est souvent subtile, et aussi parce qu'elle n'est jamais tranchée.
Par exemple, dans la capture d'écran suivante, la contremarche n'arrive qu'à la mesure 16. Une personne pourrait soutenir que la tension commence alors à monter, une autre personne pourrait soutenir qu'elle commence bien avant cela en raison de l'ajout de nouveaux sons de batterie.
Parce que l'utilisation de la macro-tension varie si largement et ne peut pas être clairement définie, nous l'examinerons en couches relatives.
En développant l'exemple précédent, j'ai ajouté un autre instrument. Nous pouvons voir qu'il existe trois principaux niveaux ou couches de macro-tension :
- Première couche : la première couche, que nous appellerons la couche "de base", est la couche la plus subtile et évolutive. C'est moins évident. Dans ce cas, la première couche comprend l'ajout de nouveaux sons de batterie.
- Couche deux : La deuxième couche, que nous appellerons – non… nous n'allons pas définir de nouveaux termes pour tout. La deuxième couche est plus courte que la couche de base et plus évidente. Dans ce cas, il comprend jusqu'à la colonne montante 16 barres.
- Couche trois : La troisième couche est la plus évidente ou dramatique. C'est la couche qui ajoute le plus de tension et génère de l'énergie. Dans ce cas, il inclut le roulement de caisse claire.
Parce que chaque chanson est différente, ces couches doivent être définies les unes par rapport aux autres. La couche un ne fait pas et ne devrait pas toujours faire référence à l'ajout de nouveaux sons de batterie et la couche trois ne devrait pas toujours faire référence à un roulement de caisse claire, mais la couche trois devrait être plus évidente et généralement plus courte que la couche un .
Analyse #1 – Oliver Smith – Evermore (Wrechiski remix) [intro]
Regardons l' intro du remix de Wrechiski de "Evermore" d'Oliver Smith comme exemple.
La chanson commence par un coup de pied passé haut et quelques sons atmosphériques subtils. Après les 8 premières mesures, des percussions groovy sont introduites avant qu'un shaker n'entre en jeu, contribuant à la tension. C'est la couche 1.
La deuxième couche présente un son de coup rythmique qui reflète le rythme de la ligne de basse qui sera bientôt introduite (et le motif de roulement de caisse claire). La grosse caisse est ici complète avec un son d'arpège.
La troisième et dernière couche est assez typique, avec un roulement de caisse claire, une contremarche et un remplissage à la fin pour bien passer dans la chute.
Analyse de la macro-tension dans MAKJ – Springen [build]
Cette accumulation n'est pas unique , en fait, elle est assez typique, ce qui en fait une excellente piste à analyser.
La première couche de macro-tension comprend le riff accrocheur qui peut être entendu à travers la construction (jusqu'à la mesure 16 où la couche 3 est introduite). Certains balayages de bruit et subtils élévateurs de hauteur l'aident à passer à la prochaine couche de tension.
La deuxième couche introduit un rouleau de caisse claire et une contremarche pluck.
Enfin, la troisième couche crée encore plus de tension en répétant une note du riff et en accélérant le roulement de caisse claire. Deux samples vocaux ajoutent à la tension.
Vous remarquerez peut-être que cela devient délicat ici avec les calques. Techniquement, la troisième couche n'ajoute rien d'autre que les échantillons vocaux, elle ne fait que modifier le contenu des deux couches existantes. Cependant, le changement est assez important, c'est pourquoi j'ai ajouté la troisième couche.
Une vue de bas niveau : la micro-tension
Contrairement à la macro-tension, la micro-tension est quelque chose dont peu de producteurs parlent. C'est peut-être parce que comprendre la micro-tension et apprendre à l'utiliser efficacement (même si on ne la qualifie pas de "micro-tension") est quelque chose qui vient naturellement, avec le temps, en écoutant et en faisant beaucoup de musique.
Qu'est-ce que la micro-tension ?
Ce sont les petites différences : des fills courts, un break d'une mesure, la suppression d'une grosse caisse à la fin d'une phrase de 8 mesures, la cymbale crash au début d'une nouvelle phrase.
Son but est de créer une tension constante, de faire avancer le morceau et de forcer l'auditeur à rester intéressé et engagé.
Énumérer tous les types de micro-tension serait impossible car il y en a tout simplement trop. La micro-tension n'inclut pas seulement votre impact de cymbale crash typique, un remplissage de batterie court ou un coup de voix funky, elle inclut également la tension dans les progressions d'accords et les mélodies.
Il doit être considéré à la fois dans la phase de composition et dans la phase d'arrangement.
Analyse de la micro-tension dans BT – Skylarking
À 11 minutes, Skylarking est une longue piste, donc je ne détaillerai pas chaque exemple de micro-tension mais plutôt les apparitions les plus évidentes.
1:03 : Un balayage de bruit introduit le thème/mélodie sous-jacent principal du morceau.
1:34 : Un autre balayage crée rapidement une tension, introduisant le pincement. La macro-tension commence ici.
2:52 : Un son de balayage montant en hauteur maintient l'énergie déjà existante.
2:58 : Une contremarche courte + un clap verbeux rendent la piste intéressante. Un exemple parfait de micro-tension et de traction/poussée (plus à ce sujet dans un instant)
3:03 : La tension musicale est utilisée pour créer un sentiment de transition et d'attente, mais BT la ramène à la progression d'origine.
3h20 : Un coup de pied est retiré.
3:33 : La tension musicale est à nouveau employée, mais revient au groove d'origine.
5:10 : Un effet de pépin est utilisé pour susciter l'intérêt et introduire un nouvel instrument (pince inférieure)
06h20 : Le filtre de la pince principale est ouvert.
06h57: Une éclaboussure de coups de pied supplémentaires mène à une autre grosse construction.
8h00 : Crash inversé + crash normal (se produit tout au long de la piste mais mérite d'être noté à ce stade)
9h29 : La tension musicale est à nouveau utilisée.
Remarque : Skylarking est également une excellente piste à étudier pour la macro-tension, si vous recherchez un défi.
Analyse de la micro-tension à Axwell – Centre de l'Univers (Remode)
Axwell est vraiment un maître de la tension et de l'énergie, et ce morceau dit tout.
0:24 : Un son de pad/corde apparaît en fondu et se relâche avec un bruit blanc.
1:12 : Un pad se construit pour introduire des percussions supplémentaires dans la phrase suivante
1:25 : Contremarche très subtile en arrière-plan + motif rapide introduit un nouvel élément (son funky d'arp/flûte)
2:10 : Le son de balayage + pad facilite la transition vers la phrase suivante
3:40 : Le motif du début de l'arrangement est rejoué, introduisant le son funky de l'arpège/flûte
4:10 : Le piano à droite panoramique facilite la transition vers la phrase suivante
Désormais, l'utilisation de la micro-tension est la même. Gardez à l'esprit qu'il est souvent difficile de séparer la micro-tension de la macro-tension, en particulier lors de l'analyse d'une piste comme celle-ci. Si vous étudiez la piste vous-même, faites attention à ce qui se passe à la fois au niveau supérieur (macro) et au niveau inférieur (micro) et à la façon dont ils interagissent.
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La méthode tirer/pousser
Une façon sensée de regarder la tension, à la fois macro et micro, est de tirer et de pousser.
Tirer/pousser, tendre/relâcher, appel/réponse , question/réponse. Vous avez eu l'idée.
Je vais utiliser un scénario pour expliquer…
Vous venez de terminer l'assemblage de l'intro et de la première section de votre morceau. Votre intro est de 32 mesures, et naturellement, votre chute frappe à la mesure 33. Votre intro s'intègre bien dans la chute, mais il y a quelque chose de "décalé" dans votre intro de 32 mesures.
Alors que vous approchez de la mesure 16, à mi-chemin de votre intro, vous remarquez que l'énergie baisse un peu. Cela semble un peu ennuyeux et répétitif. Vous devez ajouter un peu de micro-tension pour que les choses se déroulent bien.
Donc, vous ajoutez une colonne montante de bruit blanc à 2 barres. C'est votre attirance - c'est une attirance vers quelque chose. Après avoir ajouté cela, vous écoutez une autre fois, mais cela ne semble toujours pas tout à fait correct. Lorsque la mesure 17 frappe, vous réalisez qu'il n'y a rien pour continuer - la contremarche à bruit blanc se termine brusquement et maladroitement.
Pour résoudre ce problème et compléter le "pull/push", vous ajoutez un clap spacieux avec une réverbération à longue décroissance sur le temps avant la mesure 17. La longue queue de réverbération adoucit la transition entre la mesure 16 et la mesure 17 et agit comme la poussée vers le tirer de la colonne montante.
Les deux éléments de ce scénario créent des tensions. Si vous enleviez la contremarche, vous auriez toujours une micro-tension du clap. Cependant, le clap fonctionne plus comme un "release" - son travail consiste à maintenir l'énergie constante et l'auditeur engagé. La contremarche et le clap fonctionnent en tandem.
La traction/poussée s'applique-t-elle à la macro-tension ?
Bien sûr. Vous pouvez voir une accumulation comme la traction et la chute comme la poussée , par exemple.
Cependant, tout dérapage ou déséquilibre sera beaucoup plus évident à grande échelle. Prenons notre exemple d'avant avec la colonne montante de bruit blanc et le clap verbeux. Si la colonne montante de bruit blanc est légèrement trop forte, cela aura une incidence sur la façon dont l'auditeur y réagit. La traction dominera la poussée.
À une si petite échelle, quelque chose comme ça est rarement perceptible à moins qu'il ne soit plus qu'un peu plus fort. Cependant, au niveau macro, ce genre de déséquilibre détruira complètement la chanson. Si l'accumulation est légèrement plus forte ou a plus d'énergie que la chute, alors la chute aura beaucoup moins d'impact.
Ainsi, alors que tirer et pousser peut et doit être appliqué à l'arrangement dans son ensemble, il doit être soigneusement examiné. La traction correspond-elle à la poussée ? L'un domine-t-il l'autre ? [note]Par correspondance, je ne dis pas que la traction et la poussée doivent être égales. En fait, il peut parfois être payant d'avoir moins d'attraction et plus de poussée (cela crée plus d'impact), ou, si vous ne construisez pas le refrain principal, plus d'attraction que de poussée pour défier les attentes de l'auditeur. Vous devriez toujours éviter que l'accumulation principale ne domine le refrain principal.[/note]
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Qu'est-ce qui cause les tensions ?
J'ai expliqué ce qu'est la tension, les différences entre la macro et la micro-tension, et pourquoi c'est une bonne idée de considérer l'utilisation de la tension comme une poussée et une traction.
Cependant, je n'ai pas précisé ce qui cause la tension.
Mis à part les causes évidentes et spécifiques (roulements de caisse claire, balayages de bruit blanc, etc.), il y a quelques éléments clés qui contribuent à la tension.
Changement de hauteur
Il n'est pas surprenant qu'un changement de hauteur contribue à la tension. On y pense souvent à haut niveau avec de la macro-tension, en utilisant des élévateurs inclinés lors des montées par exemple. Mais un changement de hauteur peut contribuer à la tension à un niveau beaucoup plus bas dans les limites de la composition pure.
Dans son livre, This is Your Brain on Music , Daniel Levitin explique comment la mélodie d' Over the Rainbow provoque un sentiment d'anticipation ou de tension.
La mélodie, dans la piste classique, commence par un saut anormalement important à une octave au-dessus. Comme il s'agit d'un événement rare en musique, l'auditeur s'attend à ce que la mélodie revienne « à la maison » ou au moins diminue de hauteur. Le saut initial provoque des tensions.
Voici comment Levitin l'explique :
« Si la mélodie fait un grand saut, les théoriciens décrivent une tendance de la mélodie à « vouloir » revenir au point de départ ; c'est une autre façon de dire que notre cerveau s'attend à ce que le saut ne soit que temporaire, et les tonalités qui suivent doivent nous rapprocher de notre point de départ, ou de notre "maison" harmonique.
Ce qui est intéressant, c'est qu'une augmentation du changement de hauteur, ou de l'importance du changement de hauteur, ne contribue pas nécessairement à plus de tension. Une contremarche qui parcourt 24 demi-tons ne crée pas nécessairement plus de tension qu'une qui parcourt 12 demi-tons.
[note] Source : A Parametric, Temporal Model of Musical Tension par Morwaread Farbood, Music Perception volume 29, issue 4, PP. 387–428. [/note]
Modification de l'équilibre général des fréquences
Une note sur le volume:
Beaucoup de gens pensent qu'un changement de volume ou d'intensité contribue à la tension. C'est probablement le cas, mais ce n'est pas significatif. En fait, une étude réalisée par Morwaread M. Farbood du MIT a montré que sur 645 réponses totales, 65% ont conclu qu'un changement de volume ne correspondait pas à un changement de tension.
Cela dit, le volume et le volume doivent toujours être pris en compte lors de la création de tension et en particulier lors de la gestion des niveaux d'énergie. L'astuce classique d'automatisation du volume principal où l'on baisse le volume de 5 à 10 %, puis on le rabaisse au fur et à mesure que la chute frappe est toujours incroyablement efficace dans la mesure où l'auditeur perçoit la baisse comme "plus grande" et "plus forte". Cependant, cela contribue à l'énergie et non à la tension.
Une autre chose qui contribue à la tension est un changement dans l'équilibre général des fréquences. Ce n'est pas surprenant quand on pense à l'une des applications d'un filtre passe-haut ou passe-bas.
Lorsque vous automatisez un passe-haut, qu'essayez-vous généralement d'accomplir ?
Tension, bien sûr.
En supprimant les basses fréquences, vous communiquez à l'auditeur que quelque chose de nouveau est sur le point de se produire. Nous avons tous envie de basses - basses fréquences - et lorsque les basses sont supprimées, nous nous attendons à ce qu'elles reviennent.
La tension peut également être causée par la suppression des hautes fréquences. Un filtre passe-bas sera rarement utilisé pour intégrer une section à plus haute énergie, mais il est souvent utilisé pour passer à une partie à plus faible énergie. Par exemple, supposons que vous souhaitiez passer à une panne. Votre ventilation commence par un pad passe-bas. Vous pouvez effectuer une transition brusque vers cela, ou vous pouvez commencer à supprimer les hautes fréquences 8 à 16 mesures avant pour créer une transition plus douce. Cela ajoutera de la tension, mais pas d'une manière qui génère de l'énergie. Une augmentation de tension != une augmentation d'énergie.
Harmonie
Nous examinerons la tension harmonique en détail dans la section pratique, mais pour l'instant, sachez que l'harmonie peut contribuer de manière significative à la tension.
Comme je l'ai mentionné plus tôt dans le post, une progression d'accords standard contient la tension elle-même. Dans le cas d'une progression d'accords I - IV - V - I, l'accord V crée une anticipation pour l'accord I qui vient ensuite.
Il existe de nombreuses façons de créer de la tension par l'harmonie. Les accords ou intervalles dissonants fonctionnent bien dans certains styles de musique, tout comme les cadences trompeuses. De plus, vous pouvez structurer l'harmonie et la mélodie d'une certaine manière pour créer plus de tension.
Changement de rythme
Un moyen moins courant, mais toujours efficace, de créer de la tension consiste à modifier le rythme d'un instrument particulier ou de votre morceau dans son ensemble.
Vous pouvez, par exemple, ajouter une demi-mesure de triolets à un son de synthé à la fin d'une phrase :
Ou, vous pourriez changer votre motif de roulement de caisse claire en une polyrythmie à mi-parcours :
Mais vraiment, briser le flux rythmique en général est un excellent moyen de créer de la tension. Vous pouvez le faire avec quelque chose d'aussi simple qu'une grosse caisse :
Le mettre en pratique
À présent, vous devriez savoir ce qu'est la tension (à la fois au niveau micro et macro) et aussi ce qui la cause.
Dans cette section de l'article, nous allons voir comment vous pouvez pratiquement ajouter de la tension à votre musique.
Nous verrons d'abord comment ajouter de la tension dans la phase de composition. Gardez à l'esprit que cet article ne concerne pas la composition, je n'expliquerai donc pas les concepts et techniques de composition au-delà de leur relation immédiate avec la tension.
Après cela, nous verrons comment ajouter de la tension dans la phase d'arrangement. Nous couvrirons d'abord la macro-tension, puis passerons à la micro-tension.
Il convient de mentionner qu'il existe un degré de croisement entre les deux. Par exemple, vous voudrez peut-être ajouter une cadence trompeuse quelque part dans votre arrangement pour ajouter de la tension, mais vous ne l'inventez pas pendant la phase de composition. De toute évidence, écrire une cadence trompeuse est une tâche de composition, mais vous le faites dans le flux de travail d'arrangement. Il est préférable de ne pas considérer ces deux étapes comme complètement séparées - vous ne ferez que vous confondre.
Étape de composition
Ajouter de la tension pendant la phase de composition est délicat. D'une part, c'est quelque chose qui devrait être consciemment pris en compte, mais d'autre part, cela peut entraver la créativité s'il est trop réfléchi.
Qu'est ce que je veux dire?
Prenons l'acte d'écrire une mélodie. La plupart d'entre nous, y compris moi-même, écrivons des mélodies de manière naturelle. Nous ne pensons pas nécessairement aux intervalles entre chaque note, comment et pourquoi un certain intervalle crée un sentiment d'anticipation, etc. Nous continuons simplement à écrire et à éditer jusqu'à ce que cela nous convienne.
Maintenant, si vous deviez analyser chaque note que vous écrivez sans laisser la mélodie "s'écrire d'elle-même", cela devient alors un processus beaucoup plus mécanique et fastidieux qui conduit rarement à un bon résultat.
Cependant, il est important de savoir comment ajouter de la tension dans la phase de composition, surtout si et quand vous voulez invoquer un fort sentiment d'anticipation ou même de frustration. Sans savoir comment composer une progression d'accords ou une mélodie qui évoque un tel sentiment, vous vous retrouverez coincé ou, à tout le moins, vous perdrez beaucoup de temps à essayer de le résoudre.
Tension dans les progressions d'accords
Chaque progression d'accords crée de la tension. Cette tension est généralement rapidement relâchée, et c'est quelque chose que nous ne considérons généralement pas comme une "tension" car c'est une partie tellement fondamentale de la musique.
Il est difficile de comprendre pleinement comment cela fonctionne sans étudier l'harmonie tonique et dominante , mais je vais donner une brève introduction.
Une progression d'accords tourne généralement autour de la tonique qui est l'accord fondamental de la gamme (par exemple, dans la gamme de do majeur, ce serait l'accord de do majeur). D'autres accords de la progression s'écarteront de cet accord tonique, mais reviendront presque toujours au tonique une fois terminé (à quelques exceptions près, plus à ce sujet dans un instant).
L'accord tonique est l'accord le plus important. Le deuxième accord le plus important est la dominante. L'accord dominant a une forte attraction vers le tonique, et en tant que tel, il crée beaucoup de tension.
Voici ce que dit Michael Hewitt à ce sujet dans son livre Harmony for Computer Musicians :
« … la dominante a tendance à agir en faveur de la position de la triade tonique en tant que centre tonal. Dans ce contexte, l'accord dominant persuade l'oreille que la tonique est le centre tonal de la musique.
Cela signifie quelques choses si vous voulez ajouter plus de tension à votre piste. Premièrement, plus il vous faut de temps pour atteindre la dominante et donc la tonique, plus vous créez de tension (généralement). Deuxièmement, nous pouvons utiliser la dominante à notre avantage afin de créer plus de tension (par exemple, rester dessus plus longtemps)
Un exemple populaire d'exploitation de la dominante, qui est plus une tactique d'arrangement que de composition, est lorsqu'un producteur passe à une accumulation d'une note ou d'un accord, mais répète la dominante au lieu de la tonique. Cela offre un sentiment de malaise et de tension, et donne un sentiment de résolution lorsque la chute frappe.
Voici un exemple :
La cadence trompeuse
Comme vous le savez déjà, la plupart des progressions d'accords comportent la dominante -> tonique, connue sous le nom de cadence authentique. Cela contient de la tension en soi, mais la libération n'est jamais inattendue.
Une astuce consiste à utiliser une cadence trompeuse . Disons que nous sommes dans la tonalité de la mineur et que nous utilisons une progression d'accords standard I - IV - V - I.
Nous aurions :
Suis Dm Em Suis
Au lieu d'aller du Em au Am, nous pourrions voyager vers un accord moins commun, par exemple, l'accord VI (Fmaj), puis répéter la progression d'accords ou voyager vers un autre accord, prolongeant ainsi la progression :
Suis Dm Em Fmaj
Tonalités de pédale
L'utilisation de sons de pédale ou de "points de pédale" est un autre excellent moyen d'ajouter de la tension aux progressions d'accords.
L'utilisation de sons de pédale dans les progressions d'accords implique de maintenir une certaine note (généralement la note de basse) pendant que les accords changent autour d'elle. Cela peut ajouter une grande quantité de tension car la note de basse peut même ne pas exister dans la progression, ce qui peut ajouter de la dissonance, du stress et de la tension.
Voici un exemple :
L'accord de septième de dominante
À l'époque, bien avant que l'EDM n'existe, les gens pensaient que les seuls "vrais" accords étaient des triades.
Mais ensuite, ils se sont ennuyés et ont décidé d'être un peu plus accueillants pour les autres accords. L'accord de septième de dominante est né.
L' accord de septième de dominante a été largement utilisé à travers l'histoire dans tous les types de musique. Pourquoi a-t-il été autant utilisé ? Parce que, comme le dit Michael Hewitt, la septième dominante "a été constamment exploitée pour l' énorme pouvoir d'attraction qu'elle exerce vers la triade tonique".
L'utilisation de l'accord de septième dominante dans une progression contribue à une tension importante qui ne peut pas être obtenue avec votre triade dominante typique. Il y a des raisons à cela que je ne vais pas approfondir, tout simplement parce que ce n'est pas un guide de solfège, mais, en somme, c'est dû à l'intervalle dissonant qui existe entre la note fondamentale et la septième note.
Voici un avant et après :
Avant (I – IV – V – I)
Après (I – IV – V7 – I)
Suspension
L'utilisation de la suspension est un moyen rapide et sale d'ajouter de la dissonance et de la tension à votre progression d'accords. Il s'agit de suspendre une note appartenant à l'accord précédent sur l'accord suivant. La quantité de dissonance dépendra de l'accord suivant.
Voici un exemple de suspension (regardez les notes surlignées):
Tension mélodique
Il existe plusieurs façons de créer une tension mélodique. Nous en examinerons trois en particulier :
- Notes faibles
- Mouvement mélodique
- Variation
Notes faibles
Les notes "faibles" sont probablement le terme incorrect pour ce que je m'apprête à expliquer, donc si vous êtes un théoricien de la musique qui lit ceci, je vous demande de me donner la grâce.
Vous pouvez créer une mélodie agréable et simple en utilisant uniquement les notes contenues dans l'harmonie de soutien. Par exemple, voici une mélodie qui n'utilise que les notes contenues dans chaque harmonie de support :
Ce n'est pas mal, mais cela pourrait avoir un peu plus de tension. Pour ajouter de la tension, on peut ajouter des notes faibles , ou des notes qui ne sont pas incluses dans l'harmonie (accord sous-jacent).
Maintenant, selon l'endroit où vous ajoutez ces notes faibles (et ce qu'elles sont), vous obtiendrez soit beaucoup de dissonance, soit une dissonance mineure.
Ajouter une note faible qui ne joue pas à l'unisson avec l'accord ne sera pas aussi dissonant que s'il était joué à l'unisson.
Comparez les deux exemples ci-dessous (harmonie d'en haut avec un rythme différent).
À l'unisson
Pas à l'unisson
Les notes faibles peuvent également être utilisées pour ajouter de l'intérêt à une mélodie de base existante. Prenons la mélodie de tout à l'heure et complétons-la avec quelques notes faibles :
Mouvement mélodique
Une excellente façon d'ajouter de la tension à votre mélodie est de lui faire faire un grand saut. J'ai utilisé l'exemple de Somewhere Over the Rainbow plus tôt, qui contient un saut d'octave complet au début de la mélodie.
Typiquement, un saut supérieur à une quinte induira beaucoup de tension, surtout si l'intervalle est dissonant.
Variation
La variation est simple et vous devriez déjà savoir comment l'utiliser. Disons que vous avez une mélodie qui joue sur une progression d'accords de 4 mesures. Vous pouvez étendre cette mélodie à 8 mesures et changer la seconde moitié pour ajouter de la tension.
The listener expects to hear the same melody repeat itself, but by changing a few notes (you don’t have to do anything significant) you deny the listener’s expectations and grasp their attention.
Here’s an example using the melody from earlier:
This doesn’t need to be elaborate. In fact, you can build a lot of tension simply by moving a single note:
Arrangement stage
Adding tension during the arrangement stage is a hell of a job, which means it’s also a hell of a job to write about. This section may contain some redundancy, stuff you already know, and methods that may seem a bit “over-the-top.”
Take what you will.
To start with, we’ll look at how to map out tension from a high-level perspective and why it’s important to do so.
Ensuite, nous approfondirons certaines méthodes que vous pouvez utiliser pour ajouter de la tension dans votre arrangement, en commençant par la macro-tension et en passant à la micro-tension.
Build-ups I : Vous n'avez pas besoin d'aller grand
Quand vous entendez le mot « build-up », qu'est-ce qui vous vient à l'esprit ?
Pour la plupart des gens, il s'agit de roulements de caisse claire, de contremarches, de réverbération, de filtrage et d'un tas d'autres choses importantes .
Les accumulations dramatiques ont leur place et elles doivent être utilisées dans la musique là où elles conviennent. Cependant, vous n'avez pas toujours besoin d'aller grand – vous pouvez toujours créer beaucoup de tension sans utiliser ces éléments et effets.
Le Zara d'Arty me vient à l'esprit. Écoutez l'accumulation à partir de 2:28 et notez à quel point elle est minime :
Remarque : parfois, il est préférable d'utiliser des accumulations minimales/subtiles car elles peuvent donner plus d'impact à la chute.
Build-ups II : Transition vers un build-up
En tant que nouveau producteur, la transition vers différentes sections d'une piste peut être difficile. L'une des transitions les plus difficiles est celle de la décomposition/l'idée principale à la construction.
Avant de détailler deux approches, je veux que vous sachiez que la meilleure façon d'apprendre ce type de choses, en particulier comment créer des transitions, est d' écouter d'autres musiques . Vous devez analyser les pistes produites par des professionnels et déterminer comment l'artiste passe à la construction. Un article de blog ne peut qu'être très utile.
Technique #1 – La prise
Cette technique est adaptée à une musique plus douce et fonctionne généralement mieux avec une progression d'accords comme idée principale.
C'est très facile à faire et ne nécessite guère plus que quelques ajustements et modifications MIDI.
#1. Déterminez la durée de votre accumulation et créez un clip MIDI adapté
Disons que nous avons une progression d'accords de base et que nous voulons passer à une accumulation de 8 mesures (en utilisant la technique de maintien). Nous prenons le dernier accord avant la résolution et le prolongeons pour les 8 mesures (ou moins si vous voulez un peu de silence avant le drop/chorus).
#2. Ajustez les paramètres du synthé si nécessaire
Vous ne pouvez pas retenir un son qui décroît rapidement. Si vous avez un pincement maison progressif doux, par exemple, il ne tiendra probablement pas pendant 8 mesures même lorsque le filtre est ouvert. Ajustez le déclencheur pour qu'il dure la longueur souhaitée.
#3. Ajuster au besoin
Votre transition et votre accumulation peuvent ne pas sembler incroyablement fluides, alors jouez avec les filtres, la réverbération, le volume et d'autres effets pour le peaufiner.
Dans mon cas, j'ai décidé d'utiliser un filtre passe-bas et de la réverbération pour lisser la transition.
Remarque : Vous n'avez pas nécessairement besoin d'utiliser l'accord dominant/dernier comme accord de maintien , vous pouvez utiliser le tonique à la place si vous souhaitez ajouter moins de tension.
Technique #2 – Le pré-build
Il peut parfois être judicieux de l'intégrer à votre accumulation. Cela peut être particulièrement utile si votre construction n'inclut pas votre idée principale (progression d'accords ou mélodie).
Il existe plusieurs façons de procéder, vous pouvez :
- Ajoutez une courte colonne montante de bruit blanc avant l'accumulation
- Fondu votre instrument principal
- Incluez un effet inversé qui mène à la construction principale (réverbération inversée sur la caisse claire, par exemple).
- Utilisez un subtil roulement de caisse claire pré-construit
- Ajoutez un effet d'impact (par exemple, Pryda snare) juste avant l'accumulation
Build-ups III: The 3 parts to a generic EDM build-up
In my opinion, there are three basic parts to a generic build-up:
- Snare roll(s)
- Risers
- Filtering & other effects
You don’t need any of these to create tension, but I guarantee that if you listen to anything that sits inside the realm of EDM, you’ll hear them quite often.
Snare rolls
Snare rolls can be simple, complicated, diverse, layered, automated, pitched, filtered–there are many different approaches, so I urge you to experiment and exercise creativity.
There’s no right way to create a snare roll, but it’s important to keep in mind a few things:
- Where is your snare roll going to sit in the mix?
- Is it a foreground or background element? How subtle should it be?
- How long is it going to be? 4 bars, 8 bars?
- C'est payant de laisser une barre libre à la fin de votre lancer de caisse claire. Vous pouvez construire directement dans la chute, mais il est souvent agréable d'avoir un peu de silence avant l'impact.
- Essayez d'utiliser des modèles plus intéressants. Vous pourriez avoir un roulement de caisse claire polyrythmique, par exemple.
- Automatisez la hauteur de votre échantillon de caisse claire au fur et à mesure que le motif progresse pour une tension supplémentaire (vous pouvez également automatiser d'autres paramètres tels que le déclin).
- Superposez votre caisse claire avec une caisse claire plus subtile qui joue des doubles croches. Cela remplira votre accumulation et ajoutera plus de tension.
Contremarches
Il existe de nombreuses façons de créer des contremarches, ou "balayages". Dans mon esprit, les trois types de contremarches/balayages les plus populaires sont :
Élévation de hauteur soutenue : il s'agit généralement d'une longue note qui monte en hauteur (généralement une octave ou deux). Il s'agit souvent d'une onde en scie ou d'une onde carrée, et elle est généralement enchaînée pour donner l'impression qu'elle "pompe".
Rhythmic riser : vous entendrez souvent cela dans des styles d'EDM plus courants. En règle générale, il s'agit d'un son de scie ou de pincement carré qui joue un rythme particulier et monte en hauteur.
Balayage du bruit blanc : j'appelle cela un balayage au lieu d'une contremarche car il n'augmente pas techniquement en hauteur. Un balayage de bruit blanc sera généralement une onde ou un échantillon de bruit blanc qui comporte un filtre passe-bas ouvert.
Trucs, astuces et choses à garder à l'esprit :
- Comme les rouleaux de caisse claire, vous devez déterminer où la contremarche va s'asseoir dans votre mix. Est-ce un élément de premier plan ? Est-ce subtil ?
- Les contremarches n'ont pas besoin de monter de 12 ou 24 demi-tons. Ils n'ont pas besoin de monter d'exactement une octave. Comme nous le savons, une augmentation de la différence de hauteur ne conduit pas nécessairement à une tension plus perçue. Essayez d'expérimenter avec des contremarches qui ne parcourent que 5 demi-tons (ou même 1 demi-ton si vous vous sentez aventureux).
- Superposer une contremarche soutenue avec une contremarche rythmique fonctionne incroyablement bien, essayez-le.
- Il est facile pour les élévateurs soutenus de sonner durs et abrasifs. Essayez de tremper votre colonne montante dans la réverbération, surtout s'il s'agit plutôt d'un élément de fond.
Filtrage et autres effets
Les roulements de caisse claire et les élévateurs ajoutent une grande quantité de tension, mais ils ne conduisent pas toujours à une transition en douceur.
En utilisant certains effets comme les filtres, les retards et les réverbérations, vous pouvez non seulement ajouter une tension supplémentaire, mais vous pouvez également lisser la transition entre deux sections d'un arrangement.
Filtrage passe-haut
Le filtrage passe-haut est largement utilisé dans tous les genres de musique pour ajouter de la tension. Comme nous l'avons vu précédemment, la modification de la composition fréquentielle d'une chanson ajoute de la tension, surtout si cela implique de supprimer les basses fréquences.
Lorsque vous supprimez progressivement les basses fréquences dans une accumulation, vous signalez à l'auditeur que les graves vont revenir sous peu. C'est similaire à une progression d'accords où certains accords signalent à l'auditeur que l'accord tonique est sur le point de revenir.
J'aime passer mon canal maître ainsi que certains éléments individuels. Par exemple, je pourrais ajouter un passe-haut sur mon maître qui commence à 30 Hz et monte jusqu'à 175 Hz. [note]vous n'avez pas besoin d'aller aussi haut pour ajouter de la tension. De plus, de nombreux DJ utilisent souvent le filtre sur leur table de mixage pendant les montées en puissance, donc cela vaut la peine de leur laisser de la place pour le faire et d'ajouter plus de tension s'ils en ont besoin), et je pourrais ajouter un passe-haut plus extrême sur mon roulement de caisse claire qui se déplace de 30 Hz à 300 Hz.[/note]
L'astuce avec le filtrage est de commencer subtil. Il est facile d'aller trop loin et de passer trop haut trop rapidement ou trop fort, ce qui entraîne une baisse d'énergie et réduit en fait la tension. Commencez subtilement et augmentez si vous le jugez nécessaire.
Réverbération
La réverbération est l'un de mes outils préférés pour ajouter de la tension, principalement parce qu'il existe de nombreuses façons de l'utiliser.
Une utilisation courante est sur les élévateurs et les rouleaux de caisse claire pour ajouter de la tension et lisser la transition entre la montée et la chute (ou toute autre section qui suit). Vous pouvez utiliser une réverbération à longue décroissance et automatiser le dry/wet de sorte qu'au cours des 2 dernières mesures de votre roulement de caisse claire, il commence à s'effacer.
Une astuce moins courante consiste à utiliser une réverbération sur votre canal maître (oui, malgré les conseils courants, il est tout à fait acceptable d'utiliser des effets sur votre canal maître), et d'automatiser à la fois le paramètre sec/humide et le paramètre de taille au fur et à mesure que votre construction progresse. En réduisant la taille de la réverbération, vous obtenez un effet d'élévation de hauteur unique qui ajoute encore plus de tension à votre construction.
Ajout de macro-tension – un exemple
L'ajout de macro-tension nécessite effectivement une expérimentation. Il existe de nombreuses façons d'ajouter de la tension lors d'une intro ou d'une montée en puissance, et il serait imprudent de ma part de toutes les couvrir.
Dans cette section, j'adopterai une approche générique de la macro-tension en utilisant un arrangement hypothétique.
Introduction – mesures 1 à 32
Les 16 premières mesures de l'intro ne comporteront qu'une seule couche de macro-tension : l'ajout de sons de batterie . Par exemple, je peux apporter un clap sur la mesure 8, puis filtrer un charleston à partir de la mesure 12.
À la mesure 16, j'apporterai la prochaine couche de macro-tension, cette fois grâce à l'utilisation d'un balayage de bruit blanc et d'une contremarche inclinée. Ce sera subtil pour commencer.
La mesure 24 marque la troisième et dernière couche de macro-tension qui fournit le plus d'impact. Un roulement de caisse claire est introduit, le coup de pied est supprimé et une contremarche rythmique arrive à plein volume.
L'accumulation de 8 barres que j'ai faite ici peut être reproduite et utilisée dans différentes zones de la piste où je dois ajouter une quantité similaire de tension. Je pourrais, bien sûr, créer une accumulation distincte pour chaque moment majeur de « création de tension », mais cela serait inefficace.
Couplet – mesures 32–64
Le couplet suit une structure de tension similaire à l'intro. Je ne veux pas ajouter de tension dans les 8 premières mesures, car cela nuirait à l'impact et à l'énergie de la chute. Cependant, comme l'intro, la première couche de macro-tension sera l'ajout de sons de batterie.
A la mesure 16, j'ajoute un nouvel instrument. Cela augmente l'énergie tout en communiquant clairement à l'auditeur que la section progresse vers quelque chose. Je n'ajouterai pas ici le balayage subtil du bruit blanc ou la colonne montante.
At bar 56, I’ll use the same build-up I used in the intro, except this time I’ll highpass the snare and keep the kick playing underneath. This keeps the low-end and still builds a significant amount of tension, albeit it not as much as the intro. It’s not necessary to build a huge amount of tension here as I’m transitioning into the breakdown.
Breakdown – bars 64 – 96
In the breakdown I’ll introduce my main idea, which will be simple 3-chord progression (I – IV – V – I). I know I’ve used this chord progression for almost every single example in this article, but that’s because it’s simple.
Build-up – bars 96–104
Je copie et colle l'accumulation que j'ai utilisée dans mon intro et je l'utilise à nouveau ici. Cependant, cette fois, il y a un accord (l'accord V de la progression précédente) qui se répète parallèlement à l'accumulation. J'ai une barre de silence avant que le refrain principal ne frappe.
Refrain – mesures 104 – 136
Le refrain suit la même structure de tension que le couplet. Aucune différence.
Autre – barres 136–168
Pas d'utilisation majeure de la macro-tension.
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Façons d'ajouter de la micro-tension
Comme la macro-tension, il existe des moyens génériques/communs d'incorporer la micro-tension dans votre piste, et des moyens plus uniques.
Nous allons regarder les deux.
Je vais d'abord détailler plusieurs façons courantes d'ajouter de la micro-tension à votre piste. Beaucoup d'entre eux sembleront simples et évidents, et c'est parce qu'ils le sont. Si vous êtes un débutant, vous pouvez en tirer profit, si vous êtes plus expérimenté, vous voudrez peut-être parcourir rapidement et passer à la section suivante où nous examinons des moyens plus uniques d'ajouter de la micro-tension.
Trois façons courantes d'ajouter de la micro-tension
Il existe de nombreuses façons d'ajouter de la micro-tension, certaines plus courantes que d'autres. J'ai énuméré quelques exemples que je considère à la fois courants et indépendants du genre, ce qui signifie que vous pouvez les utiliser dans presque tous les genres de musique de danse.
1. Crash inversé + crash standard
Je t'avais dit que ça allait être simple.
Le crash inversé + crash standard est l'un des tours les plus anciens du livre. D'où ça vient, je ne sais pas, mais c'est vieux.
It simply involves taking a crash cymbal, duplicating it, reversing the copied version and placing it in front of the existing crash cymbal to create a “pull” effect. You’ll often hear something like this every 8, 16, or 32 bars.
Tips and tricks:
- It’s a good idea to lower the volume of the reverse cymbal to give the standard crash more impact
- Try adding delay and reverb to the cymbal before bouncing it down and reversing it. This can make for some interesting tension-building effects.
- Have the reverse crash cymbal end slightly before the standard crash hits. This adds to the impact of the standard crash.
2. Kick removal
Listen to any odd dance track and you’ll hear this technique.
Un moyen rapide et sale d'ajouter de la micro-tension est de supprimer un coup de pied ou plus à la fin d'une phrase. Par exemple, vous faites jouer votre coup de pied 4/4, puis à la fin de votre phrase de 8 mesures, vous supprimez deux coups de pied de la dernière mesure qui créent du suspense et fournissent des motifs pour qu'un nouvel instrument ou son arrive au début. de la phrase suivante.
Vous pouvez également utiliser un coup de pied fantôme pour passer à la phrase suivante (vous entendrez souvent cela dans la maison de technologie de style UMEK) :
Enfin, utiliser des rythmes irréguliers est un excellent moyen d'ajouter encore plus de suspense et de déconcerter l'auditeur :
Trucs et astuces:
- Si vous souhaitez ajouter une tension plus subtile, essayez de passer le coup de pied au lieu de le supprimer complètement.
- Généralement, plus vous enlevez de coups de pied, plus la tension est grande
- Le retrait du déclencheur de la chaîne latérale peut également contribuer à la tension s'il empêche vos principaux instruments de pomper. Cela peut entraîner une augmentation du volume sonore, ce qui peut être indésirable, mais vous pouvez contourner ce problème en automatisant le volume.
3. Remplit
Les remplissages courts sont un parfait exemple de micro-tension. Ils ne sont pas aussi courants que les kick removal et les cymbales crash, et si vous les réussissez bien, les gens seront impressionnés par vos côtelettes de production.
Remarque : lorsque je veux dire des remplissages courts , je veux dire pas plus d'une mesure.
Les remplissages peuvent être compliqués ou simples selon vos objectifs et votre style de musique. Ils doivent également correspondre au style de musique que vous faites. Un remplissage de tom dubstep percutant ne fonctionnera pas bien dans une chanson house progressive fluide, tout comme un remplissage de tom roto reggae ne fonctionnera pas bien dans une chanson de transe édifiante (enfin, cela pourrait me prouver le contraire).
Je ne vais pas vous apprendre à faire différents remplissages, ce serait un article en soi, mais je vais vous donner quelques idées.
Remplissages courts et simples
La façon la plus simple et la plus courante d'incorporer des remplissages dans votre arrangement pour ajouter une micro-tension est d'utiliser un court roulement de caisse claire. Vous pouvez les créer assez facilement par vous-même, mais ils sont également assez courants dans les packs d'échantillons.
Voici un exemple d'un court remplissage de caisse claire dans le remix Aurosonic de See the Sunlight de Matt Darey (écoutez à partir de 1:58)
Vous pouvez également utiliser des rouleaux de caisse claire extrêmement courts, littéralement deux coups, pour ajouter une micro-tension.
Évidemment, vous n'avez pas besoin d'utiliser une caisse claire. Essayez d'expérimenter différents sons comme les congas, les toms ou même les cymbales ride.
Remplissages complexes
Les remplissages complexes sont une bête complètement différente, et si vous les faites vous-même, soyez prêt à passer pas mal de temps à le faire.
Dans mon esprit, un remplissage complexe est mieux créé par l'expérimentation. Si vous êtes un batteur ou que vous produisez depuis un certain temps, vous savez probablement quels sons fonctionnent le mieux ensemble, et si vous utilisez un VST/séquenceur de batterie réaliste, c'est beaucoup plus facile. Sinon, si vous utilisez un échantillonneur DAW standard et que vous ajoutez des coups uniques, le processus peut être beaucoup plus long.
Expérimentez avec le panoramique, les niveaux de vélocité, l'ADSR sur les coups individuels, etc.
Faire des remplissages complexes est amusant. Je le ferais pour gagner ma vie si je le pouvais.
Échantillons de remplissage
Si vous avez des choses plus importantes à faire que de passer des heures à créer des remplissages de batterie, vous pouvez les échantillonner d'ailleurs.
Évidemment, il y a des problèmes de droits d'auteur si vous échantillonnez à partir de chansons existantes. Je déconseille de le faire à moins que vous ne prévoyiez d'effacer l'échantillon ou de le traiter/le modifier de manière significative afin qu'il ne puisse pas être reconnu.
Cependant, vous n'avez pas vraiment besoin d'échantillonner à partir de chansons existantes. Il existe de nombreux packs d'échantillons contenant une sélection de remplissages. Tu dois juste creuser pour eux.
Il existe, bien sûr, des moyens plus courants d'ajouter de la micro-tension, mais je considère que ces trois sont les plus courants.
Mais qui veut être générique ? Regardons quelques façons plus uniques d'ajouter de la micro-tension dans votre arrangement.
Des façons uniques d'ajouter de la micro-tension
Parce qu'il existe une possibilité infinie de combinaisons sonores différentes, il est impossible de détailler tous les types de micro-tension. Il existe une quantité infinie de façons d'ajouter de la micro-tension (et même de la macro-tension d'ailleurs) dans une piste.
Cela dit, j'ai 6 techniques en particulier que je vais partager. Espérons que certains d'entre eux suscitent une nouvelle idée ou technique dans votre tête, mais quoi qu'il en soit, ils constituent un bon point de départ.
1. Réverbération inversée
Sam, l'astuce de la réverbération inversée n'est pas unique ! je l'entends tout le temps!
Bien sûr, l'astuce de la réverbération inversée n'est pas unique, mais elle est moins utilisée que les remplissages, l'astuce de la cymbale crash inversée ou la suppression du coup de pied.
Cette technique peut être utilisée sur presque tout, des lignes de basse et des sons de batterie aux pistes de synthé et aux voix. C'est super simple à faire et laisse beaucoup de place à l'expérimentation. Voici un exemple de son utilisation pour introduire un son de pincement :
Je ne vais pas approfondir l'aspect technique des choses, car vous devriez être capable de résoudre cela vous-même (surtout si vous avez lu le manuel de votre DAW. Si vous ne l'avez pas fait, faites-le maintenant avant de lire plus loin).
Essentiellement, il s'agit d'ajouter de la réverbération à un son, généralement une seule note ou instance du son. Si vous souhaitez inverser la réverbération dans une progression d'accords, vous devez appliquer la réverbération au premier accord "frappé", le faire rebondir, puis l'inverser.
Trucs et astuces:
- Expérimentez avec des réverbérations longues et courtes et voyez comment la tension diffère entre les deux
- Essayez de couper la réverbération rebondie de manière rythmique pour ajouter de l'intérêt et de la complexité
- Faites rebondir une version retardée du hit et jouez-la à l'unisson avec la réverbération pour un effet intéressant
- Laisser un espace entre la réverbération inversée et le son pour lui donner plus d'impact (astuce à la reverse crash)
2. Teaser une idée
Un moyen efficace d'ajouter à la fois une micro-tension et une macro-tension est de taquiner une idée - généralement l'idée principale - plus tôt dans votre morceau.
L'Infinia d'Omnia en est le parfait exemple. Vous pouvez entendre la mélodie principale taquinée dans l'intro.
Il existe plusieurs façons de procéder, vous pouvez :
- Jouez des extraits de votre idée principale tout au long de l'intro
- Traitez-le fortement pour qu'il reste en arrière-plan et soit plus subtil
- Utilisez-le brièvement au début/à la fin des phrases. Par exemple, faites jouer la dernière mesure d'une progression d'accords de 8 mesures (ce qui est votre idée principale) à la fin d'une phrase. Cela taquine l'idée principale tout en facilitant la transition.
3. Pépin
Selon le genre de musique que vous créez, les effets de pépin peuvent être un excellent moyen d'ajouter de la micro-tension.
Vous entendrez souvent des effets de pépin dans la transe technologique à BPM élevé entre les phrases. Il peut s'agir de n'importe quoi, d'une grosse caisse étirée dans le temps à un motif de hachage vocal glitchy et aléatoire.
Je ne vais pas détailler des façons particulières d'ajouter des pépins, car, encore une fois, cela nécessiterait son propre article, mais voici quelques idées :
- Faire rebondir les éléments sur l'audio et les étirer dans le temps
- Utilisez des motifs courts et rapides pour créer des effets de pépin abrasifs (essayez de tracer 16 notes de grosse caisse en un temps pour voir ce que je veux dire).
- Utilisez des échantillons de glitch : des sons de machines de jeux rétro, des sons électroniques, etc.
- Utilisez des effets tels que des phasers, des flangers et des bitcrushers pour créer des bugs
- Utilisez un plugin glitch dédié comme dBlue Glitch 2
- Utiliser des effets de bégaiement/gate pendant les transitions
4. Le coup de pied solo
J'ai découvert la technique du coup de pied solo pour la première fois après avoir entendu Vandalism de Porter Robinson . Si vous écoutez environ 3h30, vous entendrez qu'au début de la phrase, il laisse tomber tous les instruments à l'exception du coup de pied, puis ramène tout en un battement plus tard. Cela ajoute une immense quantité d'énergie suite à la micro-tension.
5. Utilisez des accords inattendus
Vous pouvez ajouter une micro-tension au niveau de la composition en modifiant le dernier ou les deux derniers accords d'une progression.
Par exemple, vous pouvez avoir une progression d'accords I - IV - V, et pour ajouter une micro-tension après quelques phrases, vous changez l'accord de dominante en une septième de dominante. L'auditeur ne s'y attendra pas, et cela ajoutera de la tension en conséquence.
Vous pouvez, bien sûr, aller au-delà et changer complètement l'accord. Expérience.
6. Voler d'autres genres
Si vous voulez vraiment être différent, vous pouvez voler des idées d'autres genres et les utiliser pour créer une micro-tension. Un exemple courant dans la trance moderne influencée par l'électro et la house progressive consiste à utiliser un oscillation dubstep d'une mesure à la fin d'une phrase.
Voici un exemple d'une future basse house utilisée dans un genre différent pour ajouter de la micro-tension :
Problèmes et questions courants
Nous avons examiné ce qu'est la tension, à la fois d'un point de vue élevé et bas. Nous avons également examiné comment ajouter de la tension dans la phase de composition ainsi que dans la phase d'arrangement, à la fois au niveau macro et au niveau micro.
Avant de conclure cette section sur la tension, je souhaite aborder certains problèmes courants, puis partager plusieurs trucs et astuces qui pourraient s'avérer utiles.
J'ai ajouté de la micro-tension, mais ma chanson sonne toujours simple/ennuyeuse.
Avant tout, il est important de ne pas confondre simple et ennuyeux. La meilleure musique de danse est intrinsèquement simple. Il faut que ce soit pour faire danser les gens.
Cependant, si votre production est vraiment ennuyeuse, ce n'est probablement pas le résultat d'une micro-tension, mais plutôt de votre niveau d'intérêt et de variation dans l'arrangement.
Par exemple, si vous avez une progression d'accords générique relativement simple qui se répète encore et encore, votre piste sera ennuyeuse. Vous devez le parsemer d'autres instruments et créer des variations pour qu'une phrase de 8 mesures ne se répète pas exactement. C'est moins un problème de tension qu'un problème de composition/arrangement.
Dois-je avoir une cymbale crash toutes les 8 mesures ?
C'est un problème étonnamment courant. Je me demandais toujours si c'était mal d'ajouter une cymbale crash toutes les 8 mesures.
La réponse courte est que cela n'a vraiment pas d'importance. Si vous voulez faire avancer votre chanson, c'est une bonne idée d'avoir une cymbale crash toutes les 8 mesures. Si vous craignez que les gens vous demandent d'en utiliser une si souvent (et ils ne le feront pas, je le garantis), utilisez simplement plus d'une cymbale crash et variez-les.
Il convient de noter que si vous avez une cymbale crash qui joue toutes les 8 mesures, la cymbale crash aura un impact moins énergique car elle est entendue plus souvent. Une solution consiste à utiliser une cymbale crash forte/longue qui frappe au début de chaque phrase majeure (par exemple, 16/32 mesures) et une cymbale crash mineure/plus courte qui frappe toutes les 8 mesures environ.
Quelle doit être la durée de ma construction ?
Il n'y a pas de réponse définitive à une question comme celle-ci. Votre accumulation doit être aussi longue que nécessaire.
Je sais que cela ressemble à une réponse de dérobade, mais c'est la vérité. Il n'y a aucune raison objective de choisir une accumulation de 16 barres plutôt qu'une accumulation de 8 barres, et une accumulation plus longue n'entraîne pas nécessairement une tension accrue (bien que souvent, simplement parce qu'elle étire l'auditeur plus longtemps) .
Certaines personnes soutiennent que cela devrait dépendre de la longueur de votre chanson. Si votre chanson dure 4 minutes à 128 BPM, alors c'est une mauvaise idée d'avoir une accumulation de 32 mesures, ou si votre chanson dure 8 minutes, alors utiliser une accumulation de 8 mesures est trop court. Ce n'est tout simplement pas vrai car il existe de nombreuses chansons qui durent de 6 à 8 minutes avec des accumulations de 8 mesures qui fonctionnent incroyablement bien.
Pour répondre à la question, je ne sais pas. Vous devez expérimenter différentes longueurs, obtenir des commentaires à leur sujet et voir ce que les gens aiment le plus. En fin de compte, c'est le contenu de votre build-up qui compte le plus. Les gens ne se soucieront pas de la longueur de votre accumulation si elle est mal conçue.
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PARTIE 2 – ÉNERGIE
Qu'est-ce que l'énergie
Il est difficile de donner une définition claire de l'énergie dans la musique électronique. Cela s'explique en partie par le fait que :
A) il est souvent utilisé de manière interchangeable avec "tension"
B) il fait référence à une gamme de choses différentes
Ce qu'il faut comprendre, c'est que l'énergie existe par défaut dans la musique. Certaines personnes diront que l'énergie ne peut exister sans tension, mais ce n'est pas tout à fait vrai. Si vous avez une grosse caisse jouant un motif 4/4 sans aucun élément environnant, il y a toujours de l'énergie là-bas malgré qu'il y ait peu ou pas de tension.
Cela étant dit, l'énergie est souvent construite à travers la tension. Un build-up a plus d'énergie qu'une intro, par exemple. Cependant, comme mentionné ci-dessus, l'énergie peut exister séparément de la tension. Le meilleur exemple de cela est pendant le drop ou le refrain d'une piste où il y a un "libération" de la tension.
L'énergie est une combinaison de différentes choses : la qualité du mixage et le niveau de « volume » du morceau, le style de composition, le tempo, le rythme, etc. Une bonne utilisation de l'énergie amène les auditeurs à se lever du canapé et à danser (ou à essayer de danser, si vous êtes comme moi).
Types d'énergie
L'énergie peut être divisée en différentes catégories comme la tension (micro/macro). J'aime voir ces catégories comme:
- Total/global
- Rythmique
- Sonique
Regardons-les un par un.
Énergie totale/globale
L'énergie totale ou «globale» fait référence à l'énergie totale de votre production. Différentes chansons ont différents niveaux d'énergie, tout comme les genres. Par exemple, un morceau lounge chill-out aura objectivement moins d'énergie qu'un morceau hardstyle à 150 BPM.
L'énergie totale doit être prise en compte lors de la production. Voulez-vous que votre morceau soit joué aux heures de pointe dans le club, ou voulez-vous que ce soit un morceau d'ouverture décontracté ?
Il n'y a pas de véritable mesure objective de l'énergie au-delà de l'évidence flagrante (hardstyle vs lounge). Une personne peut penser qu'un certain morceau a plus d'énergie qu'un autre dans le même genre, et une autre personne peut penser le contraire.
Énergie rythmique
Alors que l'énergie totale peut être considérée à une échelle macro comme une mesure globale pour une piste complète, l'énergie rythmique est plus petite et plus spécifique.
L'énergie rythmique, souvent appelée «groove», est ce qui fait danser les gens. je
La plupart de l'énergie rythmique proviendra du coup de pied et de la ligne de basse, mais elle peut également provenir d'autres instruments qui jouent un motif rythmique fort. Le son percussif du remix de Man With The Red Face par Hardwell contribue beaucoup à l'énergie rythmique, même s'il ne s'agit pas d'une ligne de basse.
Aussi stupide que cela puisse paraître, il existe un moyen simple de tester l'énergie rythmique de votre morceau. J'aime l'appeler le test du "coup de tête". En écoutant votre morceau, pouvez-vous facilement bouger la tête ? Cela vous semble-t-il naturel ? Si ce n'est pas le cas, vous devrez examiner comment vous avez créé votre groove et où il manque.
Énergie sonique
La plupart des gens supposent que s'ils ont bien composé et arrangé leur morceau, l'énergie sera grande, mais ce n'est pas toujours vrai.
Vous pouvez avoir un bon rythme, une mélodie qui tue et un arrangement parfait, mais s'il manque de finition et de qualité sonore, alors il y aura moins d'énergie.
Disons, par exemple, que vous écrivez une piste pour un club. Les idées sont géniales - votre ligne de basse est groovy et votre mélodie principale fonctionne parfaitement. Cependant, le kick et la basse se heurtent légèrement et le lead principal est beaucoup trop fort.
Vous pourrez peut-être écouter cela et dire qu'il a une grande énergie, étant donné qu'il a un arrangement, un rythme et une mélodie solides, mais le mélange n'est pas tout à fait là. Il ne résistera pas aux autres pistes lorsqu'il est joué dans un mix, et ce qui peut sembler être des défauts mineurs peut finir par ruiner toute la piste lorsqu'il est joué sur un vrai système.
Je me souviens souvent de l'importance de l'énergie sonore lorsque j'entends un morceau qui a un peu trop de haut de gamme (souvent causé par une utilisation libérale du bruit blanc). C'est supportable en écoute au casque, mais si je l'entends en club, ça me fait mal aux oreilles. Je me fiche de la qualité de la ligne de basse. Je me fiche de la tension dans votre arrangement. Le haut de gamme dur me rebute complètement et nie toute tentative d'utiliser l'énergie pour invoquer une réponse.
Longue histoire courte? Assurez-vous que votre mixage est de qualité. Il n'a pas besoin d'être parfait, mais il doit être acceptable si vous voulez fournir la bonne quantité d'énergie.
Energy Dynamics : comment créer une piste engageante
Tout comme l'énergie globale d'une piste varie d'une autre piste à l'autre, les niveaux d'énergie d'une piste varient tout au long de l'arrangement.
Un arrangement doit avoir du contraste afin de maintenir l'intérêt de l'auditeur et de répondre à ses attentes. Bien qu'il n'y ait pas de règles en musique, c'est rarement une bonne idée de garder le même niveau d'énergie tout au long d'un arrangement complet : d'abord parce que c'est incroyablement difficile à faire sans ennuyer l'auditeur, et ensuite parce que c'est ennuyeux à faire.
Une goutte n'aura pas autant d'impact si elle n'a pas été précédée d'une section calme et à faible énergie, tout comme une section calme et à faible énergie ne sera pas aussi apaisante et douce si elle n'est pas précédée d'une section relativement à haute énergie. section. Et c'est exactement pourquoi la dynamique énergétique est si importante.
Apprendre la dynamique énergétique avec la méthode 1–9
Si vous êtes un nouveau producteur - ou si vous n'avez pas beaucoup réfléchi à l'énergie et que vous ne luttez pas avec elle dans vos productions - alors vous devez passer un peu de temps à vous familiariser avec l'idée de la dynamique énergétique avant d'essayer de l'implémenter dans votre morceau. .
Pourquoi?
Oui, il n'y a pas de substitut à la pratique - l'essayer sur vos propres pistes - mais vous pouvez optimiser votre pratique en apprenant un peu à l'avance.
Vous pouvez vous familiariser avec les différents niveaux d'énergie d'une chanson en… eh bien, en écoutant beaucoup de musique. Cependant, en utilisant la méthode 1 à 9, vous pouvez acquérir une meilleure compréhension de la dynamique énergétique et de la façon d'ajuster les niveaux d'énergie dans votre propre voie.
Qu'est-ce que la méthode 1-9 ?
La méthode 1–9 n'a rien de nouveau. C'est une façon simple d'analyser la musique dans le but d'apprendre.
La méthode est la suivante :
- Trouvez une piste dans le style de musique que vous produisez (ou n'importe quel style)
- Faites-le glisser dans votre DAW et divisez-le en ses sections respectables (intro, couplet, refrain, etc.)
- Donnez à chaque section un nombre compris entre 1 et 9 – 9 étant la quantité d'énergie la plus élevée et 1 étant la plus faible.
Prenons l'exemple de Parker & Hanson – Gravity (remix de Jason Ross).
J'ai divisé la piste par chaque section majeure et aussi chaque section où quelque chose d'important se produit (plus de percussions introduites, nouvel instrument, etc.)
Ensuite, j'ai renommé chaque section avec un numéro compris entre 1 et 9.
Remarque : une bonne façon de procéder est de commencer par la section d'énergie la plus élevée et de lui donner un 9, puis de trouver la section d'énergie la plus faible et de lui donner un 1, puis de tout résoudre à partir de là.
Enfin, je vais rincer et répéter, puis comparer mes découvertes avec d'autres pistes que j'ai analysées.
Cette méthode vous oblige à vraiment réfléchir au niveau d'énergie dans chaque section.
Rester sur la bonne voie avec une carte énergétique
Jusqu'à ce que vous acquériez une maîtrise complètement subconsciente de l'énergie, c'est une bonne idée de cartographier l'énergie dans vos productions le plus tôt possible.
Cela vous aide à rester sur la bonne voie lors de la composition, de l'arrangement et du mixage. Si vous avez décidé qu'une certaine section a besoin d'une quantité X d'énergie, et qu'elle n'est pas tout à fait là, alors vous savez que vous devez ajouter quelque chose.
J'aime utiliser quelque chose que j'appelle The Energy Map. C'est quelque chose dont j'ai déjà beaucoup parlé, mais cela vaut la peine de le répéter.
Une carte d'énergie est une représentation visuelle des niveaux d'énergie de votre morceau. Ainsi, pour un arrangement de musique de danse typique, vous pourriez avoir quelque chose comme ceci :
Bien que nous puissions créer une carte énergétique autour d'une chanson existante, c'est une bonne idée de le faire à l'avance - avant de créer votre arrangement, pour la raison mentionnée ci-dessus.
La façon la plus simple de le faire est de créer un clip d'automatisation vierge dans votre DAW, comme ceci :
Remarque : dans Live, si vous automatisez la fonction de transposition sur un échantillonneur, vous obtiendrez un clip d'automatisation lié à la grille qui peut faciliter le dessin d'une carte énergétique.
Vous devriez avoir une idée de base de la façon dont vous voulez que vos niveaux d'énergie changent au cours de votre arrangement, mais sachez que votre carte énergétique n'a pas besoin d'être figée. Au fur et à mesure que vous organisez, vous constaterez que certaines sections doivent être déplacées ou modifiées, et votre carte énergétique doit être ajustée en conséquence.
Comment "pirater" les niveaux d'énergie lors de la production
Vous lisez peut-être ceci sans la moindre idée de la façon de créer une carte énergétique. Vous ne savez pas quelles sections devraient avoir beaucoup d'énergie, combien d'énergie votre intro devrait avoir, etc.
Heureusement, il existe une astuce simple qui contourne complètement cela. Vous volez une carte énergétique ailleurs.
C'est simple:
- Trouvez une piste qui a un son et un niveau d'énergie global similaires à celui que vous voulez faire
- Faites-le glisser dans votre DAW et dessinez une carte énergétique à côté
- Supprimez la piste, conservez la carte énergétique et utilisez-la comme base pour votre arrangement d'origine.
Contraste et cohérence
Il y a un bon équilibre entre un contraste des niveaux d'énergie et des niveaux d'énergie constants qui maintiennent la piste en mouvement.
Les producteurs amateurs ont tendance à opter pour moins de contraste, car ils craignent de trop baisser l'énergie. Des niveaux d'énergie trop constants conduisent à une piste fade et ennuyeuse, et en raison du manque de contraste, l'énergie globale est réduite.
Cependant, mettre trop l'accent sur le contraste est également une mauvaise idée. Si votre piste est quelque peu douce et que vous introduisez une section anormalement énergique, l'auditeur sera confus et se sentira mal à l'aise. De même, si vous avez un gros banger de club, et qu'il y a une section avec peu d'énergie et peu de tension qui dure un peu trop longtemps, l'auditeur s'ennuiera.
Gardez à l'esprit l'équilibre entre le contraste et la cohérence.
Problèmes courants et choses à garder à l'esprit
Donc, nous venons d'avoir un bref aperçu de ce qu'est l'énergie et de la façon dont vous pouvez adopter une approche plus délibérée pour la manipuler dans votre arrangement.
Avant de conclure, j'aimerais aborder quelques problèmes courants et aborder certaines choses qu'il convient de garder à l'esprit lorsqu'on examine l'énergie.
Vous n'avez pas besoin d'aller trop loin
De nombreux producteurs tombent dans le piège de penser qu'ils ont besoin de plusieurs instruments ou éléments pour avoir une section à haute énergie. Ce n'est évidemment pas vrai si vous regardez des morceaux comme EPIC de Sandro Silva & Quintino , qui ne comporte que deux instruments (un kick et un sample) pendant le drop, ou le tristement célèbre Animals de Martin Garrix .
Parfois, plus d'énergie vient de moins.
A commencer par la goutte
Si vous avez du mal à créer une section à haute énergie dans votre piste, c'est peut-être parce que vous travaillez de manière linéaire (en commençant par l'intro et en travaillant de gauche à droite).
Envisagez de commencer votre piste en faisant la section la plus énergétique - la chute. Il est beaucoup plus facile de descendre vers des sections d'énergie plus faibles après avoir créé le point culminant.
Vous n'avez pas besoin de faire un banger
Les DJ ont besoin de morceaux à faible énergie. Si vous voulez faire un morceau énergique qui détruit la piste de danse, c'est parfait ! Mais si l'inspiration frappe et qu'elle nécessite un morceau moins énergique / plus doux, ne forcez pas une chute percutante.
Éviter la perte d'énergie
Il est tentant de tout faire entrer à votre rythme – tous les instruments, les couches, les percussions – mais cela peut entraîner une baisse d'énergie 8 à 16 mesures plus tard.
Essayez de vous retenir. Présentez les instruments de base lorsque votre drop frappe, puis 8 mesures plus tard, introduisez un nouveau son - même s'il ne s'agit que d'un charleston ou d'un clap - pour maintenir l'énergie élevée.
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Conclusion
T'es arrivé au bout ?
Bien sur vous. Ce fut une longue lecture.
J'espère que vous avez appris quelque chose, et j'espère que vous avez pris des notes. N'oubliez pas que l'apprentissage de la tension et de l'énergie n'est utile que si vous le mettez en pratique, alors assurez-vous de mettre en œuvre certaines des idées partagées dans cet article lors de votre prochaine session de production.
Enfin, si vous avez trouvé cet article utile, j'apprécierais vraiment que vous puissiez le partager avec vos amis ou sur les réseaux sociaux.
Breaking Down the Beat: Most Popular Rhythms in Music
les rythmes les plus populaires dans la création musicale
La musique est une forme d'art qui parle à l'âme, et l'un de ses éléments les plus fondamentaux est le rythme .
Le rythme consiste à créer un motif répétitif de notes au fil du temps, et le rythme est comme le rythme cardiaque de la musique.
Dans cet article, nous explorerons les rythmes populaires de la musique moderne et comment ils façonnent les sons et les styles que nous aimons. Lisez la suite pour découvrir les rythmes qui nous font danser depuis des générations.
Il s'agit du chapitre 5 du
Comment faire un guide de chanson
Quatre sur le sol (temps 4/4)
Le rythme le plus populaire en musique est 4/4 temps. C'est le rythme pop classique et est souvent appelé temps commun. Ce rythme est utilisé dans de nombreuses chansons populaires, de "Happy" de Pharrell Williams à "All Star" de Smash Mouth.
Le temps 4/4 est souvent utilisé dans les chansons entraînantes et accrocheuses, car il a une pulsation régulière et constante sur laquelle il est facile de danser et de chanter.
En 4/4 temps, le motif de batterie met généralement l'accent sur le temps fort (le premier temps de chaque mesure), avec la grosse caisse jouée sur les temps 1 et 3 et la caisse claire sur les temps 2 et 4.
Valse (temps 3/4)
Un troisième rythme populaire est le temps 3/4, également connu sous le nom de temps de valse. Ce rythme est utilisé dans une variété de genres, de la musique classique au jazz et à la pop. Il a une sensation douce et ondulante qui peut créer une atmosphère de rêve et romantique.
Des chansons comme "Clair de Lune" de Claude Debussy et "Can't Help Falling in Love" d'Elvis Presley sont d'excellents exemples de 3/4 de temps.
En 3/4 temps, le motif de batterie accentue souvent le premier temps de chaque mesure, avec la grosse caisse jouée sur le temps 1 et la caisse claire sur le temps 3.
Rythme Latin (6/8 temps)
Un autre rythme populaire est le temps 6/8. Cette signature temporelle est souvent utilisée dans la musique pop, rock et country. Il a une sensation dynamique et optimiste qui peut être idéale pour écrire des refrains et des ponts accrocheurs.
Des chansons comme "Shape of You" d'Ed Sheeran et "American Pie" de Don McLean sont d'excellents exemples de temps 6/8.
En temps 6/8, le motif de batterie met souvent fortement l'accent sur le premier temps de chaque mesure, avec la grosse caisse jouée sur les temps 1 et 4 et la caisse claire sur le temps 3. Cela crée une sensation de swing qui est couramment entendue dans Musiques latines et africaines.
Rythme reggae
Le motif de batterie pour le reggae présente souvent un rythme syncopé qui met l'accent sur le contretemps, avec un fort accent sur les deuxième et quatrième temps.
La grosse caisse est jouée sur le troisième temps, tandis que la caisse claire est jouée sur les deuxième et quatrième temps.
Rythme hip-hop
Le motif de batterie pour le hip-hop est souvent caractérisé par un rythme régulier et entraînant avec un fort accent sur le temps fort. La grosse caisse est généralement jouée sur les temps 1 et 3, tandis que la caisse claire est jouée sur les temps 2 et 4.
Temps de coupe (2/4 temps)
Enfin, il y a la signature rythmique 2/4. Ce rythme est souvent utilisé dans les fanfares et la musique militaire. Il a un rythme puissant et entraînant qui peut être excellent pour créer une sensation anthémique et héroïque.
Des chansons comme "The Final Countdown" d'Europe et "We Will Rock You" de Queen sont d'excellents exemples de temps 2/4.
Comprendre et utiliser des rythmes populaires dans votre écriture peut être un excellent moyen de rendre votre musique plus mémorable et plus agréable.
Que vous écriviez une chanson pop ou un morceau classique, apprendre les rythmes les plus populaires de la musique et comment les incorporer dans vos chansons peut vous aider à créer quelque chose de vraiment spécial.
Comment écrire une mélodie pour votre chanson
8 progressions d'accords les plus courantes pour démarrer votre chanson
Il n'y a rien de plus vital que de maîtriser l'art des progressions d'accords pour un auteur-compositeur en herbe.
Certains accords possèdent la capacité unique d'évoquer des émotions et des textures spécifiques, préparant le terrain pour le ton et l'atmosphère généraux d'une chanson. Ils sont à la base de la mélodie et du rythme d'une chanson , jouant un rôle central dans le succès de toute pièce musicale.
Dans cet article interactif, nous allons nous frayer un chemin à travers les 8 progressions d'accords les plus courantes qui ont honoré d'innombrables succès de certains des artistes les plus emblématiques de l'histoire.
Il s'agit du chapitre 2 du
Comment faire un guide de chanson
Hymnes pop/rock énergiques
Imaginez-vous conduire sur la route ouverte avec les vitres baissées, le vent dans les cheveux et "Blinding Lights" de The Weeknd explosant à travers les haut-parleurs. Cette envie irrésistible de chanter et de danser en rythme est due à la progression I-IV-V .
Cette séquence d'accords classique est un incontournable de la musique populaire depuis des décennies, couvrant des genres allant du rock au country et tout le reste.
De "Stay" de Justin Bieber et The Kid Laroi à "Therefore I Am" de Billie Eilish, vous ne pouvez pas nier la puissance et l'impact de cette séquence d'accords simple mais efficace qui crée une sensation de mouvement et de résolution, capturant l'essence de ce qui fait musique si universellement attrayante.
La progression d'accords IV-vi-IV est une séquence populaire qui a pris d'assaut le monde de la musique ces dernières années.
De la pop au rock et à la musique électronique, cette progression a été utilisée dans divers genres, créant des succès comme "Counting Stars" de OneRepublic et "Something Just Like This" de The Chainsmokers et Coldplay.
Il n'est pas étonnant que cette séquence soit devenue un incontournable pour les artistes qui cherchent à créer une musique qui remonte le moral et fait bouger les gens.
Si vous êtes un fan de musique entraînante et agréable, vous avez probablement entendu la progression d'accords I-vi-IV-V .
De "I'm Yours" de Jason Mraz à "Perfect" d'Ed Sheeran, cette progression a été utilisée dans de nombreuses chansons à succès de différents genres. C'est aussi un choix populaire pour les morceaux de danse, comme on l'entend dans "Don't You Worry Child" de la Swedish House Mafia et "Stay" de Zedd et Alessia Cara.
Il y a indéniablement quelque chose de spécial dans la progression I-IV-vi-V qui parle aux mélomanes du monde entier. Qu'il s'agisse de la façon dont il capture un sentiment de joie et d'optimisme, ou de sa capacité à créer une résolution satisfaisante, cette séquence d'accords a un attrait unique et durable.
Ballades pop/rock sincères
L'une des progressions d'accords les plus emblématiques de la musique populaire est la séquence I-vi-IV-V , communément appelée "progression des années 50". Avec son son optimiste et nostalgique distinctif, il est facile de comprendre pourquoi cette séquence d'accords était l'une des préférées de l'ère doo-wop et rock and roll des années 1950.
Mais ce qui est encore plus impressionnant, c'est que la progression I-vi-IV-V reste populaire à ce jour, avec des artistes contemporains comme Ed Sheeran, Maroon 5 et Lewis Capaldi l'utilisant dans leurs tubes pop modernes.
Du classique intemporel "Stand by Me" au hit moderne "Someone You Loved", cette progression d'accords s'est avérée être un incontournable de l'industrie musicale et un favori bien-aimé des fans de musique du monde entier.
La séquence I-iii-vi-IV , également connue sous le nom de "progression émotionnelle", est un choix populaire dans la musique pop-punk, emo et rock.
Avec son son mélancolique, il n'est pas surprenant que cette progression ait été utilisée dans certaines des chansons les plus emblématiques des dernières décennies, comme "The Middle" de Jimmy Eat World, "My Own Worst Enemy" de Lit et "I Miss You" de Blink-182, ainsi que des succès pop modernes comme "Stay" de Rihanna et Mikky Ekko, et "Breathin" d'Ariana Grande.
C'est un témoignage de la puissance durable de cette progression d'accords émotionnelle qui a résonné auprès des auditeurs à travers les genres et les générations.
La progression d'accords I-vi-IV-V est une séquence populaire qui peut facilement rester coincée dans votre tête et vous faire chanter sur vos morceaux préférés.
Des hymnes rock classiques comme "Sweet Child O 'Mine" aux succès pop modernes comme "Love Story", cette progression a le don de rassembler les gens grâce à son son accrocheur et édifiant.
Avec Whitney Houston et Red Hot Chili Peppers l'incorporant également dans leurs tubes, il est clair que la progression I-vi-IV-V a une endurance qui transcende le temps et les genres musicaux.
Ballades pop/R&B soul
La progression iii-vi-IV-V , également connue sous le nom de "cercle des quintes", est une séquence d'accords polyvalente qui a été utilisée dans la musique classique, jazz et pop.
Le son doux et sophistiqué de cette progression a séduit des compositeurs de musique classique tels que Beethoven et Mozart dans des pièces telles que "Moonlight Sonata" et "Eine Kleine Nachtmusik".
Des standards de jazz comme "Stella by Starlight" et "There Will Never Be Another You" l'ont également intégré, tout comme des succès pop comme "Just the Way You Are" de Bruno Mars, "If I Ain't Got You" d'Alicia Keys , et "How Deep Is Your Love" par The Bee Gees.
La progression d'accords I-vi-ii-V est une autre séquence populaire qui a été utilisée dans de nombreuses chansons à succès de différents genres. Il crée une belle tension et un relâchement qui laisse une impression durable sur les auditeurs.
De "Can't Help Falling in Love" d'Elvis Presley à "All of Me" de John Legend, cette progression est un incontournable pour les ballades qui cherchent à évoquer des émotions fortes chez leurs auditeurs.
Alors la prochaine fois que vous vous retrouverez à vous balancer sur une chanson d'amour, écoutez attentivement ce son magique I-vi-ii-V !
L'écriture de chansons peut être un voyage passionnant plein de créativité et d'expression de soi, et les progressions d'accords peuvent être un excellent point de départ. Quel que soit votre niveau de compétence, il est utile d'avoir quelques progressions préférées dans votre poche arrière.
Et si vous débutez dans le jeu d'accords, ne vous inquiétez pas - notre générateur d'accords d'accords peut vous aider à créer de belles progressions. Choisissez simplement une clé et un style, et laissez l'outil faire le travail pour vous. Essayez-le et laissez libre cours à votre créativité !
Comment écrire des paroles de chanson
Si vous êtes un auteur-compositeur en herbe, vous savez probablement que l'écriture de paroles est l'une des compétences les plus importantes que vous devez développer.
Bien que créer des paroles uniques et significatives puisse être un défi, c'est une partie cruciale du processus d'écriture de chansons.
Dans cet article, nous vous fournirons quelques conseils pratiques sur la façon d'écrire des paroles engageantes pour vos chansons.
Il s'agit du chapitre 3 du
Comment faire un guide de chanson
Partir d'une idée
Avant de commencer à écrire des paroles, vous devez évidemment déterminer sur quoi écrire. Cela pourrait être quelque chose qui vous passionne ou quelque chose qui vous préoccupe ces derniers temps. Il peut également s'agir d'un événement ou d'une situation spécifique que vous souhaitez partager avec le monde.
Si vous trouvez difficile de trouver un thème de chanson qui vous touche vraiment, notre générateur d'idées de chansons gratuit peut vous être utile !
Cet outil est conçu pour générer sans effort des idées de chansons créatives et inspirantes qui lanceront votre processus d'écriture de chansons en un rien de temps.
Un autre bon conseil est de faire un remue-méninges et de simplement noter tous les mots, phrases ou lignes qui vous viennent à l'esprit.
Ne vous souciez pas encore de l'ordre ou de la structure des lignes ; concentrez-vous simplement sur la sortie de vos idées de votre tête et sur le papier ou votre application de notes.
Maintenant que vous avez votre idée de chanson, il est temps de la façonner en une structure cohérente.
Structurer vos paroles
Réfléchissez à la façon dont les lignes doivent couler et à la manière dont les mots doivent être arrangés pour correspondre à la progression d'accords de votre chanson. Considérez le rythme et la cadence de vos mots et comment ils s'emboîtent.
L'utilisation de différentes formes de rimes peut également aider à structurer vos paroles et vous aider à déterminer comment organiser vos mots pour un impact maximal.
Par exemple, un couplet est une forme de rime à deux lignes dans laquelle le dernier mot de chaque ligne rime.
"Le soleil se lèvera et tombera à nouveau
Mais notre amour ne finira jamais."
Un autre type de forme de rime est le tercet , qui se compose de trois lignes dans lesquelles les première et troisième lignes riment. Un exemple de tercet est :
"Je vais te tenir, te toucher, te serrer Je
vais te dire, te montrer, te sentir
Je vais te garder, ne jamais te quitter."
Enfin, un quatrain est une forme de rime à quatre vers qui rime généralement selon le modèle aabB. Un exemple de quatrain est :
"Oh, je vais me lever en chantant
Je vais déposer mon fardeau
Je vais briser ces chaînes de chagrin
Partout dans cette ville vaste et solitaire."
N'oubliez pas : il n'y a pas de bien ou de mal quand il s'agit de choisir une structure ou une forme de rime spécifique, mais les expérimenter et les mélanger ensemble sont des aspects clés pour capter l'oreille de votre auditeur et le garder engagé avec votre chanson.
Expérimenter le langage
Lorsque vous écrivez des paroles, n'ayez pas peur d'expérimenter différents types de langage. Intégrer du vocabulaire étranger, de l'argot ou prononcer des mots avec un accent étranger peut ajouter une saveur et une profondeur uniques à votre chanson.
Pour améliorer vos paroles et les faire ressortir vraiment, essayez d'utiliser des métaphores , des comparaisons et d'autres dispositifs poétiques , tout en les combinant avec des rimes intéressantes.
Créer une mélodie
Écrire des paroles pour s'adapter à une mélodie est une approche courante dans l'écriture de chansons.
En fredonnant ou en chantant une mélodie sur une progression d'accords, vous pouvez créer un cadre pour la mélodie de votre chanson.
À partir de là, vous pouvez commencer à créer des paroles qui correspondent au rythme et à la mélodie de la chanson, en lui donnant une structure cohérente et mémorable.
Si vous avez besoin d'aide pour créer une progression d'accords unique pour écrire vos paroles, essayez d'utiliser le ChordChord Generator . Choisissez parmi une variété d'instruments et de paramètres sonores pour créer une progression organique et unique qui fournira un excellent point de départ pour votre chanson.
Écrire des paroles pour s'adapter à une mélodie peut être un processus amusant et créatif, et cela vous permet d'explorer différentes émotions et thèmes qui peuvent être transmis à travers votre musique.
Apprenez-en plus sur la création de superbes mélodies dans le prochain article détaillé sur la façon d'écrire une mélodie que vos auditeurs vont adorer.
Liste ultime des 20 progressions d'accords tristes et émotionnelles en 2023
Pouvoir secret des progressions d'accords mineurs tristes
Avez-vous déjà entendu une chanson ou une bande originale particulière dans un film, une émission ou un jeu vidéo qui vous a déjà fait pleurer ? Vous a laissé sans voix ? N'ayez pas peur de l'admettre !
En tant que compositeur en herbe ou débutant, vous êtes-vous déjà demandé ce qui les rend si tristes et émotionnellement percutants ?
La réponse principale réside en fait dans les progressions d'accords. Ce sont quelques-uns des facteurs les plus importants dans la façon dont une chanson se sent et comment vous réagissez à ce morceau de musique.
Ce ne doit pas nécessairement être un morceau complexe pour avoir un son beau et profond. Il existe en fait des milliers de hits écrits autour de progressions assez simples à 4 accords !
Le choix des instruments et des paroles a une certaine importance. Cependant, vos progressions d'accords et votre harmonie détermineront le cœur de vos chansons. De même, ils détermineront à quel point vous voulez qu'ils soient tristes et émotifs.
La tristesse et la mélancolie font partie intégrante du vaste patrimoine musical de l'humanité. Il existe d'innombrables exemples de bandes sonores, de partitions et de chansons individuelles puissantes, émouvantes et émouvantes dans le monde.
Voyons maintenant quelques exemples de vie !
Cette progression distinctive est largement représentée dans la célèbre pièce "Requiem for a Dream" de Clint Mansell . Vous le reconnaîtrez probablement immédiatement lorsque vous travaillerez avec !
Il s'agit d'une progression d'accords de guitare triste omniprésente, c'est pourquoi elle peut sembler familière lorsque vous travaillez avec, similaire à celle utilisée ci-dessus par Mansell.
L'accord mineur iv donne à cette progression une pointe de tension grâce à son ajout vers la fin de la progression.
Celui-ci utilise le mineur vii et le mineur iii. Cela semble vraiment de mauvaise humeur, inquiétant et triste.
Vous pouvez rester sur ces deux accords, en alternant d'avant en arrière. Ou vous pouvez explorer d'autres options en ajoutant également quelques accords majeurs.
Certaines de mes options préférées sont la résolution de l'accord I ou le passage aux accords IV ou V.
C'est encore un autre accord intéressant, l'utilisation d'un accord différent avec une note de base similaire peut considérablement orienter les émotions, surtout lorsque la plupart de vos accords sont sur des tonalités mineures.
Cette progression est en fait utilisée dans la reprise de Johnny Cash de la chanson « Hurt » de Nine Inch Nails .
Celui-ci que vous avez peut-être entendu dans la chanson " Tears in Heaven" d' Eric Clapton.
C'est une progression intéressante - elle peut être arrangée dans n'importe quel ordre dans le cadre d'une composition plus large pour obtenir l'effet triste exact que vous voulez des notes.
Cela s'applique à tous les accords hautement reconnaissables et emblématiques. Les mélanger a toujours la chance de trouver un nouveau combo puissamment émotionnel qui pourrait vous plaire !
Cette belle progression est utilisée dans "Hit the Road Jack!" par Ray Charles . Cela peut aussi vous rappeler "Rolling in the Deep" d'Adele .
Si vous ne pouvez pas décider comment commencer votre chanson, optez pour une progression mineure, des cordes ouvertes et des accords groupés.
Un son de cluster est ce qui est créé en frappant deux notes adjacentes sur une gamme.
Certaines progressions d'accords courantes sont tellement fondamentales qu'elles sont utilisées dans de nombreux morceaux différents de toutes sortes de styles musicaux. C'est une excellente nouvelle - cela signifie que si vous devenez à l'aise avec eux, il y a des centaines de chansons que vous pourrez jouer relativement facilement. Voici une de ces progressions pour vous.
Utilisé dans la chanson "Maggot Brain" de Funkadelic/Eddie Hazel.
Descendre avec cette progression d'accords aidera à créer une sensation de repos.
Vous pouvez faire du freestyle avec quelques notes pour ajouter un peu de saveur à la musique. Tout en faisant cela, essayez d'utiliser l'effet de réverbération pour maintenir chaque note.
Celui-ci aidera à ajouter une mélodie triste à votre chanson. Vous pouvez utiliser des accords mineurs additionnés de 9.
Les accords produiront un son parfait qui stimule le chagrin et la tristesse.
C'est une autre progression en la mineur. Vous pouvez également payer les accords mineurs et majeurs en utilisant une note de basse similaire. Cette progression produira une réponse émotionnelle dramatique dans votre auditoire.
Celui-ci commence sur le mineur ii, avant de passer au I puis au V. C'est dans la tonalité de G.
Ce que j'aime dans cette progression, c'est qu'elle sonne vraiment inachevée. C'est parce que ça ne se résout pas. Il se bloque juste sur cet accord V.
La plupart de nos progressions d'accords ont commencé sur un accord mineur. Mais vous n'êtes pas obligé de le faire pour créer une progression d'accords mineurs.
Si vous connaissez vos accords mineurs et vos signatures de clé, alors vous avez déjà les outils pour créer vos propres progressions mineures de mauvaise humeur. La première étape consiste à se familiariser avec les accords qui se trouvent dans chaque signature de clé. Une fois que vous les connaissez, vous avez une bonne base pour commencer à construire vos propres progressions d'accords mineurs.
Ce motif final commence en fait sur un accord majeur, le IV. Il monte ensuite au V, mineur vi et remonte au IV.
Cela donne une véritable sensation de mauvaise humeur et constitue une progression populaire dans de nombreuses musiques EDM.
Si vous êtes assez avancé, vous pouvez essayer d'improviser avec la gamme pentatonique mineure.
Pourquoi la musique émotionnelle est si puissante
Il existe une variété de raisons pour lesquelles vous voudrez peut-être continuer à jouer de la musique triste et émouvante. Peut-être souhaitez-vous simplement inspirer ces mêmes émotions à votre public en tant qu'œuvre d'art. Une poursuite noble et digne en effet!
Peut-être souhaitez-vous raconter une histoire ou transmettre des concepts plus abstraits dans un format audible.
Quelle que soit votre intention musicale, vous trouverez que la maîtrise de la musique émotionnelle est un investissement de temps très gratifiant !
Les accords tristes permettent à des concepts, des significations et des états émotionnels complexes de traverser votre musique. Cette qualité rend les chansons réputées pour leur puissance émotionnelle si mémorables.
C'est également cette même magie qui contribue à rendre les films émotionnels et autres médias si percutants. Dans la plupart des cas, c'est la bande sonore qui aide à établir l'identité du média pour lequel elle marque à la fois les créateurs et le public.
Après tout, des films comme Children of Men, Godfather ou Titanic seraient-ils les mêmes si leurs chansons thématiques principales étaient échangées avec celles de Seinfeld ou Mission Impossible ?
Si vous souhaitez pratiquer l'une des chansons suivantes et avez besoin d'un peu plus de conseils, voici également un article avec de belles procédures pas à pas détaillées que nous avons trouvées pour vous.
- Le Scientifique – Coldplay
- Chanson d'amour inter-États - Pilotes du temple de pierre
- Quelqu'un comme toi Adele
- Reste avec moi - Sam Smith
- Quand j'étais ton homme - Bruno Mars
Si vous cherchez des conseils supplémentaires pour composer vos propres mélodies émouvantes, vous trouverez un plan sur mesure pour commencer et mes trucs et astuces personnels dans ce guide pratique pour écrire de la musique .
Guide pratique sur l'écriture musicale - Tout ce dont vous avez besoin pour commencer
Écrire des chansons peut parfois être la chose la plus naturelle à faire, mais cela n'arrive pas tout le temps. Parfois, nous nous retrouvons dans une ornière de création et le sentiment que nous ne pourrons plus jamais rien écrire. Ou pire encore, nous proposons de nouvelles choses, mais cela semble similaire/identique à quelque chose que nous avons fait auparavant. C'est plus probable, car nous nous inspirons inconsciemment de la musique que nous écoutons régulièrement. Évidemment, écrire des chansons, c'est comme jouer d'un instrument. Plus vous pratiquerez, meilleur vous deviendrez.
Dans ce guide, nous vous apprendrons à écrire des chansons basées sur des progressions d'accords.
Avec le bon état d'esprit et une compréhension complète du fonctionnement des progressions d'accords, vous êtes sur la bonne voie pour composer vos propres pièces musicales !
Commençons!
Trouver la direction
Tout d'abord, vous devez être capable de comprendre le sens des choses et de trouver l'approche la plus appropriée. Et plus important encore, vous voulez avoir une vision du produit final et de ce qu'il va être. Cela peut prendre un certain temps, surtout si vous partez de zéro.
- Être inspiré.
Écoutez vos chansons préférées et faites attention à ce qu'elles vous font ressentir. Essayez de découvrir quelle partie de la chanson est responsable de la "sensation" globale de la chanson. La plupart des chansons ont été écrites à partir de la mélodie initiale. C'est une ligne instrumentale ou vocale qui est utilisée comme base, et le reste de la chanson est composé autour d'elle.
Si vous ne savez pas par où commencer, voici une liste de 30 chansons populaires composées d'environ 4 accords identiques !
- Chanter sous la douche. C'est exact. Ceci est un avis d'expert officiel.
N'hésitez pas à chanter pendant votre temps libre. Il n'est pas nécessaire que ce soit un contenu lyrique spécifique. Nouillez et jouez avec votre voix. Vous pouvez le faire à tout moment, quoi que vous fassiez en ce moment. Même si vous faites juste la vaisselle ou prenez une douche. C'est le moyen le plus efficace de capturer votre humeur et de la transformer en quelque chose qui sortira plus tard des haut-parleurs. De plus, ce serait formidable de toujours avoir un appareil qui peut, au moins, enregistrer votre voix.
- Sortez-le de votre tête.
Maintenant que vous avez une certaine mélodie ou ligne, la prochaine étape consiste à prendre un instrument sur lequel vous pouvez jouer et chanter. De préférence un piano ou une guitare. Peu importe si votre mélodie sonne même un peu joyeuse ou édifiante. Vous avez juste besoin d'un point de départ.
- Trouve la clé.
Déterminez quelle est la tonalité la plus confortable pour chanter. Dans ce cas, nous parlerons des progressions d'accords de guitare. Alors, commencez par la corde mi grave. Chantez toutes les notes à partir du mi ouvert et montez chromatiquement vers le haut. Donc, EFF # et ainsi de suite. Votre clé est une note avec laquelle vous êtes le plus à l'aise pour chanter et tenir. Cela signifie que vous ne devriez ressentir que peu ou pas de pression sur vos cordes vocales lorsque vous frappez cette note.
Lorsque vous trouvez votre tonalité, transposez simplement votre mélodie dans cette tonalité et déterminez s'il s'agit d'une tonalité majeure ou mineure, et vous êtes déjà sur la bonne voie !
Mise à niveau
- Réglez la base.
Disons que votre tonalité la plus confortable pour chanter est A et imaginons que nous écrivions une chanson triste, nous utiliserons donc A-mineur. Nous prenons celui-ci car c'est aussi le plus facile et le premier accord que tout débutant apprend à jouer à la guitare.
Dans ce cas, votre accord Am sera la base de votre progression. Considérez cet accord comme votre maison. Vous voulez construire à partir de cet accord, et selon la progression, vous voudrez peut-être résoudre dans cet accord.
- Essayez d'ajouter différents accords.
Vous pouvez simplement jouer avec les accords de la même gamme et voir comment ils sonnent. Beaucoup s'accordent à dire que la tierce mineure est le sentiment le plus triste que les notes puissent représenter. C'est très utile dans notre cas.
Jouez un accord F puis récupérez votre tierce mineure, qui est Am dans ce cas. Remarquez comment cela sonne?
Les autres accords mineurs de cette gamme sont Dm et Em, vos 5e et 6e intervalles. Si nous devions prendre ces deux accords et Am, nous obtiendrions sûrement une triste progression d'accords. Vous voulez découvrir quelques exemples de progressions d'accords tristes ? Jetez un œil à notre liste ultime de 20 progressions d'accords tristes et émotionnelles 2023.
- Utiliser le générateur de progressions d'accords
Voyez ce que l'univers et le hasard peuvent vous apporter. Jouez avec un générateur de progression d'accords. Parfois, le hasard est la meilleure chose qui puisse arriver, et vous n'y alliez pas au départ !
Dans ChordChord, vous pouvez même choisir la tonalité que vous avez choisie et obtenir uniquement des résultats pour la gamme choisie.
- Rester simple.
C'est une progression très simple, et pour l'instant, nous voulons la garder aussi simple que cela. Nous n'avons même pas besoin d'utiliser les trois accords mineurs. Pour un joli couplet simple, il suffit même d'avoir juste les deux accords dans l'harmonie. Soit Am/Em, soit Am/Dm dans notre cas.
Cela seul est déjà une bonne surface pour commencer à composer des mélodies par dessus.
Gardez à l'esprit que la plupart des chansons tristes ont un fort contenu lyrique et que vous ne voulez pas d'une musique qui détournera l'attention de l'auditeur moyen des mots qui sont chantés.
- Développer la mélodie.
Maintenant, continuez et grattez librement ces accords. Voyez si vous pouvez trouver une mélodie qui a du sens. Si vous n'utilisez que deux accords comme harmonie, presque toutes les mélodies par-dessus sonneront très bien.
Un bon morceau de musique nécessite une structure claire. Si vous débutez dans l'écriture de chansons, apprenez quelles parties de la chanson il y a et comment jouer intelligemment avec elles.
Amusez-vous à chanter dans votre voix de fausset jusqu'à ce que vous obteniez quelque chose qui ressemble à ce que vous recherchez, même légèrement.
Aller avancé
C'est là que les choses commencent à prendre forme et vous passerez probablement la plupart de votre temps ici. Vous voulez probablement que votre chanson sonne fraîche et non comme une chanson pop générique. À moins que ce ne soit ce que vous recherchez.
- Utilisez la gamme pentatonique. Ouais, ça devient sérieux.
Maintenant, si vous écoutez attentivement de nombreuses chansons populaires, vous remarquerez que les notes de la mélodie principale appartiennent toutes à la gamme pentatonique dans de nombreux cas.
Bien sûr, vous n'êtes pas obligé de toujours suivre cela. Parfois, vous trouverez des notes qui ne font pas partie de ces gammes, mais si elles vous conviennent, n'ayez pas peur de les laisser telles quelles ! Ce sont eux qui prendront votre auditeur au dépourvu. Ils sont habitués à entendre certains schémas, qui sont similaires dans beaucoup de musique d'aujourd'hui. Quelque chose de prêt à l'emploi peut certainement attirer l'attention des gens, car ils ne s'y attendront pas.
- Sens le.
Maintenant que vous avez une mélodie avec laquelle vous pouvez vous installer, il est temps de revenir à la première étape. Vous voulez peut-être même changer votre progression à nouveau. Votre impression générale de la chanson est un unisson de mélodie et d'harmonie, et comment elles se complètent.
Si vous jouez de la guitare, vous remarquerez que même un changement de motif de grattage peut parfois affecter considérablement la livraison. Ce sont toutes de petites nuances qui s'additionnent à la fin.
- Joue-le. Joue-le. Joue-le.
Si vous avez des lignes répétitives, il est parfois agréable de changer un certain accord dans l'harmonie sous-jacente. Jouez et voyez comment cela affecte l'ambiance générale de la chanson. Cela le rend-il encore plus triste ou ajoute-t-il une dimension complètement différente ?
Conseils & Astuces
Voici quelques éléments qui peuvent grandement développer votre créativité et amener vos chansons à un tout autre niveau !
- Dissonance.
Ils disent que la dissonance égale l'émotion. Jouez avec la voix des accords.
Déplacez vos accords de haut en bas des octaves et voyez comment cela affecte la chanson.
Changez la façon dont vous jouez vos accords parfaits et expérimentez les inversions. Il s'agit essentiellement de jouer le même accord mais avec des positions de notes différentes. Par exemple, votre accord Am se compose d'une racine, d'une cinquième et d'une tierce mineure. Dans de nombreuses formes d'accords à la guitare, la fondamentale est toujours la note la plus basse, suivie de la quinte puis de la tierce. Maintenant, échangez ça et voyez comment ça sonne.
Essayez d'ajouter une autre octave sur l'une de ces notes.
- Diads.
Essayez d'ajouter des notes supplémentaires à vos accords de base, comme la 7ème.
Ou essayez de supprimer le cinquième intervalle, vous laissant uniquement la racine et le troisième. Cela transforme vos triades en diades, avec lesquelles il est encore plus facile de travailler. Comme ils n'ont pas de quinte, ils laissent beaucoup de place aux mélodies vocales pour être à l'honneur. Surtout si vous jouez la tonique comme une basse grave et la tierce dans une octave ou deux au-dessus de cette hauteur. Il crée un beau son de deux notes qui se complètent, mais sont si éloignées qu'elles ressemblent presque à une dissonance pour l'auditeur moyen.
- Arpège.
Une autre astuce consiste à arpéger vos accords. Jouez-les lentement note par note, et si vous pouvez exécuter assez bien pour chanter dessus, faites attention à ce que chaque note apporte à l'accord.
De nombreux grands artistes composent leurs mélodies vocales en prenant certaines notes d'accords arpégés et en les chantant pendant que l'accord est gratté derrière cela. Ou ils chantent des chœurs composés de ces notes à la place.
Cette approche peut ouvrir une toute nouvelle dimension créative, tant que vous êtes prêt à prendre votre temps et à expérimenter !
- Vibrato.
Je ne saurais trop insister là-dessus, mais le vibrato est le roi de l'émotion ! Période.
Jouez en ajoutant un vibrato sur certaines lignes vocales ou en ajoutant une sorte de pédale, noyant la note tirée des accords dans votre progression qui vibre en arrière-plan. Ou ajoutez simplement les deux !
- Répétition.
Une autre astuce que les grands artistes et producteurs utilisent pour souligner le poids de certaines parties de la chanson est de les répéter deux fois de suite. Cela se fait principalement avec le refrain, et surtout celui de clôture.
Mais ce n'est pas tout! Ils le joueront régulièrement une fois, mais la deuxième fois, la tonalité passera à un niveau supérieur. Donc, dans notre cas, nous passerions de Am à Bm.
Trouvez un bon motif rythmique pour mettre cela en œuvre ou juste une simple pause à des fins dramatiques, suivie d'un remplissage de percussion. Regardez vos auditeurs avoir la chair de poule partout !
- Se désaccorder.
De nombreux musiciens qualifiés utilisent parfois des notes qui ne sont même pas à la bonne hauteur. C'est déjà des trucs avancés, mais ce n'est pas trop difficile à mettre en œuvre ! Jouez un accord barré et essayez de pousser lentement votre main qui frette de plus en plus fort, de sorte que l'accord se désaccorde légèrement, mais pas trop. Remarquez comment cela crée un bref moment de tension avant de le remettre au diapason ?
C'est une astuce parfaite qui peut mettre en valeur vos lignes vocales importantes en mettant un petit accent, de préférence en fin de ligne. Vous voulez pousser cet accord sur le dernier mot chanté et le remettre en accord avec un bon sens rythmique. Par exemple, juste après avoir fermé la bouche. C'est un détail subtil qui est difficile à remarquer en soi, mais qui fait certainement une différence !
- Ajoutez quelques accords diminués !
Les possibilités sont infinies, alors n'essayez pas de limiter votre créativité. Mais ne vous concentrez pas trop sur le fait d'essayer de rendre vos chansons uniques, car cela peut souvent être contre-efficace.
Et rappelez-vous, parfois même la plus petite astuce pour surprendre votre auditeur suffit à faire de votre chanson un succès !
Sans peur
Si, au cours de votre parcours de composition, vous avez des doutes sur la qualité de votre travail, ne vous inquiétez jamais !
Les erreurs font toujours partie du processus d'apprentissage, et la façon dont vous les gérez est une indication de votre progression ! Personne ne peut maîtriser une chanson du jour au lendemain.
Si jamais vous avez des doutes sur un projet ou une composition expérimentale, faites-le pour vous-même et ne visez pas tout de suite un chef-d'œuvre.
Avec l'énergie dirigée avec passion et détermination dans votre travail, votre musique sera la plus émouvante et la plus puissante que vous puissiez créer !
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tout ce que vous devez savoir sur la structure d'une chanson pour l'écriture de chansons
Si vous aspirez à l'écriture de chansons, vous serez heureux de savoir que la structure et les composants individuels d'une chanson peuvent en fait être assez faciles à apprendre et à pratiquer. Les structures des chansons n'ont en fait que 7 parties principales auxquelles s'habituer. Si ce n'est pas assez encourageant, vous constaterez rapidement que chacune de ces parties principales est assez flexible. Cela sous-tend le fait qu'une fois que vous connaissez les principes de base de cette structure, vos possibilités d'écriture de chansons sont illimitées !
Les différents composants d'un morceau
Introduction
C'est le moment de vérité pour n'importe quelle chanson. Dès le départ, l'intro aide à établir le timbre, l'ambiance et le ton de la chanson et à quoi le spectateur peut supposer que la piste entière peut ressembler. Bien qu'il incombe aux autres parties de la chanson de répondre ou de défier les attentes de votre public, l'intro est essentielle pour donner la meilleure première impression possible.
Verset
Alors que le refrain est au centre d'une structure de chanson de base, le couplet fait partie de la première impression initiale introduite dans, eh bien, l'intro ! Il fait avancer les progressions d'accords de la chanson vers l'ascenseur.
Pré-refrain (Lift)
S'appuyant sur le couplet alors que le couplet s'appuie sur l'intro, le pré-refrain ou l'élévation de la structure de la chanson est ce qui crée l'anticipation. Cela peut être fait par une variété de méthodes différentes, que nous aborderons brièvement plus loin !
Refrain
Le refrain est, tout simplement, l'idée critique principale de votre chanson, où l'essentiel de son essence peut résider aussi bien poétiquement que pratiquement. Généralement, le chœur répète cette idée de manière mélodique, et le chœur dans son ensemble sert de corps principal de la chanson.
Pont
Les ponts sont des éléments critiques dans les structures des chansons. Ces compagnons pratiques aident à empêcher votre chanson d'être monotone. Ils apportent de la dynamique et, au bon endroit, peuvent améliorer votre chanson.
Casser
Le plus souvent sous la forme d'une pause instrumentale, les pauses sont également un type de point de transition dans toute structure de chanson. Ils peuvent être à la fois des points de transition vers d'autres parties de votre chanson, ou peuvent même être utilisés comme points de transition dans un album de chansons, lorsqu'une chanson se mélange à une autre.
Autre
Celles-ci peuvent prendre différentes formes, mais peu importe, l'outro est, comme vous pouvez le supposer, le contraire de l'intro. Les outros clôturent proprement les chansons.
Approches courantes de la structure des chansons
Lorsque vous étudiez différentes structures de chansons une fois que vous avez acquis une solide compréhension de la structure d'une chanson, vous remarquerez des similitudes ainsi que des différences. Nous couvrirons certaines de ces différences et leurs différences dans la prochaine session. Pour l'instant, regardons comment les parties d'une chanson sont arrangées dans certaines structures de chanson courantes.
Voici quelques exemples de structures de chansons courantes très populaires :
Il existe également plusieurs types de structures qui existent par nom que vous pouvez rechercher et expérimenter dans votre écriture de chansons ! Certains d'entre eux incluent le Verse-Refrain, le Verse-Chorus et le Verse-Prechorus-Chorus pour n'en nommer que quelques-uns.
Comment les approches structurelles diffèrent et comment elles peuvent être utilisées
Différentes structures de chansons peuvent réaliser de nombreuses choses différentes, au-delà de leurs différences structurelles évidentes lorsqu'elles sont illustrées sur un graphique. Pour certains exemples, la forme libre est idéale pour les chansons que vous avez l'intention d'avoir peu ou pas de répétitions, ce qui en fait un choix difficile ou improbable si vous souhaitez utiliser fortement la répétition.
Un autre exemple peut être trouvé dans Verse-Refrain, où il est assez simple et facile à utiliser, avec peu d'inconvénients car il s'est avéré assez polyvalent. Il a l'inconvénient de ne pas avoir été aussi populaire plus tard, vous devrez donc revenir au 20e siècle pour des exemples plus fréquents de chansons utilisant cette structure.
Pendant ce temps, le préchorus est très courant dans la musique moderne, ce qui lui donne de nombreux exemples contemporains de son utilisation structurelle. Verse-Prechorus-refrain fonctionne mieux lorsque la chanson dans laquelle il est incorporé est construite autour de lui, plutôt que le premier étant quelque chose d'ajouté rétroactivement à une structure de chanson existante que vous avez écrite à l'ébauche.
Conseils généraux pour conclure
Nous espérons que cette ventilation générale sera une ressource utile pour comprendre les bases de la structure et de l'écriture d'une chanson ! Avant de terminer, explorons quelques conseils pour l'avenir lorsque vous allez écrire vos propres chansons
- Le premier pointeur concerne le moment juste avant d'aller écrire : le brainstorming. Essayez de développer une bonne idée de ce que vous voulez mettre dans votre chanson et de ce que vous voulez qu'elle présente au public.
- Pensez également à ce qui entre dans la structure d'une chanson en général et à la façon dont cela peut rendre chaque chanson spéciale. Cela inclut tout, du timbre, de l'humeur et du ton jusqu'aux instruments avec lesquels il pourrait être bon ou aux paroles d'accompagnement. Chacun d'eux est un élément important de l'âme de la chanson elle-même et de la façon dont elle démontre votre créativité.
- Expérimentez, expérimentez ! En effet, ne ressentez jamais le besoin de vous classer dans un seul type de structure de chanson. N'hésitez jamais à mélanger et assortir pour voir quelles nouvelles structures vous pouvez créer lorsque vous écrivez de la musique. Au-delà des 7 parties qui entrent dans une chanson, peu importe comment vous les arrangez dans une structure, les possibilités sont en effet infinies.
- Enfin, rappelez-vous qu'il n'y a pas d'erreurs, juste des accidents heureux comme le dirait Bob Ross. Cet adage de la peinture est toujours très vrai dans le monde de la musique; si la structure d'une chanson vous déplaît, c'est toujours une expérience d'apprentissage. Vous pourriez peut-être y penser comme un exemple de structure qui peut avoir besoin d'être modifiée, ou peut-être qu'elle a juste besoin d'un peu de piquant même.
Avec tout cela à l'esprit, votre compréhension naissante des parties de base d'une chanson et vos inspirations vous feront sûrement écrire de la musique en un rien de temps.
Bonne chance et écris bien!
le pouvoir des
progressions d'accords émotionnels
Les progressions d'accords sont les éléments constitutifs de la musique. Que vous écriviez de la pop , du R&B ou tout autre type de genre, différents accords évoquent un large éventail d'émotions chez votre auditeur, du bonheur à la tristesse, de l'excitation à l'agressivité. Bien que jouées dans leur forme de base, les progressions standard peuvent ne pas avoir immédiatement un impact énorme, elles constituent un cadre utile sur lequel accrocher d'autres éléments de votre chanson.
Combiner une progression d'accords appropriée avec une instrumentation appropriée, des paroles significatives et une mélodie mémorable contribuera grandement à communiquer le message de votre musique. Ici, nous examinerons certaines séquences d'accords distinctes qui ont été utilisées dans la musique populaire pendant des décennies, ainsi que des exemples plus récents des progressions en action. Une fois que vous avez compris comment de simples combinaisons d'accords fonctionnent ensemble pour créer un paysage musical évocateur, vous pouvez mélanger les choses et explorer des accords plus complexes et une expression harmonique.
Accédez à ces sections :
- Les bases des accords dans l'écriture de chansons
- Des progressions d'accords émotionnelles pour vos chansons
Poursuivez en jouant vos accords à l'aide de la nouvelle version de la bibliothèque d'usine KONTAKT 2 .
Les bases des accords dans l'écriture de chansons
Nous allons supposer que vous avez déjà une idée sous-jacente de la façon dont un accord musical est construit ; 3 notes ou plus d'une gamme donnée jouées simultanément pour un son harmonieux. Les accords sont nommés en fonction de leur tonalité fondamentale et de leur "forme". Les noms communs incluent majeur, mineur et 7e. Pour un rappel sur les bases de la théorie, consultez notre guide pour démarrer avec la théorie musicale . Ce guide couvrant les accords pop est également un point de départ utile.
Nous annoterons les accords dans un format commun de chiffres romains, mais montrerons également les exemples dans leurs équivalents transposés de do majeur ou de la mineur (selon que la progression est dans une tonalité majeure ou mineure). Recherchez les exemples audio ci-dessous pour chaque progression que nous avons jouée en utilisant des sons de la nouvelle bibliothèque Kontakt Factory Library 2 .
Quels sont les 4 accords utilisés dans chaque chanson pop ?
Les quatre accords utilisés dans presque toutes les chansons pop sont I, IV, V et vi, ou C maj, F maj, G maj et A min. Ces accords sont les plus courants dans la musique occidentale et peuvent être trouvés dans une grande variété de genres, de la pop au rock en passant par la country. Selon la façon dont vous utilisez ces quatre accords, différents sons et émotions peuvent être évoqués.
Comment puis-je écrire une bonne progression d'accords?
Commencer par certaines des progressions d'accords les plus courantes est un excellent endroit pour trouver l'inspiration. Ne vous inquiétez pas trop de copier les accords d'un autre auteur-compositeur, car chaque séquence d'accords qui semble à moitié décente a déjà été intégrée à de nombreuses chansons existantes. Modifiez le timing ou les répétitions en fonction de votre piste. Par exemple, l'intro de « Kayleigh » de Marillion reprend les deux premiers accords de notre séquence chill & relax ci-dessus (i – VII) avant de jouer toute la progression durant les couplets (i – VII – v – VI).
Des progressions d'accords émotionnelles pour vos chansons
1. Des accords joyeux et excitants
I – V – vi – IV : Cmaj – Gmaj – Amin – Fmaj
Cette progression d'accords joyeux populaire est souvent utilisée pour créer un sentiment de joie enhardie. C'est une séquence stridente et déterminée qui entraîne naturellement l'auditeur dans un voyage dès la première mesure. Commençant par un accord tonique majeur, un accord "maison", la progression se déplace vers l'accord dominant V, créant un sentiment de tension et d'excitation. L'accord vi suggère quelque peu un soulagement après l'accord dominant, passant finalement à l'accord IV qui calme davantage la tension.
Il s'agit d'une progression très circulaire qui se prête à de joyeux refrains répétitifs comme le classique " Don't Stop Believin ' " qui remplace le vi (Amin) par un effronté iii (Emin) au deuxième tour pendant un peu de variété. Pour un exemple plus bruyant de cette progression, regardez « abcdefu », le chant de respect de soi de Gayle.
2. Accords sombres et maussades
i - VI : Amin - Fmaj
Cette progression d'accords apparemment simple crée une atmosphère sombre et maussade avec un changement d'accord quelque peu inattendu. Tension et dissonance sont évoquées dès le départ, même si ces accords ont deux notes en commun.
Britney Spears a surpris de nombreux fans habitués à sa pop chewing-gum précédente avec le sensuel « Slave 4 U ». Cet hymne de confiance séduisante s'écarte rarement de la progression pendant son exécution. Les variations qui incluent une 6e note peuvent créer une ambiance encore plus troublante, comme le démontre tout au long de " Love Sosa " par Chief Keef, en faisant tourner un entraînement de piège hypnotique de 3 minutes à partir de seulement deux accords et d'une simple mélodie.
3. Accords nostalgiques et sentimentaux
I – IV – ii – V : Cmaj – Fmaj – Dmin – Gmaj
Bien qu'elle commence par un accord majeur, cette progression semble un peu triste et peut sembler aspirer au passé, ce qui la rend parfaite pour les chansons d'amour qui remontent le temps. De l'accord fondamental I, le mouvement à l'accord IV ajoute un sentiment d'anticipation, menant en douceur au mineur ii qui crée un sentiment de tension pensive, avant de se résoudre à un accord V satisfaisant.
" Everybody's Changing " de Keane utilise cette séquence avec beaucoup d'effet pendant les couplets pour se souvenir de moments plus heureux, avant de mélanger les accords pour un refrain plus pragmatique.
Déplacer ces accords d'une seule position vers IV – ii – V – I pousse la progression dans un territoire encore plus sincère, comme le montre « As It Was » de Harry Styles. Une instrumentation clairsemée et des paroles personnelles se combinent avec la séquence d'accords pour créer un hymne qui se languit d'un amour perdu.
4. Accords de motivation et de victoire
ii – I – V : Dmin – Cmaj – Gmaj
Beaucoup supposent que l'hymne de motivation " Eye Of The Tiger " figure dans le film Rocky original, mais il apparaît en fait pour la première fois dans Rocky III. Films classiques mis à part, cette progression offre une tension et une résolution classiques dès le premier accord, qui est souvent joué en septième mineure. Le mouvement vers l'avant est créé en se déplaçant vers le I, et l'achèvement est atteint par la transition vers le V, suggérant que des progrès ont été réalisés ou qu'un voyage est terminé.
Lors de la deuxième partie, remplacez le I (Cmaj) par un vi (Amin) pour une résolution plus concrète.
Vous voudrez peut-être éviter d'utiliser cette progression comme base pour une chanson entière, car l'ambiance triomphante constante peut sembler un peu banale. Au lieu de cela, essayez la séquence comme un pré-refrain ou un pont, comme Missy Higgins ou Crash Test Dummies .
5. Accords froids et détendus
i – VII – v – VI : Amin – Gmaj – Emin – Fmaj
Nous considérons cette séquence d'accords comme l'une des plus relaxantes de la liste, avec sa progression naturelle d'un accord à l'autre. La sensation satisfaisante de la progression de i à VII puis de v à VI est parfois suffisante pour accrocher une chanson entière.
Cela en fait un choix populaire pour les morceaux à mi-tempo d'artistes tels que Charlie Puth et Taylor Swift . C'est aussi une progression populaire pour les artistes indépendants et rock tels que Foxes et Pat Benatar qui utilisent une instrumentation puissante pour injecter des éléments de rébellion et de fanfaronnade.
6. Accords nostalgiques et nostalgiques
i – III – VII – iv : Amin – Cmaj – Gmaj – Dmin
Une écoute de « Without Me » ou « Set Fire To The Rain » vous donnera une bonne idée de la façon dont cette triste progression d'accords peut être utilisée pour appeler un amant perdu ou demander juste une chance de plus. Cet accord final iv est le véritable écueil ici, empilant la tension (au lieu du VI attendu) et rendant inconfortable la résolution du i.
" Too Good At Goodbyes " de Sam Smith utilise également cette progression d'accords, mais remplace certaines triades par des accords de septième (essayez Dmin7 comme accord final) et, ce faisant, pousse le ton de la chanson dans un territoire de plus en plus irrésolu.
Cependant, tout n'est pas sombre, car avec quelques épanouissements lyriques intelligents et une métamorphose rapide, Gaga et Rihanna ont mené cette séquence d'accords sur la piste de danse.
7. Accords agressifs et de pression
i - VII - i - VII - VI - VII - i : Amin - Gmaj - Amin - Gmaj - Fmaj - Gmaj - Amin
Cette progression spécifique d'accords est fréquemment utilisée dans la musique rock et métal, apportant un drame grondant aux débats. Les accords de puissance de guitare conviennent particulièrement à cette séquence qui a peu de mouvement entre chaque accord, juste un ton.
L'exemple de métal le plus populaire est probablement " The Trooper " d'Iron Maiden , qui superpose des plans de guitare complexes sur les accords de base. Ajoutez quelques accords de plus et vous arrivez rapidement au « Don't Stop Being Crazy » de Helloween. Si vous avez du mal à entendre la progression sur ces murs sonores, dirigez-vous vers les couplets de " Beat It " de Jacko pour un exemple plus clair de la façon dont les accords passent d'un accord à l'autre.
Commencez à utiliser des progressions d'accords émotionnels
Comme vous l'avez vu et entendu, les progressions d'accords jouent un rôle important dans l'impact émotionnel de la musique, allant bien au-delà des simples accords majeurs « heureux » et des accords mineurs « tristes ». Les façons dont les progressions d'accords peuvent exciter, attrister et détendre sont vastes et nous n'avons fait qu'effleurer la surface ici. Rechercher pourquoi vos chansons préférées utilisent les accords qu'elles utilisent peut vous aider à comprendre pourquoi certaines progressions tirent sur la corde sensible comme elles le font.
Pour aller plus loin, expérimentez des outils de théorie des accords tels que le cercle des quintes et Hooktheory . Essayez des logiciels inspirants comme PLAYBOX ; offrant plus de 200 ensembles d'accords et offrant des possibilités infinies de progressions et d'idées harmoniques. Et consultez nos tutoriels sur les progressions d'accords pop et les progressions d'accords R&B pour vous aider à écrire des chansons.
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